El Rincón del Talento

James Ingram

2010-09-20T12:51:00.000-07:00

James Ingram es un cantante norteamericano de música Soul y R&B nacido el 16 de febrero de 1956 en Akron, Ohio.

Biografía

Ingram se formó como músico autodidacta siendo capaz de tocar el piano, la guitarra, el bajo, percusión y sintetizadores. Comenzó su carrera en los setentas como parte de la banda Revelation Funk. Por esta época desarrolló fama en Los Angeles como cantante de estudio llamado la atención del productor y compositor Lamont Dozier del famoso equipo de composición Holland-Dozier-Holland del sello Motown. Dozier invitó a Ingram a colaborar con algún material, en donde se destacó la canción "Love's Calling," y que hizo parte del álbum de 1980 Zingara.

En 1980, Ingram trabajó con Quincy Jones en su álbum The Dude siendo el vocalista en "Just Once" y en "One Hundred Ways" y esto le significó ganar un premio Grammy como mejor vocalista R&B. El álbum de debut de Ingram llamado It’s Your Night apareció en 1983, incluyendo la balada "There’s No Easy Way." Mientras tanto trabajó con una gran cantidad de artistas como Ray Charles, Michael McDonald, Patti Austin, Anita Baker, Nancy Wilson, Natalie Cole, y Kenny Rogers.

En 1985 ganó nuevamente un Grammy por "Yah Mo B There", canción interpretada con Michael McDonald. En ese mismo año colaboró junto con otros artistas en la campaña Usa for Africa, siendo uno de los cantantes del tema mundialmente conocido We are the world.En 1986 Ingram cantó a duo con Linda Ronstadt la canción principal de la banda sonora de la película An American Tail llamada "Somewhere Out There".

Sencillos

1981:

* "Just Once" [con Quincy Jones] - US #17

1982:

* "One Hundred Ways" [con Quincy Jones] - US #14

1983:

* "Baby, Come To Me" [con Patti Austin] - US #1 durante 2 semanas, UK #11

* "How Do You Keep The Music Playing?" - US #45

* "Party Animal"

1984:

* "She Loves Me (The Best That I Can Be)"

* "There's No Easy Way" - US #58

* "What About Me" [con Kim Carnes y Kenny Rogers] - US #15, UK #92

* "Yah Mo B There" [con Michael McDonald] - US #19, UK #12

* "It's Your Night" - UK #82

1986:

* "Always"

* "Never Felt So Good"

1987:

* "Somewhere Out There" [con Linda Ronstadt] - US #2, UK #8

1989:

* "A Natural Man (You Make Me Feel Like)"

* "It's Real" - UK #83

* "I Wanna Come Back"

1990:

* "I Don't Have The Heart" - #1 por 1 semana

* "Secret Garden" (con Quincy Jones, Al B Sure, El DeBarge y Barry White) - UK #67

1991:

* "Get Ready"

* "When Was The Last Time The Music Made You Cry?"

* "Where Did My Heart Go"

1994:

* "The Day I Fall In Love" (con Dolly Parton) - UK #64

Discos

* It's Your Night (1983)

* Never Felt So Good (1986)

* It's Real (1989)

* The Power of Great Music (Grandes éxitos 1991)

* Always You (1993)

* Forever More: The Best of James Ingram (1999)

* Stand (In the light) (2009)

Sitio Oficial: http://www.jamesingramsmusic.com/

Elvis Presley

2010-08-16T13:17:00.000-07:00

Elvis Aaron Presley (Tupelo, Estados Unidos, 8 de enero de 1935 – Memphis, Estados Unidos, 16 de agosto de 1977), conocido también por el sobrenombre de Rey del Rock, fue un artista que se convirtió en el icono de la música popular del siglo XX. La singularidad de su nombre, permite que usualmente se le llame Elvis, aunque sus simpatizantes lo denominan simplemente como El Rey.

Durante su carrera, protagonizó 31 películas, muchas de las cuales estuvieron consagradas a sus canciones. Grabó un total de 150 álbumes y obtuvo 14 nombramientos a los Grammy de la academia nacional de las artes y de las ciencias.

A pesar de su muerte, su legado continúa produciendo beneficios, vendiendo discos y todo tipo de artículos ornamentales. Debido a su estatus, sirve de inspiración de muchos otros músicos y cantantes, tanto dentro como fuera del género Rock. John Lennon, de The Beatles, fue en sus comienzos uno de sus principales devotos.

Discográficas como Rca y BMG, comentan que ha superado la cifra de los 1.000 millones de discos vendidos desde 1980. Asimismo, cuenta también con detractores que cuestionan dicho nombramiento acreditando el mérito a otros rockers de la época.

El Rock and Roll Hall of Fame and Museum cita lo siguiente:

"Por haber surgido de circunstancias humildes y haber lanzado con su imponente voz y con su carismática presencia en los escenarios lo que fue la revolución rockabilly, Elvis, es indiscutiblemente el «Rey del Rock and Roll»"

La revista Rolling Stone lo presenta como el tercer intérprete de toda la historia en su lista "The Immortals" (superado solo por The Beatles y Bob Dylan).

Infancia

Hijo de Vernon Elvis Presley y Gladys Presley, fue fruto de un embarazo de mellizos, aunque su hermano, Jesse Aaron Presley, murió al nacer. Como hijo único, Presley creció muy cercano a sus padres, formando un gran vínculo con su madre. La familia asistía a la iglesia Assembly of God, donde encontró su inspiración musical inicial.

Tuvo una infancia dura y difícil en su pueblo natal, Tupelo, ya que su padre cambiaba continuamente de trabajo, a menudo, la familia dependía de la ayuda de los vecinos y la asistencia alimentaria del gobierno. En 1938, perdieron su casa después de ser Vernon declarado culpable de alterar un cheque. Fue encarcelado durante ocho meses, y Gladys y Elvis fueron a vivir con parientes cercanos.

En septiembre de 1941, Presley entró en el primer grado en East Tupelo, donde sus profesores lo consideraban como "promedio". Se le alentó a entrar en un concurso de canto después de impresionar a su maestra con una interpretación de la canción country "Old Shep" (de Red Foley) durante las oraciones matutinas.

En el concurso, celebrado en el Mississippi-Alabama Fair and Dairy Show, el 3 de octubre de 1945, se vio su primera actuación en público: vestido de cowboy, a sus diez años de edad, apenas alcanzaba el micrófono sentado y cantó nuevamente "Old Shep". Meses después, su padre le compró su primera guitarra como regalo de cumpleaños. Él deseaba una bicicleta considerablemente más cara. Durante el año siguiente, recibió clases de guitarra básica de dos de sus tíos y el nuevo párroco de la iglesia de la familia. Aunque un año después empezó a llevar su guitarra a todas partes y dar hasta un recital al aire libre.

Desde niño ya le apasionaba por igual la música blues, el gospel, el Doo wop y la música country, incluyendo los temas musicales favoritos de su madre, que entre ellos se encontraba música de mariachis y de ópera. Su cantante favorito era el tenor Mario Lanza, pero tenía gran predilección por Dean Martin, por Arthur Crudup y también por grupos de lo que llamaban música blues rural. Debido a su ascendencia cheroqui por parte materna, se interesó también por las raíces musicales indias.

Primeras grabaciones

En 1954, cuando tenía diecinueve años, grabó un disco con dos temas para regalárselo a su madre por su cumpleaños. En los estudios Sun Records grabó un sencillo con el tema My Happiness y con That's When Your Heartaches Begin. El propietario de la compañía, Sam Phillips, no llegó a oírlo hasta que regresó dos veces más, grabando dos canciones en cada oportunidad, tras lo cual, quedó gratamente sorprendido. Tres meses después, le contrató para grabar un disco que llegó a tener gran éxito en Memphis.

Muchos consideran que Presley fue el creador del estilo musical rockabilly, una fusión del country y del blues, aunque a la hora de encontrar a la persona responsable por su mayor auge y desarrollo, la mayoría se inclina por Carl Perkins, autor del hit Blue Suede Shoes. Con la edición de su primer tema de este género, That's All Right, de Arthur Crudup, (género que por cierto dejaría en menos de 17 meses para lanzarse sobre otros ritmos cada vez más sofisticados) creó una de las imágenes más clásicas del rock and roll. En 1955 teniendo conquistada a Memphis y a algunos mercados regionales del sur de los Estados Unidos, el Coronel Tom Parker, el cual a finales de ese año, gestionó su traslado de la pequeña discográfica Sun Records, a la RCA, a cambio de 35.000 dólares y un Cadillac, lo apadrinó.

Camino al estrellato

Con su primer tema para la RCA, Heartbreak Hotel, consiguió su primer número uno, de los 18 que consiguió en su carrera en Estados Unidos. Su modo de bailar, con sus movimientos pélvicos, resultó escandaloso, aunque entusiasmó a los jóvenes. En algunos programas de televisión, como en su tercera aparición en el Show de Ed Sullivan, sólo se le enfocó de cintura para arriba. Antes de su ingreso al servicio militar, rompió todos los récords de venta, alcanzando once números uno seguidos, en la lista de sencillos, y cuatro números uno en la de los discos de larga duración. Interpretó, asimismo, cuatro películas, todas enormes éxitos de taquilla.

Servicio militar

Entre 1958 y 1960 se ausentó de los escenarios por tener que realizar el servicio militar. Fue destinado a Bad Nauheim, una base militar que Estados Unidos poseía en Alemania, en calidad de conductor de tanques. Allí conoció a la que después sería su mujer, Priscilla Ann-Beaulieu (Priscila Presley). Su regreso al escenario fue espectacular, al aparecer como estrella invitada en el programa de Frank Sinatra, con quien interpretó a dúo los temas Love me Tender / Witchcraft.

Como la cadena televisiva ABC consideró el precio demandado por Parker (manager de Elvis) demasiado elevado, fue el propio Frank Sinatra quien la financió. Para éste último y a pesar del elevado monto, la inversión dio resultado, especialmente al final de la semana cuando se anunció que los ratings televisivos del show de Sinatra en que había aparecido Presley, habían roto todos los récords de audiencia televisiva del referido show, que fue visto por 40 millones de personas. Presley recibió 125.000 dólares por su actuación, que duró unos diez minutos.

Los años de Hollywood

En los años 1960, se dedicó a actuar en películas de mediana a baja calidad, rodando un promedio de tres por año, hasta un total de 31. Sus actores favoritos, a los que admiraba e imitaba, fueron James Dean y Marlon Brando.

El 27 de agosto de 1965, los Beatles lo visitaron en su casa de Bel-Air, en (California), durante la cual le comentó a John Lennon respecto a su próxima película:

"Seré un chico de campo que conoce chicas y canta canciones. La última vez que nos alejamos de esa fórmula perdimos dinero."

Presley sentía admiración por los Beatles, pero cuando éstos cambiaron su imagen a finales de los años sesenta, los acusó de inducir a la juventud a consumir drogas.

En 1964 comenzó el descenso en la hegemonía que ostentaba en el mundo del rock, tanto a nivel de ventas como de popularidad.

Vuelta a los escenarios

El 1 de mayo de 1967 Presley se casó con Priscilla Ann-Beaulieau (conocida como Priscila Presley), con la que tuvo un año después a su hija Lisa Marie Presley. En 1968, volvió al top de los hits parades estadounidenses después de su exitoso 1968 Comeback Special para la televisión. Al año siguiente reafirmó su vuelta a los conciertos en directo en el Hotel Internacional de Las Vegas, Nevada. En ese mismo año, nace su única hija, Lisa Marie Presley.

El 21 de diciembre de 1970, Elvis visitó al Presidente Richard Nixon en la Casa Blanca donde -después de un intercambio de regalos- charlaron sobre la influencia de las drogas en la juventud.

Sus últimos años

Los años 70 serían los años en los que Elvis se convertiría de gran ídolo a leyenda musical. En julio de 1972 se separa de Priscilla, para llevar a cabo el divorcio definitivo en octubre de 1973, dejándolo en un profundo estado de depresión del que nunca se recobraría.

En 1973 realizaría el primer concierto televisado vía satélite de la historia, desde el paradisíaco Hawái conocido como Aloha From Hawaii, y visto por un número estimado de 1.500 millones de personas.

También es en esta década en donde los excesos en sus hábitos alimenticios y su dependencia a las drogas, deterioran drásticamente su salud, tanto física como mental. En repetidas ocasiones es ingresado en el hospital. En 1973, Priscila Presley presenta la demanda de divorcio y consigue la tutela de su hija. Su ex mujer declaró que no podía seguir en el ambiente de soledad, insatisfacción, infidelidades que dejaba la estela de fama que rodeaba a su marido y culpó directamente al "coronel" Tom Parker por sus ansias de dinero y de llevar a Elvis por rumbos de decadencia.

Para 1976-1977 Elvis dista mucho del muchacho vigoroso y lleno de energía que conquistó al mundo, convirtiéndose en una imagen burda, sobrepasado en peso y con dificultades para cantar y memorizar la letra de las canciones. Su último concierto lo daría el 26 de junio de 1977 en Indianápolis, en el Idiana’s Market Square Arena.

En la madrugada del 16 de agosto, Elvis regresa a su mansión de Graceland después de una consulta dental, durante la mañana se encarga de revisar detalles de su próxima gira y descansa con su familia y amigos. Debe tomar un vuelo para Portland esa misma noche para seguir con la gira, y alrededor de las 7 am, se retira a su habitación para dormir. Alrededor del medio día, Elvis es encontrado inconsciente en el baño de su habitación, es trasladado urgentemente al hospital Baptist Memorial en Memphis, y poco tiempo después es declarado muerto.

Discografía

Elvis grabó 75 álbumes de estudio desde 1956 hasta el año de su muerte en 1977, entre los que se incluyen 22 bandas sonoras de sus películas, varios recopilatorios y 8 discos en directo.

Filmografía

Rodó más de una treintena de películas incluyendo varios documentales de sus giras y/o conciertos.
El legado

Elvis Aaron Presley es considerado el Rey del Rock'n Roll. Su estilo único de cantar, sus movimientos agresivos en el escenario, su carisma, y demás cualidades es lo que actualmente le permite ser una de las mayores figuras musicales de la historia. Además de sus innumerables récords, la calidad en las canciones que interpretó es lo que sigue generando que nuevas generaciones engrosen las filas de sus fervorosos seguidores.

Ha encabezado por muchos años, la lista de de los artistas fallecidos con mayor recaudación por sus productos, solamente desbancado en el 2006 por Kurt Cobain. Anualmente su casa-mansión Graceland es visitada por miles de personas de todo el mundo. Es la segunda casa más visitada de los Estados Unidos, detrás de la Casa Blanca.

Muchas personas reconocen que Elvis fue la chispa que cambio la música popular y a toda una generación, y que gracias a él, ellos tomaron el mismo camino.

En resumidas cuentas, Elvis Presley ha dejado de ser un icono estadounidense, para convertirse en uno de los iconos mundiales de la música.

Discografía
Filmografía
Sitio Oficial

Luther Vandross

2010-07-02T20:11:00.000-07:00

Luther Vandross (Luther Ronzoni Vandross Jr.) (Nació el 20 de abril de 1951 - Murió el 1 de julio de 2005). Fue un cantante americano de R&B, Soul, Gospel. Durante su carrera, Vandross vendió más de 25 millones de álbumes y ganó ocho premios Grammy incluyendo mejor interpretación vocal masculina de R&B, cuatro veces. Él ganó cuatro premios Grammy en 2004 incluyendo el galardón para la canción del año para su pista "Dance with my Father," co-escrita con Richard Marx.

Biografía

Nació en el lado del este más bajo de Manhattan en New York City, Vandross creció en una familia musical que se trasladó al Bronx cuando él tenía 13. Su hermana cantó con el grupo vocal The Crests que tuvieron un número uno en los años 60 con las "Sixteen Candles." El padre de Vandross murió de diabetes cuando Luther tenía solo ocho años de edad. El momento que cambio su vida vino cuando teniendo 13 años él oyó a Dionne Warwick cantar "Anyone Who Had A Heart"(una canción que él grabaría en sus últimos años). Después de escucharla, supo entonces que el debía ser cantante.

Antes de ser un cantante profesional Vandross cantó los coros de David Bowie, Roberta Flack, Carly Simon, Chaka Khan, Bette Midler, Chic, y Barbra Streisand. Durante el principio de su carrera, Vandross estaba contento de permanecer como corista, como un compositor, productor y cantante de reserva para otros artistas. Roberta Flack empujó a Vandross en comenzar su propia carrera. Ella creyó que él era un talento increíble que, además de sus habilidades en la composición y producción, mereció ser oído para cantar en solitario. Antes de su lanzamiento oficial, él lanzó dos álbumes con un grupo de cantantes que él formó, también llamado Luther.

En los años 80's, "The Glow Of Love" y de "Searching" le dieron gran éxito conduciéndolo a un contrato con Epic Records, y en 1981, él hizo su gran debut en el mercado comercial con la grabación con el LP "Never Too Much." El álbum, que contuvo la pista "A House is Not a Home" fue doble platino rápidamente, con la canción "Never Too Much" alcanzando el #1 en las listas de R&B.

Vandross lanzó una serie de álbumes no muy vendedores durante los años 80. Aun así muchos de ellos hicieron gran impacto en las listas de popularidad de R&B de los 80's.

Durante los años 80, Vandross tuvo otros dos #1 con "Stop to Love" en 1986 y un dueto con Gregory Hines "There's Nothing Better Than Love". Él también cantó duetos con Dionne Warwick y Cheryl Lynn. También tuvo gran demanda como productor; sobre todo con grandes artistas como Aretha Franklin, para quien produjo álbumes enteros.

En 1991 la compilación de los más grandes éxitos, The Very Best Of Luther Vandross... The Best Of Love, incluyó la balada "Here And Now", la primera canción grabada por el que fue número uno en la más importante lista de Billboard. Él también ganó su primer Grammy por la mejor interpretación masculina de R&B en la entrega de Grammy de 1991. "Here And Now" se convirtió en un gran éxito en las bodas, y en radio suave de la Estados Unidos. Además, la canción permitió que él ampliara sus horizontes musicales más allá de R&B.

Más álbumes siguieron en los años 90, comenzando con la energía del éxito "Power of Love" en 1991. Ganando su segundo Grammy por R&B vocal en la entrega de 1992 con el tema "Power of Love/Love Power" que ganaba el Grammy por la mejor canción de R&B en el mismo año. En 1992, "The Best Thing in Life Are Free", un dueto con Janet Jackson se convirtió en un éxito.

Luther volvió a colocar otro exitazo en 1994 con "Endless Love", un dueto con la gran vendedora de discos Mariah Carey, que fue Número 2 en Estados Unidos. En los Grammy de 1997, él ganó a su tercer premio por mejor interpretación masculina de R&B por ""Your Secret Love". Un segundo álbum más de Grandes fue lanzado en 1997, compilado la mayoría de sus hits de los años 90 y era su disco final lanzado a través de Epic Records. Después lanza "I Know" en Virgin Records, firmando más tarde con J Records. Su primer álbum en la nueva disquera de Clive Davis, titulada Luther Vandross, fue lanzado en 2001, y produjo los éxitos "Take You Out," "Grown Thangs" y "I'd Rather."

En el 2003 lanza su último disco “Dance With My Father” en memoria a su padre. Teniendo gran éxito en ventas, ganando nuevamente el Grammy por mejor interpretación masculina de R&B y por Mejor Canción. Además de convertirse en su primer álbum, en llegar al No. 1 de ventas.

Finalmente muere en julio del 2005 víctima de un derrame cerebral y del padecimiento familiar “Diabetes” además de que también padecía Hipertensión, debido a su constante aumento y bajada de peso. Se divulgó que murió tranquilo en compañía de su familia y amigos. Posteriormente el día de su sepultura se organizó un gran homenaje póstumo que incluyó a las grandes figuras con las que trabajó a lo largo de su carrera y otros artistas, grandes amigos del ya fallecido artista.

Hit singles

* 1981 "Never Too Much" #33 US (#1 R&B Singles) del álbum Never Too Much
* 1983 "How Many Times Can We Say Goodbye" #27 US, del álbum Busy Body
* 1985 "'Til My Baby Comes Home" #29 US Del álbum The Night I Fell in Love
* De Give Me the Reason:
o 1986 "Stop to Love" #15 US, #24 UK (1987 release)
o 1987 "I Really Didn't Mean It" #16 UK
o 1987 "So Amazing" #33 UK
o 1988 "Give Me the Reason" (re-issue) #26 UK
* 1988 "I Gave It Up (When I Fell in Love)" #28 UK

De Any Love:

* 1988 "Any Love" #31 UK
* 1989 "She Won't Talk to Me" #30 US, #34 UK

De The Best of Luther Vandross: The Best of Love:

* 1989 "Here and Now" #4 US (#1 R&B Singles)
* 1989 "Never Too Much" (remix) #13 UK

De Power of Love:

* 1991 "Don't Want to Be a Fool" #9 US (#1 R&B Singles)
* 1991 "Power of Love - Love Power" #1 US (#1 R&B Singles)

De Mo' Money soundtrack:

* 1992 "The Best Things in Life Are Free" (with Janet Jackson) #10 US,(#1 R&B Singles) #2 UK

De Never Let Me Go:

* 1993 "Little Miracles (Happen Every Day)" #28 UK
* 1993 "Heaven Knows" #34 UK
* 1993 "Love Is on the Way" #38 UK

De Songs:

* 1994 "Endless Love" (with Mariah Carey) #2 US, #3 UK
* 1995 "Always and Forever" #20 UK
* 1995 "Ain't No Stoppin' Us Now" #22 UK
* 1995 "Power Of Love - Love Power" (remix) #31 UK
* 1995 "The Best Things in Life Are Free" (remix) (with Janet Jackson) #7 UK

De Your Secret Love:

* 1996 "Your Secret Love" #14 UK

De Luther Vandross:

* 2001 "Take You Out" #26 US (#1 R&B Singles)

De Dance with My Father:

* 2004 "Dance with My Father" #18 US, (#1 R&B Singles) #21 UK

Sitio Oficial: http://www.luthervandross.com/

Jerry Lee Lewis

2010-06-23T16:02:00.000-07:00

Jerry Lee Lewis (Ferriday, Luisiana, Estados Unidos, 29 de septiembre de 1935) es un pianista y cantante estadounidense, pionero del rock and roll.

Apodado "The Killer" ("El Asesino") por su fuerte personalidad y su puesta en escena, y tras ser considerado seria alternativa frente a Elvis Presley, El Rey del Rock, su popularidad decayó durante los años sesenta y setenta por diversos escándalos. Su figura ha sido rehabilitada en las últimas décadas, entrando a formar parte en 1986 del Salón de la Fama del Rock dentro del primer grupo junto con otros pioneros del rock y posteriormente del Salón de la Fama del Rockabilly. En 2003 la revista Rolling Stone lo situó en el puesto 24º de los mejores músicos del siglo. Lewis es el más joven de los tres supervivientes de la primera generación de rock and roll (los otros dos son Little Richard y Chuck Berry).

Primeros años

Jerry Lee Lewis nació en una familia pobre de Ferriday, en Concordia Parish, en el Este de Luisiana, hijo de Elmo y Mamie Lewis. Comenzó a tocar el piano en su juventud junto a sus primos Mickey Gilley y Jimmy Swaggart, posteriormente uno de los primeros teleevangelistas. Debido al talento mostrado por Jerry Lee ya desde su infancia, sus padres hipotecaron su granja para comprarle un piano. Influenciado por la música popular entonces emitida por la radio en programas como The Louisiana Hayride o Grand Ol' Opry, mezcló los estilos de la época (country, rhythm and blues, boogie-woogie y gospel) para crear el suyo propio.

En sus primeros años de adolescencia comenzó a acudir a los guetos negros para escuchar a los cantantes de blues y el 29 de septiembre de 1949 realizó su primera aparición pública en un espectáculo montado por la compañía de automóviles Ford en su ciudad natal, interpretando el tema "Drinkin wine, spoo-dee-o-dee".

En 1952, con 16 años, contrajo matrimonio con Dorothy Barton, dos años mayor que él (en esa época, en el sur de Estados Unidos, eran comunes los matrimonios a temprana edad). Ese mismo año grabó sus primeras canciones: una composición para piano llamada "New Orleans boogie" y un cover de la balada country de Lefty Frizze "Don't stay away ('til love grows old)". En septiembre de ese año su madre lo envia a una escuela religiosa de Waxahachie, Texas, para que interpretase música exclusivamente religiosa, pero pronto fue expulsado por tocar una versión de "My God is real" en estilo boogie-woogie.

En 1953, sin divorciarse de su primera esposa, se casa con Jane Mitcham cuando ésta queda embarazada del que sería el primer hijo de Lewis, Jerry Lee Lewis Jr. En 1954 volvió a grabar, haciendo versiones de canciones country como "If I ever needed you" y "I don't hurt anymore". En estos primeros años actuó en clubes en Ferriday, Natchez, Misisipi y Nashville (Tennessee). Al intentar aparecer en The Louisiana Hayride es rechazado ya que según los ejecutivos del programa debía tocar la guitarra y no el piano.

En 1956, después de leer un artículo sobre Elvis Presley en una revista, viaja a Memphis para probar suerte grabando en su misma compañía discográfica, Sun Records. En ese momento, el dueño de la discográfica, Sam Phillips, se encontraba en un viaje en Florida así que fue Jack Clement quien grabó sus primeras canciones para el sello: una versión de "Crazy arms" de Ray Price y una composición propia llamada "End of the road".

El 4 de diciembre de ese mismo año se produce un acontecimiento histórico cuando en una sesión improvisada en la sede de la compañía, graba varios temas junto a Elvis, Carl Perkins y Johnny Cash. Bautizados Million Dollar Quartet ("El cuarteto del millón de dólares") en un artículo periodístico aparecido días después e inmortalizados en una célebre fotografía con Elvis al piano, la grabación no vería la luz pública hasta décadas después.

Éxito

Fue en 1957 cuando Lewis alcanza un éxito masivo con "Whole Lotta Shakin' Going on". En un principio, Sam Phillips no estaba convencido de grabar esta canción debido a su contenido sexual que la hacía más propia del gusto del público negro, pero finalmente acepta y se graba como cara B de un sencillo que incluía como tema principal It'll be me. "Whole Lotta shakin'" fue tocada en vivo por primera vez en un bar de Arkansas el 22 de febrero e impresionó tanto al público que la tuvieron que repetir veinticinco veces en la misma noche. Por su alto contenido sexual, excesivo para la sociedad de la época, fue censurada en muchos programas de radio y televisión. Después de no ser admitida en The Ed Sullivan Show, calificada de inmoral, la presenta en The Steve Allen show, gracias al cual alcanza el número uno en las listas de country y R&B y el tercer puesto en las de pop, llegando a vender seis millones de copias en todo el mundo.

Tras el éxito espectacular del sencillo, el escritor de canciones Otis Blackwell, que ya había trabajado para Elvis, compone junto a Jack Hammer el que sería el tema de mayor éxito de la carrera de Lewis, Great Balls of Fire!. No obstante, Sam Phillips tuvo que convencer al cantante para grabar la canción ya que Jerry rehusaba debido a su contenido blasfemo. El tema logra un gran éxito a nivel mundial y es número 1 en las listas de Estados Unidos y Reino Unido.

En esa época se produce la que quizá sea la anécdota más conocida en la carrera de Jerry Lee Lewis, origen de su fama de artista problemático que le daría su apodo de "The Killer": en una actuación en el Brooklyn Paramount Theatre de Nueva York, Lewis fue asignado como telonero de Chuck Berry. Como protesta, subió al escenario con una botella de coca-cola llena de gasolina con la que, mientras interpretaba Great Balls of Fire, prendió fuego al piano. Al terminar de tocar le dijo a Berry Supera esto, negro.

En el verano de 1958 Lewis era el músico con más éxito del momento gracias a dos temas más: "Breathless" y "High School Confidential", que lograron altas posiciones en las listas. Esta última apareció en la banda sonora de la película del mismo nombre en la que Lewis actuó. No obstante, su carrera sufriría a finales de año un tremendo varapalo, del que en cierto modo nunca llegó a recuperarse, al conocerse un nuevo dato sobre su vida privada que escandalizó a la sociedad de la época.

Escándalo

Cuando Jerry Lee Lewis viajó a Menphis, conoció a Myra Gale Brown, la hija de su primo, el bajista J.W. Brown. El 12 de diciembre se casaron en Hernando, Misisipi aunque todavía Lewis no se había divorciado de su segunda esposa. Myra Brown solo contaba con 13 años mientras que su esposo tenía 22, razón por la cual ocultaron el matrimonio.

El 22 de mayo de 1958 Jerry Lee Lewis llegó a Inglaterra junto con su familia, incluyendo a su esposa, aunque se le había recomendado que esta no fuese. En el aeropuerto de Londres un periodista descubre el matrimonio y al preguntar por la edad de la esposa, Lewis contesta que tiene 15 años. La prensa descubre que Myra tenía 13 años,la situación causa un gran escándalo y la popularidad de Lewis baja considerablemente; después de solo tres conciertos con muy poca audiencia, la gira se cancela.

El escándalo siguió a Lewis hasta Estados Unidos y como resultado de ello, fue casi apartado de la escena musical, pasando de ganar 100.000 dólares la noche a 250. La Sun Records lanza un sencillo llamado The return of Jerry Lee que es una entrevista en la que se utilizan partes de las canciones en tono humorístico. En el lado B se incluye Lewis Boogie, pero el disco es un fracaso y no llega a las listas. En 1959 nace su segundo hijo, Steve Allen Lewis, el nombre es en honor al presentador de televisión que presentó a Jerry.

En 1960 Sun Studios, en un esfuerzo de recuperar la carrera de Lewis, graba canciones instrumentales bajo el seudónimo The Hawnk, pero el estilo de Jerry es muy reconocible y el intento fracasa. El único éxito durante este periodo sería una versión del What'd I Say de Ray Charles en 1961. Su popularidad se recupera un poco en Europa (especialmente en Gran Bretaña y Alemania) hacia mediados de los años 60, pero su éxito no llega en Estados Unidos.

El domingo de pascua del 22 de abril de 1962 Steve Allen Lewis muere ahogado en la piscina a la edad de 3 años mientras estaba bajo el cuidado de su abuelo Elmo Lewis, que Jerry interpreta como un castigo por su turbulento pasado. 5 días después del entierro hace un tour por Reino Unido donde es muy bien recibido, sin embargo, desde la muerte de su hijo la relación con Myra empeora y aumenta la dependencia de las pastillas y al alcohol.

En 1963 Jerry y Myra tienen una hija, Phoebe Lewis, la cual tuvo una estrecha relación con su padre y en la actualidad es su manager. Ese mismo año vence el contrato con Sun y Lewis se incorpora a Smash Records. Ese año vuelve a hacer un tour por Europa en Inglaterra, Escocia, Alemania y Francia.

En 1964 actúa en el concierto "Live at Star Club" en Hamburgo del que saca un álbum considerado uno de los mejores y más salvajes en vivo de la historia del Rock.

Después de más de una década tocando rock and roll, en 1968 Lewis se centra casi exclusivamente en la música country con éxito, con muchas canciones destacando en las listas incluyendo un número 1 con To make love sweeter for you en 1969. Aunque volvió a hacer giras en cuyos conciertos se agotaban las entradas, nunca conseguiría alcanzar las alturas del éxito que tuvo antes de aquel escándalo, a pesar del gran éxito internacional de Chantilly Lace, en 1973.

Problemas personales

La década de 1970 comienza con varias desgracias para Lewis: En 1970 su esposa le pide el divorcio, en 1971 fallece su madre y en 1973 su hijo de 19 años, Jerry Lewis Jr, muere en un accidente automovilístico. Un año después de divorciarse se vuelve a casar.

La ruina pública de su primo, el evangelista de televisión Jimmy Swaggart, no hizo más que aumentar la publicidad negativa de una ya muy problemática familia. Swaggart es también pianista, como su otro primo, la estrella del country Mickey Gilley. La hermana de Jerry Lee, Linda Gail Lewis, también toca el piano, llegando a grabar algunas canciones con Van Morrison.

El comportamiento errático de Lewis durante la última parte de la década de los 70 y principios de los 80 le condujo a una larga hospitalización cercana a la muerte por úlcera sangrante en 1984. Poco después su cuarta mujer, Jaren Gunn Pate, se ahoga en la piscina de la casa de una amiga; poco más de un año después, su quinta mujer aparece muerta en su casa por sobredosis de metadona. Jerry Lee Lewis, también adicto a las drogas, se interna voluntariamente en la clínica de desintoxicación Betty Ford. Durante los años 80 volvió a tener problemas de salud y es internado en varias ocasiones. También tiene problemas con los impuestos y llega a deber unos 3 millones de dólares.

En 1987 vuelve a tener un hijo con su sexta esposa Jerry Lee Lewis III. En 1989, una película basada en los primeros años de su carrera titulada Great Balls of Fire! (traducida al español como Gran bola de fuego) atrajo sobre él la mirada del público; el film estaba basado en el libro de la ex-esposa de Lewis, Myra, y protagonizado por Dennis Quaid haciendo de Lewis, y por Winona Ryder y Alec Baldwin.

Vuelta a los escenarios

"Ruta Jerry Lee Lewis" en Ferriday, Luisiana.Después de varios años sin pisar un estudio, Lewis intenta sin éxito sacar un nuevo álbum en 2004, pero el disco aparece finalmente, el 26 de septiembre de 2006 con el título de Last Man Standing e incluye 21 duetos con leyendas vivas como Little Richard, Chris Isaak, Mick Jagger, Jimmy Page, Bruce Springsteen, Ringo Starr, Neil Young, Keith Richard, BB King o Buddy Guy.

En 2007 saca un DVD en vivo de su álbum del que vende más de 500.000 copias. En 2008 actúa en la entrega de los premios Grammy, en el Capitolio de los Estados Unidos y en una gira por Inglaterra. En 2009 Jerry Lee Lewis volvió a sacar un álbum con los Rolling Stones como banda invitada.

Discografía

1958 High School Confidential
1962 Jerry Lee Lewis Vol. 2/Jerry Lee's Greatest
1964 Live at the Star Club, Hamburg
Golden Hits of Jerry Lee Lewis
The Greatest Live Show on Earth
1965 The Return of Rock
Country Songs for City Folks/All Country
1966 Memphis Beat
1967 Soul My Way
1968 Another Place, Another Time
1969 She Still Comes Around
Sings the Country Music Hall of Fame Hits, Vol. 1
Sings the Country Music Hall of Fame Hits, Vol. 2
Together (duets with Linda Gail Lewis)
Original Golden Hits, Vol. 1
Original Golden Hits, Vol. 2
1970 The Golden Cream of the Country
She Even Woke Me Up to Say Goodbye
A Taste Of Country
Best Of
Live at the International, Las Vegas
1971 In Loving Memories
There Must Be More to Love Than This
Touching Home
Monsters
Would You Take Another Chance on Me
1972 The Killer Rocks On
Who's Gonna Play This Old Piano?
1973 The Session (double album; gold record)
Sometimes a Memory Ain't Enough
Southern Roots
1974 I-40 Country
Breathless (High Heel Sneakers + Roll Over Beethoven)
1975 Boogie Woogie Country Man
Odd Man In
1976 Country Class
1977 Country Memories
1978 Best of/Vol.
Jerry Lee Keeps Rockin'
1979 Duets
Jerry Lee Lewis
1980 When Two Worlds Collide
Killer Country
1981 Best of/Vol.
1982 The Survivors Live (con Johnny Cash y Carl Perkins)
1983 My Fingers Do the Talkin' 62
1986 Class of '55 (con Johnny Cash, Carl Perkins y Roy Orbison) 87 15
1989 Great Balls of Fire
1993 Solid Ground
All Killer, No Filler: The Anthology
1994 Whole Lotta Shakin' Goin' On
1995 Young Blood
2006 Last Man Standing

Sitio Oficial: http://www.jerryleelewis.com/

Bob Marley

2010-02-14T18:18:00.000-08:00

Robert Nesta Marley (Nine Miles, Saint Ann Parish, Jamaica, 6 de febrero de 1945 - Miami, 11 de mayo de 1981), mejor conocido como Bob Marley, fue un músico y compositor jamaicano. Durante su carrera musical fue el líder, compositor y guitarrista de las bandas de ska, rocksteady y reggae The Wailers (1964–1974) y Bob Marley & the Wailers (1974–1981). Marley sigue siendo el más conocido y respetado intérprete de la música reggae y es acreditado por ayudar a difundir tanto la música de Jamaica como el movimiento Rastafari (de la que era un miembro comprometido) a una audiencia mundial.

Entre los mayores éxitos de Bob Marley se encuentran "I Shot the Sheriff", "No Woman, No Cry", "Exodus", "Could You Be Loved", "Stir It Up", "Jamming", "Redemption Song", "One Love" y, junto a The Wailers, "Three Little Birds", así como los lanzamientos póstumos "Buffalo Soldier" y "Iron Lion Zion". El álbum recopilatorio Legend, lanzado en 1984, tres años después de su muerte, es el álbum de reggae más vendido de la historia con 10 discos de platino en los Estados Unidos y 20 millones de copias en todo el mundo.

En el año 1994 fue inducido al Salon de la Fama del Rock and Roll.

Biografía

Robert Nesta Marley nacio el 6 de febrero de 1945 en Nine Miles (Rhoden Hall, Saint Ann) una pequeña localidad al norte de la isla de Jamaica, en el Mar Caribe, era hijo de Cedella Booker, una afro-jamaicana de 18 años y de Norval Marley; un jamaicano blanco de ascendencia escocesa, capitán de los Marines Reales (infantería de marina británica), de 50 años, que se desentendió de su hijo por miedo a ser desheredado. A finales de los años cincuenta, Bob se trasladó con su madre a Kingston, la capital, donde los habitantes de las zonas rurales acudían para mejorar su situación económica. Por desgracia para la mayoría, su destino eran los barrios pobres.

Bob creció en ese ambiente donde conoció a Neville O’Riley Livingston, más conocido como Bunny, con quien comenzó a interesarse por la música, llegando a componer y tocar algunas canciones. Muy influenciados por la música de Raymond Charles, Curtis Mayfield, Brook Benton o Fats Domino, y de grupos como The Drifters muy populares en Jamaica que se escuchaban en la emisiones radiofónicas de las emisoras del sur de los Estados Unidos. Bob Marley alternó el trabajo en una empresa de fundición, donde se quemó en un ojo, con la música. Bob y Bunny recibieron formación musical de Joe Higgs, un cantante venido a menos que había gozado de cierta fama en Jamaica y que se ganaba la vida impartiendo clases de canto para principiantes. En una de esas clases conocieron a otro joven músico llamado Winston Hubert McIntosh (Peter Tosh). En 1962 Bob Marley participó en una audición para un productor musical llamado Leslie Kong que, impresionado, le invitó a grabar algunas canciones. Al año siguiente Bob decidió que el mejor camino para alcanzar su sueño, lo tenía planteado acaso, no lo sabremos, mediante un grupo. Compartió su idea con Bunny y Peter y los tres formaron los "Wailing Wailers" (literalmente, "Gritos de protesta"). El nuevo grupo ganó la simpatía del percusionista rastafari Alvin Patterson, que los presentó al productor Clement Dodd. A mediados de 1963 Dodd vio a los Wailing Wailers y decidió promocionar al grupo. Los Wailing Wailers lanzaron su primer single, "Simmer Down", con la discográfica Coxsone a finales de 1963. La formación original estaba compuesta por Bob, Bunny, Peter, Junior Braithwaite y dos coristas, Beverly Kelso y Cherry Smith.

The Wailers

Mientras tanto, la madre de Bob, Cedella, se había casado nuevamente y se había mudado a Delaware, Estados Unidos, tras un importante esfuerzo económico. Ella deseaba dar a Bob una nueva vida en este país, pero antes del viaje, él conoció a Rita Anderson y el 10 de febrero de 1966 se casaron. Bob Marley pasó apenas ocho meses con su madre en Wilmington, Delaware. Allí consigue un trabajo en el turno de noche de una planta de automóviles de Chrysler. Bob llegó a Kingston en octubre de 1966, apenas seis meses después de la visita de Su Majestad Imperial, o Emperador Hailè Selassiè, de Etiopía, que impulsó y renovó el importante movimiento rastafari de la isla. El acercamiento de Bob con la creencia Rastafari comienza a reflejarse en su música. Bob, entretanto, llamó a Peter y Bunny para formar una nueva banda, los míticos "The Wailers". Rita también comenzaba su carrera como cantante con un importante éxito llamado "Pied Piper", una versión de una canción pop inglesa. En Jamaica, la frenética ola del ska estaba dando lugar a un ritmo más lento y sensual llamado rocksteady. Las creencias rastafari de los Wailers chocaron con Dodd y éstos fundaron su propio sello discográfico, Wail’N’Soul. A pesar de conseguir algunos éxitos, el sello no responde a las expectativas y quiebra en 1967. El grupo sobrevive fungiendo como compositores de una compañía asociada a un cantante estadounidense, Johnny Nash, quien en la década siguiente tendría un gran éxito con la canción "Stir It Up", de Bob.

Los Wailers conocieron entonces a un hombre que revolucionaría su trabajo: Lee Perry. La asociación entre Perry y los Wailers trajo consigo algunos de los éxitos más notables de la banda como "Soul Rebel", "Duppy Conqueror", "400 Years" y "Small Axe", clásicos del futuro reggae. En 1970, dos de los músicos más reconocidos de la isla, Aston 'Family Man' Barrett y su hermano Carlton (bajo y batería, respectivamente) se unirán a los Wailers, quienes por aquel entonces arrasaban en el Caribe, pero internacionalmente continuaban siendo desconocidos.

En el verano de 1971 Bob aceptó una invitación de Johnny Nash para acompañarlo a Suecia, ocasión en que firmó un contrato con la CBS, que también era la discográfica del estadounidense. En la primavera de 1972 los Wailers aterrizaron en Inglaterra para promocionar el single "Reggae on Broadway", pero no cosecharon demasiados éxitos. A la desesperada, Bob visitó los estudios de grabación de Island Records, que había sido la primera discográfica en interesarse por la música jamaicana, y pidió hablar con su fundador, Chris Blackwell. Blackwell conocía a los Wailers y les ofreció 4 mil libras para grabar un álbum con los últimos avances tecnológicos de la industria musical, los mismos que gozaban las bandas de rock de la época. Ese primer álbum fue Catch a Fire, fuertemente promovido por Island. El disco no fue un éxito inminente, y es que la música y las letras comprometidas socialmente de Bob contrastaban bastante con lo que se estaba haciendo hasta entonces en Europa. Island promovió una gira del grupo por Inglaterra y los Estados Unidos, otra novedad para una banda de reggae. Los Wailers tocaron en Londres en abril de 1973 y tres meses más tarde el grupo volvió a Jamaica. Bunny, desengañado de la vida musical, abandonó la banda antes de la gira estadounidense. En su lugar entró Joe Higgs, el viejo profesor de música de los Wailers. Ya en los Estados Unidos, participaron en algunos conciertos de Bruce Springsteen y Sly & The Family Stone, la principal banda de música negra estadounidense del momento.

En 1973 el grupo lanzó su segundo álbum con el sello Island, Burnin', un disco que incluía nuevas versiones de algunas de sus canciones más importantes, como: "Duppy Conqueror", "Small Axe" y "Put It On", junto con "Get Up, Stand Up" y "I Shot The Sheriff". Fue justamente este último tema el que consagró internacionalmente a Bob Marley de la mano de la voz de Eric Clapton, alcanzando el primer lugar en la lista de los sencillos más vendidos en los Estados Unidos. En 1974, Bob Marley pasó gran parte de su tiempo en el estudio trabajando en Natty Dread, un álbum que incluía canciones como "Talkin’ Blues", "No Woman No Cry", "So Jah Seh", "Revolution", "Them Belly Full (But We Hungry)" o "Rebel Music (3 o’clock Roadblock)". Al año siguiente, Bunny y Peter dejarían definitivamente el grupo para embarcarse en sus carreras en solitario, lo que provocó que la banda comenzase a ser conocida como Bob Marley & The Wailers. Natty Dread fue lanzado en febrero de 1975. En cuanto a las giras, destacan dos: una en el Lyceum Ballroom de Londres, que fue catalogada como una de las mejores de la década (El disco Live es este concierto). Y la segunda en noviembre, cuando Bob volvió a Jamaica para tocar en un concierto benéfico con Stevie Wonder, ya como superestrella en su país y en el mundo. Rastaman Vibrations, el siguiente álbum de estudio, fue lanzado en 1976. El trabajo incluía canciones como "Crazy Baldhead", "Johnny Was", "Who The Cap Fit" y, tal vez la más significativa de todas, "War", cuya letra fue extraída de un discurso del Emperador Hailè Selassiè, en las Naciones Unidas.

Éxito

En los años 70 Jamaica vivía un empeoramiento de su ya típica violencia política; la situación degeneró en una guerra civil callejera entre pandillas de pistoleros militantes de los dos grandes partidos políticos tradicionales, el Partido Nacional del Pueblo (socialista democrático) y el Partido Laborista de Jamaica (centro-derecha conservador). El Ejército y la Policía de Jamaica tomaron las calles, pero no pudieron contener la violencia entre los dos bandos enfrentados.

Bob Marley era entonces un pacifista apolítico en Jamaica, un músico ya consagrado y un auténtico propulsor de la fe rastafari. Bob Marley decidió participar en un concierto gratuito en el Parque de los Héroes Nacionales de Kingston, el 5 de diciembre de 1976 para promover la paz y la reconciliación nacional, y así ayudar a frenar la violencia. Pero sectores del entonces opositor Partido Laborista de Jamaica criticaron el concierto porque pensaban que estaba parcializado y en realidad era un acto de apoyo al Primer Ministro y líder del Partido Nacional del Pueblo, Michael Manley (señalado como amigo de Bob Marley); de hecho Michael Manley era el organizador detrás del evento. Después del anuncio del concierto, el gobierno de Manley convocó elecciones para el día 15 de diciembre (en un claro intento de sacar provecho político del mismo en plena campaña electoral). El 3 de diciembre de 1976, dos días antes de “Smile Jamaica”, Bob, su esposa Rita, Lewis Griffith y el manager Don Taylor fueron heridos en un atentado por pistoleros desconocidos dentro de su casa en 56 Hope Road, Jamaica; se piensa que el atentado fue una represalia de los sectores políticos que rechazaban el concierto por su supuesto carácter de apoyo al gobierno de Manley, aunque algunos creyentes en teorías conspirativas barajan la posibilidad de que estuviese la CIA involucrada (ya que Michael Manley se había acercado mucho a la Cuba de Fidel Castro). Bob fue herido por disparos de arma de fuego en el pecho (muy cerca del corazón) y un brazo, su esposa Rita en la cabeza, Lewis Griffith en el estomago y el manager Don Taylor también fue hospitalizado por cruzarse en la línea de fuego. Afortunadamente después de un tiempo se recuperaron por completo. Dos días después del atentado, Bob se montó en la tarima y cantó. Cuando le preguntaron el porqué, el dijo: "La gente que está tratando de hacer este mundo peor no se toma ni un día libre, ¿cómo podría tomarlo yo? Ilumina la oscuridad". Fue la última presentación de Bob en Jamaica durante los próximos 18 meses. Temiendo otro atentado, dejó el país para irse a vivir a Londres, donde grabó su siguiente álbum, Exodus, uno de los más importantes de su carrera y del reggae.
Bob Marley tiene su propia estrella en Paseo de la Fama de Hollywood.

Lanzado en el verano de aquel año, Exodus consolidó el status internacional de la banda, permaneciendo en las listas de Inglaterra durante 56 semanas seguidas y teniendo los tres sencillos - "Waiting in Vain", "Exodus" y "Jammin'" - como grandes éxitos mediáticos. En 1978 la banda consiguió un nuevo éxito con Kaya, que alcanzó el cuarto lugar en Inglaterra a la semana siguiente a su lanzamiento. Del álbum fueron extraídos dos sencillos: "Satisfy My Soul" e "Is This Love?". En abril de 1978 volvió a Jamaica para el One Love Peace Concert, cuando consiguió que el Primer Ministro Michael Manley y el líder de la oposición Edward Seaga se diesen la mano en el escenario, en un esfuerzo para frenar la violencia política y promover la reconciliación nacional. Fue entonces invitado para ir a la sede de las Naciones Unidas, en Nueva York, para recibir la Medalla de la Paz. Y, a finales de año, Bob viajó a África por primera vez, visitando inicialmente Kenia y después Etiopía, hogar espiritual rastafari. La banda había terminado recientemente una gira por Europa y los Estados Unidos, de donde se sacó material para el segundo álbum en vivo: Babylon By Bus. Survival, el noveno álbum de Bob Marley con Island fue lanzado en el verano de 1979. Incluía "Zimbabwe", un himno para Rodesia, que luego sería liberada, junto con "So Much Trouble In The World", "Ambush In The Night" y "Africa Unite". Como indica la portada, que contiene las banderas de las naciones independientes, Survival fue un álbum en homenaje a la causa Panafricana. En abril de 1980, el grupo fue invitado oficialmente por el gobierno del recientemente libertado Zimbabwe para tocar en la ceremonia de independencia de la nueva nación.

El siguiente disco de la banda, Uprising, fue lanzado en mayo de 1980 y tuvo un éxito inmediato con "Could You Be Loved?". El álbum también incluía "Coming In From The Cold", "Work" y la famosa "Redemption Song". Los Wailers entretanto se embarcaban en su mayor gira europea, rompiendo records de asistencia en un concierto. La agenda incluía un concierto para 100.000 personas en Milán, el mayor de la historia de la banda. Bob Marley & The Wailers eran la mayor banda en gira de aquel año y Uprising estaba en todas las listas de Europa. Era un período de máximo optimismo y estaban haciendo planes para una gira en los Estados Unidos en compañía de Stevie Wonder al final del año.

Últimos años y muerte

Al acabar la gira europea Bob Marley y la banda partieron para los Estados Unidos. Bob hizo dos conciertos en el Madison Square Garden, pero cayó gravemente enfermo mientras corría por Central Park. Tres años antes, en Londres, se había herido el dedo del pie jugando al fútbol. La herida se volvió en su contra y, a pesar de haber sido tratado en Miami, continuó reproduciéndose. En 1980, el cáncer comenzó a propagarse por el cuerpo de Bob. Controló la enfermedad durante ocho meses, siguiendo tratamiento en la clínica del Dr. Joseph Issels, en Baviera. El tratamiento de Issels levantó mucha polémica porque sólo usaba remedios naturales y no tóxicos y, por algún tiempo, pareció funcionar en Bob. A comienzos de mayo dejó Alemania para volver a Jamaica, pero no completó su viaje.

Bob Marley murió en un hospital de Miami el 11 de mayo de 1981 a los 36 años. Un mes antes, Bob había sido condecorado con la Orden del Mérito de Jamaica, la tercera mayor honra de la nación, en reconocimiento de su inestimable contribución a la cultura del país. El 21 de mayo de 1981, Robert Nesta Marley O. M. recibía un funeral oficial del pueblo de Jamaica. Después del funeral (al que asistió tanto el Primer Ministro como el líder de la oposición) el cuerpo de Bob fue llevado a su tierra natal, Nine Miles, en el norte de la isla, donde fue enterrado junto a su guitarra Fender Stratocaster.

Legado

En 2005, Rita Anderson, viuda de Marley, escribió una biografía en la que criticó duramente al que fue su esposo. En No Woman, No Cry, como se titula el libro. Según Rita, la pareja vivía en una choza, Bob sólo tenía un par de calzoncillos, que ella lavaba cada noche. También afirma que la estrella del reggae se marchó a una mansión en Kingston, donde vivía con varias amantes (una de ellas llegó a convertirse en Miss Mundo) e inclusive llegó a criar a algunos de los hijos que Bob tuvo con esas mujeres.

Y es que la lista de descendientes de Bob es inmensa: en 1968 tuvo un hijo llamado Ziggy Marley con Rita Anderson, en 1970, tuvo un hijo llamado Robbie con Lucille Williams, una de sus novias en Trench Town. Janet Hunt, concebió a Rohan Marley (futuro marido de Lauryn Hill). Sus constantes viajes a Londres no fueron tampoco fieles, ya que nació Karen Marley, hija de una inglesa llamada Janet Bowen. Incluso una jamaiquina nacida en Barbados, Lucy Pounder, tuvo con Bob a Julian Marley.

Otra de sus novias, la campeona caribeña de ping pong Anita Bellnavis, se convirtió en la madre de Kymani Marley. En 1975, Cindy Breakspeare, que estaba a punto de convertirse en Miss Mundo, dio a luz a Damian Marley. Otra de las novias era la actriz Esther Anderson, quien ya había tenido romances con Marlon Brando y Chris Blackwell. Por tal razón muchos rastafaris le consideran "El rey del reggae", mas no precisamente un modelo a seguir por haber faltado a la livity (modo de vida) de Haile Selassie I.

Todas estas afirmaciones no sentaron nada bien al gobierno jamaicano, más aún cuando se enteraron de que Anderson anunció que pretendía exhumar los restos de su marido para enterrarlos en Shashemene, Etiopía, donde el emperador Haile Selassie cedió unas tierras a un grupo de rastafaris jamaicanos que residen en esa localidad. La relación entre el gobierno jamaicano y Anderson era crítica, ya que consideran a Bob un ídolo y una fuerte atracción turística para los extranjeros. No hay que olvidar que la casa-museo de Bob es el principal reclamo de los extranjeros que llegan durante todo el año a la isla caribeña. Lejos de apaciguar los ánimos, Anderson recordó al gobierno de su país que, en Jamaica, Bob fue disparado en su casa y sufrió el exilio."Bob hubiera preferido reposar en el continente africano más que en una isla donde sus antecesores fueron llevados como esclavos", llegó a decir la viuda de Bob.

Los hijos de Bob Marley

Bob Marley tuvo tres hijos con su esposa Rita, adoptó dos hijos de Rita y siete con otras mujeres:

1. Imani Carole Marley (1963), con Cheryl Murray
2. Sharon Marley (23 de noviembre de 1964), de Rita, antes de casarse;
3. Cedella Marley (23 de agosto de 1967), con Rita Anderson;
4. David "Ziggy" Marley (17 de octubre de 1968), con Rita;
5. Stephen Marley (20 de abril de 1972), con Rita;
6. Robert "Robbie" Marley (16 de mayo de 1972), con Lucille Pat Williams, una de sus novias en
Trench Town;
7. Rohan Marley (19 de mayo de 1972) con Janet Hunt.
8. Karen Marley (1973) con Janet Bowen;
9. Stephanie Marley (17 de agosto de 1974);"es la abogada de la familia Marley en el problemático mundo de los negocios de la industria del entretenimiento y aconseja como mánager a las Fundaciones Bob Marley y Rita Marley, al museo oficial en torno a la figura de su padre y al estudio y empresa de ropa bautizados Tuff Gong. "Según afirmaba la madre de Bob,Cedella Booker, Rita habría conocido a un hombre llamado Ital, de cuya relación nació Stephanie; sin embargo, el músico la reconoció como suya.
10. Julian Marley (4 de junio de 1975), con Lucy Pounder;
11. Ky-Mani Marley (26 de febrero de 1976), con Anita Belnavis;
12. Damian Marley (21 de julio de 1978), con Cindy Breakspeare;
13. Makeda Marley (30 de mayo de 1981), con Yvette Crichton;
14. Nahum Marley (28 de agosto de 1981), con Lucy pounder.

Discografía

Album	Banda	Año	Discográfica
The Wailing Wailers	The Wailers	1965	Studio One
Soul Rebels	The Wailers	1970	Upsetter/Trojan
Soul Revolution	The Wailers	1971	Upsetter/Trojan
Soul Revolution Part II	The Wailers	1971	Upsetter/Trojan
Best of the Wailers	The Wailers	1972	Beverley's
African Herbsman	The Wailers	1973	Upsetter/Trojan
Catch a Fire	The Wailers	1973	Island/Tuff Gong
Burnin'	The Wailers	1973	Island/Tuff Gong
Rasta Revolution	Bob Marley & The Wailers	1974	Upsetter/Trojan
Natty Dread	Bob Marley & The Wailers	1974	Island/Tuff Gong
Live	Bob Marley & The Wailers	1975	Island/Tuff Gong
Rastaman Vibration	Bob Marley & The Wailers	1976	Island/Tuff Gong
Exodus	Bob Marley & The Wailers	1977	Island/Tuff Gong
Kaya	Bob Marley & The Wailers	1978	Island/Tuff Gong
Survival	Bob Marley & The Wailers	1979	Island/Tuff Gong
Uprising	Bob Marley & The Wailers	1980	Island/Tuff Gong
Confrontation (álbum póstumo)	Bob Marley & The Wailers	1983	Island/Tuff Gong

Sitio Oficial: http://www.bobmarley.com/

Yanni

2009-12-30T11:29:00.000-08:00

Yanni Chryssomallis (14 de noviembre de 1954, Kalamata, Grecia) es un pianista y compositor griego de new age, que reúne los géneros orquestal, instrumental y lírico. En griego su nombre se escribe Γιάννης Χρυσομάλλης (Giannis Chrysomallis)

Biografía

De niño le gustaba tocar el piano, aunque no cursó lecciones para este instrumento. En su tiempo libre interpretaba canciones del momento, para su familia. Era un buen nadador, incluso llegó a romper un récord nacional en 50 metros estilo libre, en Grecia. En 1973, a los 18 años de edad, Yanni viajó a los Estados Unidos para estudiar psicología en la Universidad de Minnesota. Mientras estudiaba, Yanni tocó en público con el grupo Chameleon, donde conoció al excelente baterista Charlie Adams. Con Chameleon tuvieron un modesto éxito comercial, tocando en pueblos de Minnesota, Iowa, Wisconsin, Illinois y Dakota del Sur. Finalmente se recibió en esa disciplina y obtuvo un título de grado.

Como psicólogo realizó trabajos acerca de Sigmund Freud, de quien se considera admirador. Inmediatamente después de recibirse, intentó hacer una carrera en la música, aunque no podía leer música y no había tenido un entrenamiento formal.

Utilizando su propia notación musical, empezó a escribir sus propias canciones originales. Con Chameleon publicaron varios discos, de escaso éxito comercial. Finalmente Yanni se cansó del Rock y del Pop, y empezó a enfocarse en su carrera como solista, tocando teclados. A fines de los años ochenta se mudó a Los Ángeles, donde formó un pequeño grupo con el baterista Charlie Adams y John Tesh.

Su música se ha descrito como de Nueva Era, aunque él prefiere llamarla «Instrumental Contemporánea». Ha sido considerada con propiedades de Efecto Mozart. Sus composiciones también incluyen baladas románticas. En 1992 publicó el álbum Dare to Dream, cuya canción Aria fue nominada para un Grammy y popularizada en un anuncio comercial de British Airways. También se utilizó su música en la película I Love You Perfect. Su música, de carácter instrumental y melódico es de tipo orquestal. Sus temas se han utilizado como bandas sonoras para el cine, la televisión, los torneos deportivos, el teatro y los Juegos Olímpicos.

Su mayor éxito comercial se produjo con la presentación de su álbum y vídeo, Yanni Live at the Acropolis, filmado el 25 de septiembre de 1993 en el teatro de Herodes Atticus, con 2000 años de antigüedad, en Atenas, y editado en 1994. El concierto, situado en un entorno arquitectónico protegido por las entidades culturales de este patrimonio milenario, fue autorizado de manera extraordinaria y exclusiva, debido a las implicaciones del sonido, por las autoridades griegas. Este fue su primer álbum en directo y utilizó una magnífica y compleja orquesta, además de sus propios intérpretes. Bajo la supervisión del director Shardad Rohani, y la Orquesta Filarmónica Real, realizó un concierto magistral. Posteriormente, el concierto fue retransmitido en Estados Unidos en el Public Broadcasting Service, y rápidamente llegó a ser uno de sus programas de mayor popularidad. Se ha mantenido estable en los éxitos mundiales desde su presentación y es el segundo vídeo de mayor éxito de ventas musicales de todos los tiempos. Se llegaron a vender a nivel mundial, más de 10 millones de copias.

Los temas One man´s dream, Until the last moment y Nostalgia son versiones de producciones anteriores. Con motivo del quincuagésimo aniversario de la República Popular China, fue el primer músico que actuó en la Ciudad Prohibida. Este concierto está recogido en el álbum Tribute, junto a las interpretaciones en el Taj Mahal, uno de los sitios turísticos más conocidos de la India, construido en el siglo XVII. El concierto cuenta con prestigiosos músicos internacionales, al igual que en su concierto en la Acrópolis, en los que se ha destacado la violinista Karen Briggs.

En el año 2000 grabó su duodécima producción, con el nombre de If I Could Tell You, volviendo a cautivar a su público con nuevos ritmos, influido por su última gira realizada por Asia oriental, resaltando composiciones como On Sacred Ground, Wishing Well y If I Could Tell You.

En el 2003 Yanni reapareció con su primer álbum de estilo lírico, llamado Ethnicity, con nuevos ritmos. Éste es su disco más variado en cuestión de cultura musical, ya que incluye instrumentos casi desconocidos para el público kitsch, como el diyiridú australiano.

En febrero de 2003, coincidiendo con el lanzamiento de su décimo tercer álbum Ethnicity, sale a la luz la autobiografía de este intérprete y compositor, llamada Yanni in Words, co-escrita por David Rensin. En ella relata su infancia en Grecia, sus años en la Universidad de Minnesota, su éxito como artista internacional junto con la exploración de su proceso creativo y su relación de nueve años con la actriz Linda Evans (1942–). Más tarde realizó una gira mundial llamada Yanni Live! World Tour a la que dedicó alrededor de dos años viajando por Estados Unidos y Canadá.

Tras pasar casi 8 años sin sacar a la venta un CD en directo, Yanni regresó en otoño de 2006 con la presentación de una nueva producción grabada en vivo dentro de su última actuación de 2004 en Las Vegas. Yanni realizó hace unos años una composición dedicada a su madre, llamada “Felitsa”, quien murió el 20 de mayo de 2006 en su tierra natal, Kalamata.

El 8 de marzo de 2006, Yanni fue acusado por maltrato contra su entonces pareja sentimental, la morena modelo Silvia Barthes (1972–), en una mansión de Manalapan (Miami). No se pudieron comprobar los cargos, pero el músico griego pasó la noche en la cárcel de Palm Beach. En esos días, la modelo boliviana se dedicó a revelar secretos conyugales de su relación con el músico.

Yanni, desde entonces, realizó un cambio de apariencia cortándose el cabello corto y rebajando su gran bigote. Regresó a los estudios de grabación donde concibió el proyecto Yanni Voices, que pretende ser un espectáculo que une su maestría con las voces de intérpretes conocidos en español.

El 15 de agosto de 2006 presentó una nueva producción, Yanni Live! The Concert Event, y después en septiembre un DVD. Según sus managers y por sus propios comentarios, tenía pensado realizar un concierto especial y solemne en las pirámides de Teotihuacán, en México. El 13 de noviembre de 2008 presentó su espectáculo Yanni Voices and Special Guests en el Forum Mundo Imperial, en Acapulco (México). En marzo de 2009 Yanni publicó el disco titulado Yanni Voces , compendio del espectáculo ofrecido en Acapulco, en el que destaca la participación de Olga Tañón (1967), Willy Chirino, Lucero (actriz) y el regreso del cantante José José (1948).

Álbumes de estudio

* Optimystique (1980, relanzado en 1984)
* Keys to Imagination (1986)
* Out of Silence (1987)
* Chameleon Days (1988)
* Niki Nana (1989)
* Reflections of Passion (1990)
* In Celebration of Life (12 de noviembre de 1991)
* Dare to Dream (10 de marzo de 1992)
* In My Time (6 de abril, 1993)
* If I Could Tell You (3 de octubre de 2000)
* Ethnicity (11 de febrero de 2003)
* Yanni Voices (24 de marzo de 2009)

Videografía oficial y álbumes en vivo

* Yanni Live at the Acropolis (VHS, CD y DVD) (1994)
* Yanni Live At The Royal Albert Hall (VHS y DVD) (1995)
* One On One (VHS) (1996)
* Tribute (VHS, CD y DVD) (1997)
* Yanni Live! The Concert Event ( CD y DVD) (2006)
* Yanni Voices" ( CD y DVD) (2009)

Bandas sonoras: (Soundtracks)

* 1988 Steal the Sky
* 1989 I Love You Perfect
* 1990 She'll Take Romance
* 1990 When You Remember Me
* 1990 Children of the Bride
* 1988 Heart of Midnight
* 1994 Hua qi Shao Lin

Compilaciones

* 1987 Piano Two
* 1992 Romantic Moments
* 1997 Devotion (The Best of Yanni)
* 1997 Port of Mystery
* 1997 In The Mirror
* 1997 Nightbird
* 1999 Someday
* 1998 Forbidden Dreams: Encore Collection, Vol.2”
* 1999 The Private Years
* 1999 Love Songs
* 1999 Winter Light
* 1999 Songs From The Heart
* 1999 Greatest Hits”
* 1999 The Endless Dream”
* 2000 Snowfall
* 2000 The Very Best of Yanni
* 2003 Ultimate Yanni

Otros créditos

* 1988 A Thousand Summers (A John Tesh recording in which Yanni was credited as a performer.)
* 1991 Polar Shift (benefit compilation featuring one original Yanni track)
* 1997 Pure Moods
* 1999 John Tesh and Friends

Décadas de Conciertos

* 1987: Out of Silence
* 1988: Chameleon Days
* 1990: Reflections of Passion
* 1991: Revolution In Sound
* 1992: Dare to Dream
* 1993: Yanni Live, The Symphony Concerts 1993
* 1994: Yanni Live, The Symphony Concerts 1994
* 1995: Yanni Live, The Symphony Concerts 1995
* 1997: Tribute
* 2003–4: Ethnicity
* 2004–5: Yanni Live!
* 2008–9: Yanni Voices
* 2009: Yanni Live in Concert

Sitio Oficial: http://www.yanni.com/

Homenaje a Mercedes Sosa

2009-10-13T11:42:00.000-07:00

Un pequeño homenaje para "La Negra" Sosa. Icono de la historia musical y una gran mujer.

Laura Pausini - Gracias a la vida

Alejandro Lerner - Indulto

Varios artistas

Van Halen

2009-10-09T02:27:00.000-07:00

Van Halen es una banda estadounidense de Hard Rock, llamada así por los hermanos Eddie Van Halen y Alex Van Halen (guitarrista y baterista respectivamente).

El primer álbum de la banda, Van Halen de 1978 es ampliamente considerado como un hito en la historia del rock. Con este primer estreno, la banda se estableció como un líder en el emergente y desafiante mundo hard rock de los EE.UU. En particular, el guitarrista de la banda, Eddie Van Halen, se hizo rápidamente famoso gracias a su técnica y sensibilidad musical. Hoy en día es considerado como uno de los guitarristas de rock más innovadores e influyentes; otros de los rasgos distintivos del grupo en su etapa considerada más clásica, era el estilo versátil y autoparódico de su cantante David Lee Roth, conocido como "Diamond" Dave.

De 1978 a 1998 la banda editó 11 álbumes (todos ellos estuvieron entre los 20 mejores de Billboard). La banda ha vendido más de 70 millones de álbumes mundialmente y ha recibido varias nominaciones a los premios Grammy, ganando uno con el álbum "For Unlawful Carnal Knowledge" en 1991. Van Halen figura en el Libro Guinness de los Récords con la mayor cantidad de Nº 1's en la lista de rock de Billboard. Según la Asociación de la industria discográfica de Estados Unidos.

Historia

La Familia Van Halen emigra de Nijmegen, Holanda hacia Pasadena, California en los años 1960’s. El padre de Eddie y Alex, Jan Van Halen, era un músico realizado y transmitió a sus hijos el amor a la música. Siendo los hermanos Van Halen unos niños, fueron entrenados como pianistas clásicos. Con el paso del tiempo, Eddie comenzó su aprendizaje con la guitarra. mientras que Alex tuvo interés en tocar la batería.

En su época de juventud, los hermanos Van Halen tocaron en varios grupos y realizando actuaciones en patios particulares, fiestas escolares, estacionamientos y pasaron por varios cambios de nombre como The Trojan Rubber Company, The Broken Combs, Rat Salad y Mammoth. David Lee Roth, un joven cantante que alquilaba a los hermanos Van Halen el equipo de sonido para voz, entra al grupo en 1974, ya que Eddie y Alex vieron que podrían ahorrarse ese dinero. Michael Anthony es invitado también a tocar en el grupo ese mismo año. El nombre de Mammoth tenía que ser cambiado ya que otro grupo lo estaba utilizando y entre los cuatro buscaron un nuevo nombre para el grupo y David Lee Roth sugirió el apellido de los hermanos Van Halen.

La banda se convirtió en todo un éxito en el circuito de clubes de Los Ángeles, California, en los años 70. En 1976, Gene Simmons (miembro de KISS) asiste a un show de Van Halen y rápidamente financia y graba una cinta demo sin poder convencer a su discográfica de que los firmara. Esta situación no afecta el ánimo del cuarteto y continúan ofreciendo espectáculos abarrotados. Mo Ostin, un ejecutivo de Warner Brothers asiste también a un show junto con Ted Templeman, y firma al grupo después de una pequeña junta de negocios al finalizar el show en el Club Starwood de Los Ángeles.

[1978-1985] La era con David Lee Roth - Surgimiento e Influencia

La banda entra inmediatamente al estudio con Templeman como productor y graba su primer álbum, el cual es lanzado en 1978 obteniendo un éxito inmediato. Con el título homónimo Van Halen, el álbum presentaba innovaciones en ejecución, producción y arreglos. Fue pronto catalogado como uno de los más extraordinarios álbumes de rock.

La pista instrumental Eruption introdujo al mundo del Rock and Roll una nueva técnica para solos de guitarra, llamada Tapping: una técnica utilizando ambas manos en el mástil de la guitarra. Otros músicos ya habían desarrollado técnicas con ambas manos en la guitarra desde los años 50, pero la técnica de Eddie Van Halen era algo más: un ataque de notas y efectos muy amplificada y melódica. Eruption le otorgó a Eddie Van Halen inmediatamente el estatus de dios de la guitarra con tan solo 21 años. Cuenta la historia que antes del lanzamiento de su primer álbum, Eddie tocaba sus solos dando la espalda al público para esconder su técnica a los imitadores.

La banda estuvo de gira casi por un año, estableciendo su reputación firmemente como una talentosa y excitante banda en vivo. La química se basaba en la mágica técnica de Eddie Van Halen y los actos inusuales y estrafalarios del vocalista David Lee Roth, un contraste que más tarde se convertiría en un conflicto entre el grupo.

En diciembre de 1978, mientras el grupo junto con su productor Ted Templeman festejaban la navidad y el año exitoso que terminaba, Eddie Van Halen mostró sus dotes musicales en una guitarra acústica.Esto agradó a Templeman, quien le sugirió que grabara un solo similar a Eruption en acústico en próximo álbum (Van Halen II), el cual fue titulado Spanish Fly.

La banda regresa al estudio en 1979 para la grabación del álbum Van Halen II, muy similar en estilo y sonido a su predecesor, este álbum contenía como primer sencillo Dance the Night Away, el cual lograría establecerse fácilmente dentro de las listas de popularidad.

Para los próximos cuatro años, la banda continuaría alternando lanzamientos de discos con giras, para así incrementar su éxito comercial y de la crítica.

Durante la época del lanzamiento del álbum Women and Children First en 1980 Van Halen era la banda más exitosa e influyente del mundo rock. Sin embargo en 1981, mientras se grababa el álbum Fair Warning, comenzaban a surgir las tensiones entre los deseos de experimentación de Eddie en crear canciones más serias y complejas con los instintos pop de David Lee Roth. Fair Warning fue al inicio una decepción en ventas pero más tarde tomaría fuerza gracias a las recomendaciones que se hacían de persona en persona. Inclusive para muchos fanáticos de la banda, éste es el mejor álbum grabado por ellos durante la era Roth y en el que se incluyen clásicos como Meanstreet, Hear about it later, So this is love y Unchained. Pero la banda regresaría a un sonido más accesible con el lanzamiento del álbum Diver Down el cual consiste en una serie de covers destacando el éxito clásico de Roy Orbison Oh, Pretty Woman.

La banda comenzó a filmar los primeros videos musicales para MTV, y la imagen magnética de "Diamond Dave" Roth fue naturalmente el foco de atracción, cosa que no agradaba del todo a los demás miembros del grupo. Después de otra gira exitosa, Van Halen se convierte en el grupo mejor pagado en la historia por una sola presentación en el US Festival de 1983.

El siguiente álbum 1984 (lanzado en diciembre de 1983), se convirtió en el pináculo comercial y artístico de la banda, así como en el punto de quiebre para la alineación original. 1984 integraba teclados electrónicos al sonido de la banda (ya se habían utilizado anteriormente en otras grabaciones, como por ejemplo, en Dance the Night Away y And the Cradle Will Rock..., pero nunca tan prominentemente). El primer sencillo, Jump, presentaba una tonada en sintetizador como gancho, una letra muy pegajosa y dos increíbles solos ejecutados por Eddie, uno de guitarra y otro de sintetizador, que lo convirtió en su primer éxito #1. 1984 fue aclamado por los críticos y los admiradores y llegó hasta el sitio #2 de las listas de Billboard, detrás del súper popular álbum Thriller de Michael Jackson (en el cual Eddie Van Halen toca el solo de guitarra en el sencillo "Beat It"). Los videos musicales para Jump, Panama y Hot For Teacher fueron muy populares.

En medio de su gran gira y éxito comercial, la tensión personal y artística entre los músicos llegó a un punto de quiebre y David Lee Roth abandona al grupo en abril de 1985.

La era de David Lee Roth, sigue siendo vista como la más criticada y la más exitosa comercialmente, habiendo influenciado a casi todas las bandas que surgieron en los 80s. Sus álbumes más vendidos hasta hoy son el álbum debut y el último álbum con David Lee Roth, 1984. Ambos han alcanzado el nivel de Discos de Diamante vendiendo cada uno más de 10 millones de copias. Adicionalmente, ambos álbumes han sido catalogados como grandes éxitos del Hard rock, por sus innovaciones artísticas que aunque han sido emuladas, permanecen únicas. Las canciones Runnin' with the Devil contenida en el primer álbum, y Jump, del álbum 1984, están catalogadas como las canciones más influyentes en el salón de la fama del Rock And Roll.

[1985-1996] La era con Sammy Hagar

Para mediados de 1985, Van Halen se encontraba sin vocalista principal, se rumoraba mucho con el nombre del siguiente cantante y los hermanos Van Halen confirmaron que alguna vez se pensó en invitar a varios artistas para que interpretaran las canciones de su siguiente disco.

Pero en ese mismo año, mientras Eddie visitaba el taller para automóviles "Claudio's", comenta con el dueño que esta en busca de un nuevo vocalista a lo que Claudio menciona el nombre de Sammy Hagar, con el que acababa de hablar para avisar que su Lamborghini ya estaba listo y Eddie se pone en contacto con Hagar y arregla una visita al estudio de Eddie para hablar con toda la banda.

Después de una corta junta de negocios, Eddie comienza a tocar una canción en la que estaba trabajando en esos momentos y Hagar comienza a cantar una letra inventada, esta canción más tarde se convertiría en el sencillo "Summer Nights" incluida en el siguiente álbum que es lanzado en 1986 titulado "5150" del cual se desprendieron otros sencillos, como "Why Can't This Be Love?", "Dreams" y "Love Walks In" que seguían con la marcada ejecución de sintetizadores por parte de Eddie.

El periodo de Van Halen con Sammy Hagar fue marcado por 2 corrientes opuestas: La expansión del éxito comercial de la banda y la aceptación de una audiencia mayor, pero al mismo tiempo se sentía un creciente resentimiento por la salida de Roth. La sensibilidad musical de Hagar permitió a Van Halen obtener acceso a una audiencia mayor, con letras que eran más introspectivas y soñadoras. Esto acompañado con una instrumentación ampliada de Eddie, quien demostró elementos más firmes y temáticos y una mezcla avanzada de texturas musicales en cada canción. El resultado fue un sonido más maduro e integrado, muy diferente al pesado y cargado sonido rockanrolero de los trabajos anteriores del grupo. los seguidores de hueso colorado del "Van Halen Clásico" marcaron al sonido del nuevo "Van Hagar" como muy suave y flojo comparado con la actitud más Rockera de la época con Roth que alguna vez el mismo Roth describió como una mezcla de religión y hockey.

En 1988 y con el lanzamiento del álbum "OU812", Van Halen sale de gira encabezando el festival "Monsters of Rock" en el cual compartían el escenario con las bandas Kingdom Come, Metallica, Dokken y Scorpions, teniendo una muy buena respuesta de los seguidores y del público que llenaban los estadios en que se presentaban.

Durante la estancia de Hagar, la banda estableció una fórmula musical que fue un éxito comercial en los Estados Unidos. Los cuatro álbumes de estudio producidos durante este periodo, alcanzaron el #1 de las listas Billboard. Fue también en esta época en que 17 temas alcanzaron los primeros 12 lugares en las listas de rock. Adicionalmente, Van Halen fue nominado para dos premios Grammy, ganándolo en 1991 por el Mejor Acto de Hard Rock con Vocales por el álbum de 1990 "For Unlawful Carnal Knowledge" producido por Ted Templeman quien produjera los primeros seis discos con David Lee Roth. Van Halen continuo disfrutando de un éxito popular durante los 1990's, mientras que muchas bandas contemporáneas caían del gusto de la gente.

La segunda encarnación de Van Halen también vio crecer el uso de la marca Van Halen, expandiéndose a otros medios con películas de alto presupuesto, grabaciones de conciertos en vivo, y hasta su propia cantina en Cabo San Lucas, México. Si el estilo innovador de David Lee Roth convirtió a Van Halen como líder de todas las bandas de Hard Rock de ese momento, el estilo más conservador y de hombre trabajador hizo de Van Halen una franquicia y un Icono del Rock.

Por primera vez en la historia de Van Halen, se lanza en 1993 un disco en vivo titulado "Right Here, Right Now" mostrando la energía que el grupo muestra en el escenario, en el año 1987 ya se había realizado una producción en vivo, "Live Without a Net" la cual solo fue lanzada en video.

El último álbum de esta alineación es lanzado en 1995 y lleva como título "Balance", título que refleja el momento en que Eddie busca un balance en su vida y busca desintoxicarse de sustancias.

Durante la grabación de su contribución para la banda sonora de la película "Twister", llevó la tensión entre Hagar y los hermanos Van Halen al máximo, llevando a Hagar a abandonar el grupo en 1996. Hagar comenta que él fue despedido; Eddie Van Halen comenta que Hagar renunció. El último sencillo con Hagar se llamó "Humans Being", en ese mismo álbum Eddie y Alex Van Halen contribuyen con el tema "Respect the Wind".

[1996-1998] La era de la confusión y Gary Cherone

Antes de que Sammy abandonara a la banda, Van Halen ya trabajaba en un álbum de éxitos. David Lee Roth contacta a Eddie para discutir que canciones debían ser incluidas. Eddie pide a David que colaborara con la banda en algunas canciones nuevas para ser incluidas en dicho álbum. El resultado fueron dos canciones: "Can't Get This Stuff No More" y "Me Wise Magic".

El álbum "Best of Van Halen, Vol. I" llegó al #1 de las listas al igual que el sencillo "Me Wise Magic".

El 4 de septiembre de 1996, Van Halen con David Lee Roth hacen una aparición en la entrega de premios MTV, siendo ésta su primera aparición en público en 11 años, recibiendo una gran ovación del público asistente, desafortunadamente esta también seria la última aparición del Van Halen Clásico. Mucha gente pensó que David Lee Roth regresaba con la banda pero unos instantes después en una entrevista tras bambalinas, Eddie negaba que tuvieran alguna gira o álbum en puerta con Roth y días más tarde en un comunicado, David informaba que no estaba de regreso con Van Halen, aun cuando el sentía que así se lo hizo creer Eddie Van Halen. Esto solo creo mucha controversia entre los fans y Van Halen no contaba una vez más con vocalista principal.

Ray Danniels, quien ahora manejaba a la banda, también manejaba a la Banda de Boston "Extreme" (antes separada ahora vuelta a unir para nueva gira mundial 08) y sugirió a Gary Cherone como el nuevo vocalista para Van Halen. Gary se reunió con Van Halen y tocaron algunas canciones del Van Halen Clásico. Cherone fue admitido Inmediatamente. El resultado de esta nueva agrupación fue el álbum "Van Halen 3" que fue lanzado el 17 de marzo de 1998 llegando hasta el lugar 4 de las listas de éxitos y el sencillo "Without You" debuto como #1 en las listas de Billboard.

Esta agrupación no duraría mucho, los fans y el público no respondieron muy bien hacia el nuevo álbum que ha vendido hasta la fecha, alrededor de 500.000 copias, siendo éste el único álbum de Van Halen que no ha llegado al estatus de disco de platino. Además la gira para soportar dicho álbum no tuvo el éxito que se había tenido con anterioridad, aun cuando Gary mostraba una gran energía en cada presentación e interpretaba canciones de todas las eras por las que la banda había pasado. Cherone se negaba a cantar muchas de las canciones de David Lee Roth

Nunca se sabrá el motivo real de la separación de Cherone de la agrupación en 1999, muchos especulan que los ejecutivos de Warner Brothers persuadieron a los Hermanos Van Halen para terminar con Cherone por las bajas ventas del disco Van Halen III. La separación fue amistosa y pacífica a diferencia de las separaciones anteriores.

[1999-2004] Seis años de silencio

Con la decepcionante actuación del álbum "Van Halen 3" y la salida de Gary Cherone, parecía que Van Halen se encaminaba a los libros de historia. Entre 1999 y 2004 la banda no lanzo ningún álbum y no había información oficial sobre el futuro de Van Halen. Noticias y rumores sobre los miembros pasados y actuales surgían de vez en cuando, siendo éstas las más sobresalientes.

* En 2001, Eddie Van Halen se sometió a una operación de cadera.
* En 2002, Warner Brothers terminaba su contrato con Van Halen, después de haber lanzado todos sus álbumes desde 1978.
* En 2002 Eddie Van Halen recibe tratamiento contra Cáncer de Garganta
* Se anuncia la separación del matrimonio de Eddie Van Halen con la actriz Valerie Bertinelli después de 21 años de matrimonio
* En 2004, David Lee Roth gira una demanda en contra de Van Halen, sus representantes y la compañía de discos por no ser participe de las renegociaciones de regalías en 1996.
* Eddie y Alex continúan trabajando componiendo canciones para nuevos álbumes.
* Michael Anthony tiene varios proyectos de mercadotecnia de productos y está involucrado con el show anual de la industria de la música Namm; se presenta como invitado en algunos conciertos de Sammy Hagar y saca al mercado una línea de salsas para cocktail.
* Desde 1996 David Lee Roth continua lanzando álbumes, saliendo en giras, se presenta como comentarista de radio, además de participar con los Boston Pops el 4 de julio de 2004. En 2005 recibe la certificación como paramédico y en 2006 reemplaza a Howard Stern en la radio matinal de la costa este de los EE.UU. estando únicamente 4 meses al aire.
* Gary Cherone inicia una limitada carrera como solista y desmiente rumores de volver con Van Halen.
* En 2002 David Lee Roth y Sammy Hagar salen de gira juntos, siendo un éxito con llenos totales en cada presentación, durante esta gira, Michael Anthony se unía en algunos conciertos con Sammy Hagar para tocar algunas canciones, pero nunca se unió en la parte de las presentaciones de David Lee Roth.
* Sammy Hagar es el más activo con varios lanzamientos y giras, además de sacar al mercado el Tequila "Cabo Wabo" y tener la franquicia de cantinas en Cabo San Lucas, México y en Lake Tahoe, Nevada.

Reunión con Sammy Hagar (2004)

En marzo de 2004, Van Halen anuncia el lanzamiento de un nuevo álbum de éxitos y una gira solamente dentro de los Estados Unidos de América con Sammy Hagar; Warner Brothers lanza el álbum "Best of Both Worlds" conteniendo tres nuevos temas con Hagar "It's About Time", "Up For Breakfast" y "Learning To See". Este álbum de éxitos incluye únicamente temas de la época con David Lee Roth y la época con Sammy Hagar, excluyendo totalmente la época con Gary Cherone. El público reacciona bien a esta nueva gira. Pero una vez más, los fans y el público no saben sobre el futuro de Van Halen. Desde el término de la gira, en noviembre de 2004, la banda vuelve a sumirse en un silencio total. Muchos fans mantienen la esperanza de que David Lee Roth regrese a la banda para una última gira de despedida.

La nueva época con David Lee Roth (2007 - Actualidad)

El 13 de agosto de 2007, Van Halen anuncia en una rueda de prensa su nueva gira por Estados Unidos, México y Canadá con David Lee Roth como vocalista y Wolfgang Van Halen en el bajo. En la rueda de prensa se mencionó que piensan dar conciertos alrededor del mundo y que habrá una nueva producción discográfica muy pronto, según fuertes rumores, el nuevo álbum será en vivo, por lo que la banda mira con buenas perspectivas el futuro para goce y disfrute de los fans. A finales del verano, Van Halen se embarcó en una gira de conciertos por Canada, México y Estados Unidos con la participación de su original vocalista David Lee Roth, en la guitarra Eddie Van Halen, en la batería Alex Van Halen y en el bajo el hijo de Eddie, Wolfgang, quien se ha unido a la banda con solo 17 años de edad. La gira inició el 27 de septiembre en Charlotte, Carolina Del Norte, Nevada y se prevé que sean 26 fechas de conciertos por Norte América. Después de este exitoso tour y debido a la gran respuesta del público, Van Halen anunció en su página web que alargará la gira reanudándola en Enero y acabándola el 7 de abril de 2008 en Milwaukee, de momento seguirá solo por Estados Unidos y contará con casi 30 nuevos conciertos.

2009-Actvisión anuncia el lanzamiento de un Guitar hero centralizado en la banda, Guitar hero Van Halen.

Miembros Actuales

* David Lee Roth, Vocalista principal
* Edward Van Halen, Guitarra, Sintetizador, Piano, Coros
* Wolfgang Van Halen, Bajo y Coros
* Alex Van Halen, Batería y percusión

Ex-miembros

* Sammy Hagar, Vocalista principal (1985-1996), (2004)
* Gary Cherone, Vocalista principal (1996-1999)
* Michael Anthony, Bajo, Coros (1974-2004)
* Mitch Malloy, Vocalista principal

Álbumes de estudio

* Van Halen (1978)
* Van Halen II (1979)
* Women and Children First (1980)
* Fair Warning (1981)
* Diver Down (1982)
* 1984 (1984)
* 5150 (1986)
* OU812 (1988)
* For Unlawful Carnal Knowledge (1991)
* Balance (1995)
* Van Halen III (1998)

Sitio Oficial: http://www.van-halen.com/
Fuente: Wikipedia

Ray Charles

2009-09-01T09:00:00.000-07:00

Ray Charles, (23 de septiembre de 1930-10 de junio de 2004) fue un cantante y pianista de soul, R&B y jazz nacido en Georgia y ciego desde la infancia.

Historia

Nacido en Albany, Georgia, Ray Charles perdió la vista durante su infancia por un glaucoma. Fue autodidacta del piano, pero también recibió clases de música en braille en la "St Augustine School", un centro para invidentes. Paralelamente, tuvo que ganarse la vida como músico, cuando fallecieron sus padres. A finales de la década de los cuarenta, Ray Charles consigue colocar un disco en las listas de su país, y en 1951 obtiene su primer Top Ten, gracias a "Baby, Let Me Hold Your Hand" en 1951. Fue criticado por cantar canciones gospel con letras populares, aunque hay una gran tradición al poner letras religiosas a canciones y viceversa. Thomas A. Dorsey, uno de los fundadores de la música gospel, que también tuvo una carrera significativa en la música popular. Solomon Burke y Little Richard incluso se movieron entre los dos estilos.

Después de una aparición en el Newport Jazz Festival logró un éxito importante con "(The Night Time is) The Right Time" y su canción más popular 1959, "What'd I Say". La esencia de esta fase de su carrera se puede escuchar en su álbum en vivo Ray Charles en Persona, grabado ante una gran audiencia Afroamericana en Atlanta en 1959. Este álbum incluso caracteriza el primer show en vivo de "What'd I Say" se disparó como un éxito en Atlanta, meses antes fue grabada en el estudio una mejor versión en dos partes.

Charles comenzó a ir más allá de los límites de su síntesis blues-gospel mientras seguía con Atlantic que ahora lo llamaba El Genio. El grabó con muchas orquestas y muchos artistas de Jazz como Milt Jackson e incluso hizo su primer cover de música country con el "I'm Movin' On" de Hank Snow.

Luego, se cambió a ABC Records. En ABC, Charles tuvo mucho control sobre su música y extendió su enfoque no en proyectos laterales experimentales sino con música pop, dando como resultado la canción "Unchain My Heart" y el número 1 en los listados de Billboard, "Hit the Road, Jack". En 1962, Charles sorprendió su nueva audiencia externa con su importante álbum Modern Sounds in Country and Western Music, que incluye los temas "I Can't Stop Loving You" y "You Don't Know Me". Esto fue seguido por una serie de éxitos, incluyendo "You Are My Sunshine", "Crying Time", "Busted" y "Unchain My Heart".

En 1961, Charles canceló un concierto programado en el Bell Auditorium en Augusta (Georgia) para protestar por las ubicaciones segregadas. Contrario a lo que la película autobiográfica de Ray dice, Ray nunca fue vetado en Georgia, aunque tuvo que pagar la compensación del manager. [1] Ese mismo año el hizo un dueto en un álbum con la vocalista de jazz Betty Carter.

En 1965, Charles fue arrestado por posesión de heroína, a la que fue adicto durante 17 años. Fue su tercer arresto por el delito, pero pudo evitar ir a prisión después de dejar el hábito en una clínica en Los Ángeles. Pasó un año en libertad condicional y realizó el "Let's Go Get Stoned" de Ashford y Simpson (1966)

Después de 1970, Charles realizó lo que sería un éxito o su pérdida, con algunos éxitos populares y trabajos aclamados por la crítica y alguna música que fue desechada como copia y permanente. Se concentró en espectáculos en vivo, aunque su versión de "Georgia on My Mind", una canción originalmente escrita para una chica llamada Georgia, fue un éxito y pronto fue proclamada como la canción por excelencia de Georgia en 24 de abril, de 1979, con la aparición de Charles en el piso de la legislatura del estado. Incluso tuvo éxito con su única versión de "America the Beautiful". En 1980 Charles hizo una breve aparición en The Blues Brothers.

Finalizando 1980, se incrementó el reconocimiento de Ray entre su audiencia. En 1985, "The Night Time is the Right Time" fue usada en el episodio "Happy Anniversary" del The Cosby Show. Los actores usaron la canción para mostrar un canto popular que aumentó el rating del show. En 1986, él colaboró con Billy Joel en "Baby Grand" para el álbum de Joel The Bridge, participó en U. S. A. for Africa. En 1987, Charles apareció en el episodio "Hit the Road, Chad," de Who's the Boss. Charles canto la canción, "Always a Friend". También apareció muchas veces en el espectáculo The Nanny, tocando con Yetta (Ann Guilbert). La nueva colección de Charles con el público ayudó a una campaña de la Pepsi Dietética. En su campaña publicitaria más exitosa, Charles popularizó la frase "You've got the right one, baby!" A la altura de esta fama reencontrada a comienzos de los 90s, Charles invitó vocalistas para algunos proyectos. Esto incluía a la canción de INXS "Please (You've Got That...)", en el Full Moon, Dirty Hearts, así como la canción Designing Women en su sexta sesión. El también apareció (con Chaka Khan) con un viejo amigo Quincy Jones' en el éxito I'll Be Good To You de 1990. En 2004 Charles realizó un álbum de duetos, Genius Loves Company, que fue nominado en los premios Grammy a Mejor Álbum vocal pop, Álbum del año, y canción del año. El ganó Álbum del año y canción del año. Un dueto con Norah Jones, "Here We Go Again", fue nominado a Mejor canción.

En 1996, Ray Charles hizo un cameo en la película Espía como puedas.

Falleció a la edad de 73 años, el 10 de junio de 2004 en su casa de California. Sus restos se encuentran en el Cementerio Inglewood Park de Los Ángeles, California.

En el año 2004 se estrenó la película Ray, que narra toda su vida. Fue ganadora de 2 Oscars, incluyendo Mejor Actor y Mejor Banda Sonora, y además nominada a mejor película. Desde entonces se han seguido publicando recopilatorios en CD e incluso se grabaron algunas canciones por el artista inéditas en el disco de la película. También se ha publicado su autobiografía titulada Brother Ray, que narra toda su vida de la manera más cercana a la realidad posible.

La revista Rolling Stone lo nombra #10 en su lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos. En 2009 publica la lista de los 100 mejores cantantes de la historia, los cuales han sido elegidos por todos los cantantes y personas relacionadas con la música. Entre todos ellos Charles ha sido nombrado como mejor cantante masculino y como el segundo mejor cantante de todos los tiempos, sólo superado por Aretha Franklin. Detrás de Ray Charles están en tercera posición Elvis Presley y todos los demás cantantes.

Discografía

Álbumes

* 1957: Ray Charles (or, Halleluja I Love Her So)
* 1957: The Great Ray Charles
* 1957: Yes Indeed!
* 1958: Soul Brothers (with Milt Jackson)
* 1958: Soul Meeting (with Milt Jackson)
* 1959: What'd I Say
* 1959: The Genius of Ray Charles
* 1960: In Person
* 1960: Genius Hits the Road
* 1960: Dedicated to You
* 1961: Ray Charles and Betty Carter
* 1961: Genius + Soul = Jazz
* 1962: Modern Sounds In Country and Western Music
* 1962: Modern Sounds In Country and Western Music Volume Two
* 1963: Ingridients in a Recipe For Soul
* 1964: Sweet & Sour Tears
* 1964: Have A Smile With Me
* 1965: Live in Concert
* 1965: Together Again
* 1966: Crying Time
* 1966: Ray's Moods
* 1967: Invites You to Listen
* 1968: Portrait of Ray
* 1968: I'm All Yours Baby!
* 1969: Doing His Thing
* 1970: Love Country Style
* 1970: My Kind of Jazz
* 1971: Volcanic Action of My Soul
* 1972: A Message From the People
* 1972: Through the Eyes of Love
* 1972: Jazz Number II
* 1974: Come Live With Me
* 1975: Renaissance
* 1975: My Kind of Jazz, Part 3
* 1977: True to Life
* 1978: Love & Peace
* 1979: Ain't It So
* 1980: Brother Ray Is At It Again
* 1983: Wish You Were Here Tonight
* 1984: Do I Ever Cross Your Mind
* 1984: Friendship
* 1985: The Spirit of Christmas
* 1986: From the Pages of My Mind
* 1988: Just Between Us
* 1990: Would You Believe?
* 1993: My World
* 1996: Strong Love Affair
* 2002: Thanks For Bringing Love Around Again
* 2004: Genius Loves Company
* 2004: Genius & Friends
* 2008: The definitive Ray Charles

Ray, the film.

Ray es un filme que dramatiza la biografía de Ray Charles, músico invidente de raza negra e interpretado por Jamie Foxx. La película está dirigida por Taylor Hackford y consiguió el Oscar al mejor actor principal y al mejor sonido.

Premios

Grammy Awards
Año	Título	Categoría	Género
1960	the good times roll	Mejor actuación de R&B	R&B
1960	Georgia on my mind	Mejor actuación masculina en solitario	Pop
1960	The Genius of Ray Charles	Mejor álbum masculino	Pop
1960	Georgia on my mind	Mejor canción masculina	Pop
1961	Hit the road Jack	Mejor grabación de R&B	R&B
1962	I can't stop loving you	Mejor grabación de R&B	R&B
1963	Busted	Mejor grabación de R&B	R&B
1966	Crying time	Mejor actuación de R&B	R&B
1966	Crying time	Mejor grabación de R&B	R&B
1975	Living for the city	Mejor actuación vocal masculina	R&B
1990	I'll be good to you (con Chaka Khan y Quincy Jones)	Mejor canción de dúo o grupo	R&B
1993	A song for you	Mejor actuación vocal masculina	R&B
2004	Heaven help us all (con Gladys Knight)	Mejor actuación gospel	Gospel
2004	Genius Loves Company	Mejor álbum	Pop
2004	Here we go again (con Norah Jones)	Grabación del año
2004	Here we go again (con Norah Jones)	Mejor colaboración	Pop
2004	Genius Loves Company	Álbum del año

Sitio Oficial: http://www.raycharles.com/
Fuente: Wikipedia

Ignacio Copani

2009-08-24T20:50:00.000-07:00

Ignacio Copani, cantautor nacido el 25 de octubre de 1959 en Villa Lynch, Buenos Aires, pero desde pequeño vivió en Pavón Arriba, Departamento Constitución, provincia de Santa Fe, Argentina ; autor de más de 1200 temas, más de 200 publicados.

Ha actuado en los teatros Ópera, Gran Rex, Luna Park, de Buenos Aires, los estadios Velodróm, Mundialista de Mar del Plata, y Olímpico de Córdoba y en Uruguay, Chile, Colombia, España, Italia, México, y Estados Unidos.

Nada compleja su base musical: melodías simples y letras relacionadas al amor, a lo social, con el agregado de rimas bluseras, jazzistas, poperas, folklóricas y toques de chispa y humor.Ha incursionado en los géneros más populares de la música ,como el rock, el pop, la cumbia, el tango ,folclore, salsa, milonga, vals, entre otros a lo largo de sus distintas producciones.

Inicios

Copani comenzó a cantar y a componer en México, hacia 1976. Se presenta en un concurso de música para jóvenes, con "Si yo fuera presidente".

En 1984, regresa a la Argentina, a Ramos Mejía, Gran Buenos Aires, donde reinicia "de cero" sus presentaciones en lugares desconocidos. Viviendo en el país del Norte había realizado 2 giras por Europa con gran repercusión.

Reconocimiento

Lo obtiene a partir de Cuántas minas que tengo, y La familia (tema musical del programa de TV Los Benvenutto). Lentamente su público lo identifica con mensajes sociales, sin protesta ni denuncia, sólo descriptivos.

La fructífera etapa 1988-1993

Tras ser rechazado por varias compañías discográficas, Copani edita de manera independiente en 1988 su primer material en su país de origen. Al tiempo EMI pasa a ser su discográfica, reeditando en varios países el disco que incluye, entre otros hits, a "Cuantas minas que tengo", "Lo atamo' con alambre", "Rebelde sin igual", "Cuando será al revés" y él himno a la memoria llamado "Puede verme", en claro alusión al gobierno de facto que presidió la Argentina entre 1976 y 1983.

Al año siguiente, con la aparición de "Ya vendrán tiempos mejores", inicia una serie de shows por primera vez en el estadio Luna Park. El álbum incluye los éxitos "No te creo nada", "Por un dólar" (irónica canción referida a las cosas que es capaz de hacer la gente con tal de tener en su poder dicha moneda estadounidense), "Pase lo que pase no te metas", "Te pusiste a pensar" (tema que refleja a las claras la situación social que padecía en ese momento la argentina), "Pobre papá", etc.

En 1990 presenta un nuevo material. El disco, titulado "Copani", acentúa la temática social del cantautor, con temas como los exitosos "Cuidado con los ladrones", "Marcha de la abundancia" (crítica a la escasez de distintos tipos de productos debido a la exportación durante el gobierno de Carlos Menem), "Éramos tan felices", "Ángel del pasado", etc.

En 1991, con la excusa de incluir el tema "La familia" (que él realiza para la presentación del programa televisivo Los Benvenutto), edita su primer material de grandes éxitos, titulado "Copani Completo".

Tras un impasse creativo, en 1992 presenta Afectos Especiales, un álbum que en cierta manera se diferencia un poco del sonido que venía mostrando en sus discos de estudio anteriores, tornado a las canciones más melancólicas, aunque con ciertas reminiscencias de los otros trabajos. Cuenta con la participación especial de Los Twist en El Celador, y de Juan Carlos Baglietto en La Deuda. Ese chico, Pobre Jesús, Míster Colón, entre otras rápidamente comienzan a sonar en las radios y el disco llega rápidamente al platino.

Durante 1993 realiza una nueva recopilación de grandes éxitos, titulada Compromiso, debido que se trataba de las 10 canciones sobre la realidad argentina más difundidas del cantautor.

1994-1997:Consolidación y fin de su etapa en discográficas

Puerto es el nombre del material que Copani presenta en 1994.El mismo es un álbum bastante existencial que roza lo acústico, total y absolutamente distinto a los que venía haciendo. Temas como Con un amigo, Gaby (dedicado a una de sus hijas) muestra a las claras la intención del autor en el disco. No deja de lado la canción reivindicativa, que tiene su lugar en la elogiada Para sentir América, en Todo Privado, en la exitosa (a pesar del intento de censura) Mary Julie (que narra los poderes de la por entonces ministra María Julia Alsogaray y su relación con Carlos Menem).

Otra de las canciones exitosas del disco es Puerto sin mar, que muestra a un Copani romántico, cosa poco habitual, al menos en las canciones famosas de su repertorio por aquella época.

En 1995 aparece el que será su último disco junto a la compañía EMI: Sálvese quien pueda. Incluye una de las canciones más famosas de su repertorio ; el himno "Padre", el tango Ya fue, que, junto a temas como Aguantando dan formato a un álbum de historias sobre la Argentina de aquellos días. Según la consideración del artista el material no tiene la difusión y el apoyo que merece de parte de la discográfica, y al no lograr las importantes cifras de venta que venían teniendo sus anteriores trabajos, no renueva su contrato y a partir del 31 de diciembre de 1995 deja de ser artista de EMI. Rápidamente es tentado por POLYGRAM, que le garantiza una absoluta difusión de su obra en toda América. El acuerdo comercial incluye 2 discos de canciones inéditas que Copani debía publicar en 1996 y 1997.

Efectivamente a mediados de 1996 sale a la calle Gatillo fácil, con muchas canciones que la propia EMI le había vetado en años anteriores. Sí bien el disco logra aceptación y el tema Ciudad de tango se convierte en un habitúe radial, no vende tanto como se preveía y la discográfica decide encarar el próximo proyecto con mucho menos presupuesto de lo que habían acordado. Copani compone (e incluye como primera canción de Gatillo...)La rumba del olvido, tema con el que abre su programa radial "Todo va bien" en radio Rivadavia. El mencionado siguiente material es, desde el título al menos, la muestra de que el artista inicia una etapa vinculada al fútbol. Llamado Contragolpe, logra mucha difusión el tema Pereyra, con el tiempo uno de los clásicos de su carrera, que tiene la particularidad de ser el único tema que grabó Copani y no fue escrito por él. Se considera a Contragolpe el disco en el Copani abarca la mayor variedad de temas, que van desde los mencionados dedicados al fútbol, a la realidad del país (la crudísima y muy difundida "los derechos", "hasta las manos"-un poco más irónica y humorística en comparación con la anterior), ideológicas y autoreferenciales ("el juglar")o simplemente dedicadas a materiales ("la madera", "fierro"). Son bastante notables también las críticas hacia Menem en "inocentes" y "la madera"-en la que define al por entonces presidente como un "personaje con patillas, manejado desde el norte con piolín, que a la patria en que nació redujo a astillas y su meta es convertirla en aserrín").

Su etapa independiente

1997: su primer disco fuera de las grandes discográficas, Rivertidísimo, se transforma rápidamente en disco de oro, merced al himno de River (titulado el más grande) y otras canciones exitosas como inmenzo (dedicada a Enzo Francescoli), más la reedición del conocido tema futbolero que gire la pasión. Mientras tanto, EMI edita 2 en 1, un material con los grandes éxitos que Copani grabó durante 1988 y 1990. Durante agosto participa junto a otros reconocidos artistas argentinos de un proyecto de UNICEF, consistente en musicalizar letras de chicos de entre 9 y 20 años, para luego editrlas en cd. El tema que Copani musicaliza se llama el carnaval del mal y hace referencia a la discriminación.

Un hecho que ocurre durante éste año marca la artista quizá por el resto de su vida:estuvo a punto de abordar el vuelo de Austral en el que un gran número de personas perdieron la vida.Tenía pactados 2 shows en Posadas, Misiones, uno el jueves y el otro al día siguiente.Éste último, a realizarse en un anfiteatro al aire libre se suspendió a causa del mal tiempo.Iban a volverse esa misma tarde pero a último momento su productor consiguió un gimnasio como alternativa.Esto llegó a provocar una crisis de nervios en la madre del artista, que pensó lo peor, porque no se había enterado de que finalmente su hijo realizaba el recital.Durante noviembre se lo puede ver como animador de un encuentro de música popular con motivo de los 20 años de la formación de las abuelas de plaza de mayo.

1998:su segundo Rivertidísimo continúa la línea del anterior, con canciones como la graciosa e irónica "El niño Mauricio", cantada por su hija Andreíta y en obvia alusión a Mauricio Macri.Además cunta con la participación del legendario guardamertas riverplatense Amadeo Carrizo en el tema "Blues del arquero". A fin de año, presenta junto al periodista radial y televisivo Eduardo Aliverti la obra teatral "Me declaro tonto, no culpable", para la cual Ignacio concluye el tema que da nombre al espectáculo, -a dicho tema lo comenzó a escribir en 1980 en pleno período de facto- , al que graba durante 2008 para su nuevo disco Otro cantar.Durante el desarrollo de la obra se incluía además la lectura de poesías de escritores de la talla de Juan Gelman, Julio Cortázar, Mario Benedetti y Humberto Constantini, entre otros. En ese recorrido por los últimos 20 años de la historia Argentina reciente, se hacía referencia a hechos como los seis goles a Perú en el mundial ´78, la guerra de Malvinas, la recuperación de la democracia, Semana Santa, la hiperinflación, los indultos, el menemismo y el postmenemismo. Durante el año prosigue con sus recitales solidarios, entre los que se incluye por ejemplo su participación en el festival honrar la vida a beneficio de la fundación del padre Farinello en el mes de julio.

1999:Copani comienza el año presentando temas de su primer disco romántico Me salva tú amor en algunos recitales durante el verano.Dicho material había sido grabado durante noviembre del año anterior e incluía también una versión en italiano de todos los temas con la idea de llevar sus canciones al viejo continente. Con respecto al disco en sí, logra una importante repercusión el tema que da nombre al mismo, además de otros cortes de difusión como siempre tú y canción para que me quieras, ésta última con videoclip incluido.El dato anecdótico es que el cd, que en su mayoría estaba compuesto por baladas, logra vender más discos en Italia que en su país, gracias a ua gran campaña de difusión que hace que Copani logre una importante trascendencia e, incluso, empiece a presentarse allí con mayor frecuencia cantando temas no solo en italiano sino también en español. Durante abril es uno más de los tantos artistas que dan su apoyo mediático a la postulación de su colega Litto Nebbia como candidato a diputado porteño acompañando a Eduardo Duhalde. Participa además del acto que se realiza en la carpa de los 2 congresos con motivo de conmemorarse los 2 años de la creación de la carpa docente.El acto contó con alrededor de dos mil espectadores. En mayo participa en un acto de la CTA en el polideportivo de Mar del Plata, oportunidad en la que comparte escenario y recibe una ovación junto a Mercedes Sosa. En julio se edita el álbum Honrar la vida, fruto del show que más de 30 artistas brindara un año antes a beneficio de la obra del padre Farinello.Ignacio, que había participado del show, aporta su clásico tema La rumba del olvido.

Cacerola de Teflón

En el año 2008, lanza una canción titulada Cacerola De Teflón, en la que hace una crítica a los cacerolazos, que apoyaron a los sectores agropecuarios. El músico denunció haber sido agredido y amenazado él y su familia por esta canción. En relación a estos hechos declaró:
Queridos Amigos.

En los últimos días y a raíz de haber escrito una canción, que debe ser la número mil doscientos y tantas de mi repertorio, he recibido infinidad de comunicaciones. La mayoría con elogios, caricias y aliento, que desde ya agradezco infinitamente.

Pero he recibido también otro tipo de contactos llenos de reproches, cargados de odio, regados de violencia, intolerancia, agresión y con un espíritu inquisidor que no creí que anidara todavía en gente de mi comunidad.

He sido amenazado, agraviado, insultado, difamado, calumniado y, peor aún, han sufrido ese tipo de atropello miembros de mi familia.

No me refiero a los impunes foros de internet sino a e mails, cartas y llamados recibidos.

Simplemente desde estas líneas aviso a quienes todavía tengan intención de lastimarme, que lo logren o no, yo no cambiaré ni una coma a las estrofas de mis canciones.

Aquellos que piensan que la Sra. Presidenta de mi país me paga por verso, recital u opinión, simplemente están expresando su propia escala de valores y asumiendo que ellos mismos podrían torcer sus convicciones a un precio determinado. Yo no.

Hace más de veinte años que en cada escenario y en cada grabación me comprometo con nuestra historia y siempre se me han cerrado puertas por hacerlo de manera honesta, clara y sin esperar más recompensa que el abrazo compañero de quien desea que un cantautor se exprese libremente, como los viejos trovadores que anunciaban las bodas, los bautizos y también los entierros.

En algunos medios de comunicación se han referido a mí de manera descalificadora y/o despectiva. A esos mismos medios, durante años, hemos mandado nuestro material artístico y la información de nuestras actividades, sin lograr que se nos diera ni un segundo para comunicarlo al público. Ni siquiera para difundir eventos solidarios, benéficos o canciones tan o más comprometidas con la realidad que el tema ¨Cacerola de Teflón¨.

Lamentablemente en algunos de esos medios se ha mostrado la canción en cuestión, sometiéndola a una especie de ¨inspección¨ de ideas o cortes marciales - musicales y al comentar alguna crítica agresiva, en lugar de defender la libertad del artista para manifestarse, se han escuchado de parte de los comunicadores, tristes y recordadas frases como ¨él se la busca… ¨ o ¨por algo será…¨.

Nunca discuto una crítica, sea como sea y venga de quien venga. Pero en este caso no recibí opiniones sobre la conformación estética del tema, de su métrica, de sus rimas, de sus sonidos, de la destreza para ejecutarla, sino una violenta y censuradora mirada hacia el contenido de mis ideas y mi conducta, bien típico de tiempos de inquisición y dictaduras.

Pablo Milanés cantó ¨Pobre del cantor de nuestros días que no arriesgue su cuerda por no arriesgar su vida¨…

Yo no creo haber arriesgado mi vida, sencillamente describí, como hago siempre, un episodio de este tiempo con total sinceridad.

Ni siquiera he pretendido mostrar una valentía destacable por la simple acción de manifestar mi pensamiento. Valientes fueron mis compañeros y familiares que hoy están desaparecidos. Valientes fueron Víctor Jara y Rodolfo Walsh. Yo soy solamente un cantor.

No creo que a esta altura de mi carrera, deba dar cuentas de los escenarios que pueda habitar. Estuve en Plaza de Mayo, cobrando Cero Pesos, respondiendo a la convocatoria de apoyar nuestra democracia, al igual que estuve el 25 de mayo de hace unos años, cuando decenas de artistas hacían fila para subir a la escena triunfal.

Estuve en esa plaza que transité como ciudadano desde que tengo uso de razón, como estuve en Semana Santa, como estuve con las Madres, con las Abuelas, con los ex combatientes, con los maestros, con los pibes de la calle y como pienso estar en cada evento al que me cite mi conciencia.

Si esta acción espontánea se convierte en un acto de riesgo, pobres de todos nosotros.

Si crear y expresarse es un acto de arrojo merecedor de insultos y censuras, ha triunfado para siempre la cultura del ¨no te metas¨ y la incultura sembrada durante el sanguinario proceso militar y la inolvidable década del noventa.

Juro por mis hijas que yo no especulo con estas cuestiones. Que si de momento, por mi decisión de ser coherente, pierdo trabajos y gano enemigos, es un precio que debo pagar como tantas veces pagué.
Nada más espero, que no sea nuevamente con el exilio."

2008:"Palabras Cuerdas"

A finales de julio de 2008 presenta su nuevo cd, que tiene como característica especial que es el primero totalmente unplugged, sin la intervención de otros instrumentos que no sean su voz y las guitarras interpretadas por Esteban Morgado. Palabras Cuerdas, como su nombre lo sugiere, es una ajustadísima tarea que entrecruza los textos más elaborados de Ignacio, con el sonido más puro y auténtico que puede ofrecer un trovador. El de las cuerdas de su guitarra. El contenido del repertorio es de un compromiso y una profundidad notables. Esto coloca a Copani en la cima de su creatividad y con la madurez que tantos años de escenarios y estudios le han concedido. Todas las canciones son inéditas y de su propia autoría en letra y en música. El álbum se inicia con el tema “Cacerola de teflón”.Ésta canción ha tenido un verdadero record de visitas en los sitios de videos de Internet y por cierto, ha generado encendidas polémicas que le han valido a Copani muchos agravios y hasta amenazas.El trabajo continúa con incontables referencias a lo que nos rodea. A la discriminación (“Los normales”), a los chicos de la calle (“Almitas rodantes”), al buen uso del idioma incluso para justificar ciertas malas palabras (“Hay palabras”), a la admiración que le profesa a Silvio Rodríguez (“Muéstrale un tema de Silvio a tu hijo”) y hasta, con cierto humor pero con gran veracidad, a los incontables problemas de tránsito vehicular (“No te hagás el gil y agregá un carril”).

Filial Ignacio Copani

En la ciudad de San Clemente del Tuyú se inauguró en marzo de 2009 una filial del Club Atlético River Plate, que llevará el nombre de Filial Ignacio Copani. Es de destacar este dato ya que es la primer filial de River en el mundo (hay cientos de ellas) que fue bautizada con el nombre de alguien que nunca jugó al futbol en dicho equipo. El cantautor ha demostrado un amor por esa entidad desde pequeño,yendo siempre que su agenda se lo permite a ver al club del cual es fanático.

Animación radiofónica

En 1996 con el periodista Oscar Muiño hacían Todo va bien, en la trasnoche de Radio Rivadavia de Buenos Aires.

Artistas con los que compartió escenario

Muchos han sido las bandas o los solistas de primer nivel con los que Copani compartió escaenario o grabaron temas de su autoría.Se pueden mencionar entre otros a Mercedes Sosa, León Gieco, Silvio Rodríguez, Juan Carlos Baglietto, Víctor Heredia, Jairo, Piero, Marilina Ross, Teresa Parodi, Silvina Garré, Valeria Linch, Manuel Wirzt, César Banana Pueyrredón, Guillermo Guido, Fenna Della Maggiora, Pipo Cipollatti y Los Twist, Facundo Saravia, Los Chalchaleros, Armando Tejada Gómez, la Mona Jiménez, El Trío Laurel, Antonio Tarragó Ros, Raúl Porchetto, Coro Kennedy, Coral Demos, Charlie Martínez, Jep Cardona, Nahuel Porcel, Soledad Pastorutti, etc.Incluso el Coro Kenndy ha colaborado como su coro estable en las grabaciones de sus discos en temas como Una nueva mañana, María Eva, Me salva tú amor, entre otros. Vale mencionar también el cover de su tema Ángel del pasado que suele realizar en vivo la banda Cadena Perpetua.

Personas a las que les dedicó canciones

Además de ser un cronista de la realidad, Copani se ha dado lugar para escribirle homenajes, por ejemplo a su madre (Tita) en "Mami", a su padre Juán José (Tito) en "Padre" y a sus hijas "Canción chiquitita de Andreita" "Que no lo vi" y "Gaby" entre otras. Pero también a personalidades muy conocidas, como Eva Perón en "María Eva", Silvio Rodríguez "Múestrale un tema de Silvio a tú hijo", Joan Manuel Serrat "Maldito Serrat", al recientemente canonizado Don Orione en "Hay un corazón", Enzo Francescoli en "Inmenzo". Y también canciones con un tinte más crítico como por ejemplo la que le dedicó al mismísimo Cristóbal Colón "Mister Colón", o a Mauricio Macri con "El niño Mauricio". También a Alfredo Astiz con su "Ángel rubio", en la que se refiere al mismo como "un canalla reventado que merece ser colgado del extremo de una cuerda", entre otras definiciones vertidas en el texto de la canción sobre el ex represor argentino. Tampoco pasó desapercibido el presidente norteamericano George W. Bush, a quien critica sin nombrar en la alusiva "El invasor", del álbum Hablemos en serio. María Julia Alsogaray es motivo de una irónica historia de Copani en "Mary Julie", en la que recrea un condado del lejano oeste como atmósfera para criticar los superpoderes que Carlos Saúl Menem le había otorgado en ese momento a su funcionaria.El propio Menem es mencionado de manera explícita en el final de su tema La madera,de 1997:"Como cierto personaje con patillas manejado desde el Norte con piolín,que a la patria en que nació redujo a astillas y su meta es convertirla en aserrín". Cabe mencionar las canciones "No me peguen", en directa alusión a Roberto Giordano al menos en el comienzo de la misma("No me peguen soy Giordano")y "Cantautores",de la cual confesó alguna vez criticar a Ricardo Montaner por sus declaraciones acerca de su deseo de cantar en Cuba cuando Fidel Castro ya no esté. En Mayo de 2009 compuso una canción titulara "Señor Vicepresidente", en clara alusión al vicepresidente argentino del gobierno de Cristina Fernándes de Kirchner, Julio Cóbos.

En más de una entrevista Ignacio ha confesado su deseo de realizar un álbum temático dedicado a personajes fundamentales de la historia, como el general San Martín, por ejemplo, pero hasta ahora parecería que esto es solo un deseo para más adelante.

Discografía

* 1982 "De cuando en cuando" (México) (triple platino y disco de oro)
* 1983 "Nuestro amor" (México)
* 1988 "Ignacio Copani disco" (doble platino)
* 1989 "Ya vendrán tiempos mejores" (disco de oro)
* 1990 "Copani" (oro)
* 1991 "Copani completo" (primeros grandes éxitos)
* 1992 "Afectos especiales" (disco de oro y el primer álbum en grabarse en formato CD completamente en la república argentina)
* 1993 "Compromiso"
* 1994 "Puerto" (oro)
* 1995 "Sálvese quien pueda"
* 1996 "Gatillo fácil"
* 1997:
o "Contragolpe"
o "Dos en uno"
o "Rivertidísimo", se hace popular entre los hinchas de River (disco de oro)
* 1998:
o "Rivertidísimo 2" (oro)
o "El juglar" (Chile)
* 1999:
o "Me salva tu amor", con su correspondiente edición en italiano publicada ese mismo año.
o "Embocados", sátira de la eterna rivalidad xeneise-millonarios (oro)
o "Lo mejor"
* 2001:
o "Vivo" en vivo en el Teatro La Máscara del barrio de San Telmo (Buenos Aires)
o "Desigual", álbum doble: 1ª parte "Bailanta profunda" (ritmos salsa, murga, cumbia) ; 2ª parte "Serenata" (baladas)
* 2002 "Resistir" (contiene el clásico "igual que vos")
* 2003 "Copani Total" (MP3 vendido por él mismo con 214 canciones catalogadas por temas)
* 2004 "Hablemos En Serio"
* 2005:
o "Lo Mejor 2005"
o "Maldito Copani" (grandes éxitos en versiones acústicas)
* 2006:
o "Teatro Ópera" en vivo
o "Hoy No Es 2 De abril"
* 2008 "Palabras cuerdas" (Acústico con Esteban Morgado)

Premios y nominaciones

* Premio Prensario, 1991.
* Recibió varios discos de platino y de oro por ventas. Estuvo nominado al Martín Fierro y ACE, 1993.
* 1995 Fundación Konex, Música Popular: Diploma al Mérito Cantante Masculino de Pop/Balada
* Nominado 5 veces de manera consecutiva en los premios Carlos Gardel de Argentina.

Imitadores de Copani

En el programa de Diego Capusotto televisado en Canal 7 hay un personaje que humoriza el estilo de música de este cantante, interpretando canciones de otras bandas o solistas con la música de Copani. Copani ha afirmado que no le molesta en absoluto este personaje, conocido como Lalo Ranni. En Radio Mitre, otro imitador cierra el programa radial de Dady Brieva creando una canción con algún tema referido a lo actual imitando a Copani.

Sitio Oficial: http://www.copani.com.ar/
Fuente: Wikipedia

Cesar Banana Pueyrredon

2009-08-11T12:36:00.000-07:00

César "Banana" Pueyrredón, nombre con el que es conocido César Pueyrredón (n. 7 de julio de 1952 en Buenos Aires) es un prestigioso compositor y cantante argentino de pop y pop rock romántico. Es autor de notables canciones como "Conociéndote" y "No quiero ser tu amigo", entre otras. Su sobrenombre "Banana", proviene del nombre de la banda Banana, un famoso grupo de pop-rock en español que él fundara y liderara en los finales de la década del 60 y principios del 70.

Biografía

César Pueyrredón nació el 7 de julio de 1952 en Buenos Aires. Comenzó a tocar piano a los 10 años y a los 14 años, junto con su hermano Daniel, formó la base de la banda que se llamaría Banana a partir de 1969, junto a Jorge Scoufalos ("el Griego"), con quién formó un dúo autoral que persistió hasta la muerte de este último en 2007. Su formación académica incluye la licenciatura en composición en la Facultad de Artes y Ciencias musicales de la Universidad Católica Argentina, donde se destacó por su promedio elevado.

Banana (1969-1984)

Los integrantes iniciales de Banana fueron: César Pueyrredón (voz y teclados); Jorge “Griego” Scoufalos (guitarra y segunda voz); Daniel Pueyrredón (guitarra), Alejandro Giordano (bajo), Toro Martínez (batería).

Dicha agrupación fue una de las primeras en cantar rock en español en Argentina. Alcanzó una gran popularidad en los finales de la década del 60 y principios del 70, y se caracterizó por su estilo inconfundible a partir de las composiciones melódicas de César y su estilo romántico. La banda impuso éxitos masivos que se volvieron clásicos de la música popular argentina, entre los que se destaca el tema "Conociéndote" (1971), así como "Negra no te vayas de mi lado" del mismo año, "Toda una noche contigo" y "Nadie podrá hacerme olvidar"(1973).

Carrera solista

La banda permaneció en el tiempo y terminó disolviéndose en 1984, iniciando César su carrera en solitario, durante la cual grabó once álbumes. En su etapa solista se destaca su canción "No quiero ser tu amigo".

En 2007 falleció Jorge Scuofalos, su amigo y compañero artístico de toda la vida.

Discografía

Con Banana

* Facundo ha llegado al mundo ( 1969 )
* Negra no te vayas de mi lado, 1972
* Aún es tiempo de soñar, 1979

Solista

1. Así de simple, RCA, 1984
2. Sólo un poco más, Pelícano-DBN, 1985
3. Está en vivo Pelícano-DBN, 1986
4. Más cerca de la vida, Pelícano-DBN, 1987
5. Ser uno mismo, Pelícano-DBN, 1988
6. Tarde o temprano, Pelícano-DBN, 1989
7. 20 Años, ABR-DBN, 1991
8. Armonía, BMG, 1992
9. De la ternura a la pasión, BMG, 1993
10. De colección, Abraxas-EMI, 1997
11. Souvenir del paraíso, CBP, 1999

Sitio Oficial: http://www.cesarpueyrredon.com.ar/

Little Richard

2009-08-06T11:31:00.000-07:00

Little Richard, nombre artístico de Richard Wayne Penniman, (Macon, Georgia 5 de diciembre de 1932) es un cantante, compositor y pianista afroamericano de rock and roll de los Estados Unidos.

Sus primeras grabaciones en los años 50 eran una mezcla de blues y rhythm and blues, con una fuerte influencia del gospel, pero con una habilidad tal que marcaron decididamente una nueva clase de música. De sí mismo ha dicho que se consideraba como el "arquitecto" del rock and roll, pero que el color de su piel le apartaron de la gloria acaparada entre otros por Elvis.

Primeros años

Proveniente de una familia humilde, hijo de un destilador ilegal de whisky, fue el tercero de doce hijos, pasando su infancia más próximo a su madre que a su severo padre. Gracias a ella, recibió clases de piano. Él mismo dijo "vine a una familia que no le gustaba el rhythm and blues, Pennies From Heaven de Bing Crosby y a Ella Fitzgerald era todo lo que podía escuchar". Perteneciente a la Iglesia Adventista del Séptimo Día, aprendió música Gospel en las iglesias pentecostales del sur de Estados Unidos.

A los 13 años, su padre lo echa de casa escandalizado por sus escarceos homosexuales. Libre de la opresión familiar, libera sus pasiones reprimidas y se dedica a cantar en bares, tugurios o simples esquinas de la calle, para ganarse la vida. Por suerte, un matrimonio blanco, Ann y Johnny Johnson, lo sacan de ese mundo y le permiten seguir desarrollando sus aptitudes musicales en el escenario del Tick Tock, el club que regentan.

En 1951 gana un concurso local y es invitado por la compañía discográfica RCA Records con la que grabaría ocho discos sencillos que no terminarían de cuajar.

El año de 1952 estuvo lleno de acontecimientos para Little Richard. Conoce a Sugarfoot Sam, actuando en sus números de vodevil. Pronto pasó a actuar con los "Tidy Jolly Steppers" en el estado de Alabama, pero poco después los abandonaría para ser solista de la banda de "J. L. Heath", con los que actúa por Georgia. Conoce a Billy Wright, que le propone grabar un disco, ya bajo el nombre de Little Richard. Unos meses después, moría asesinado su padre.

En 1953 decide formar su propio grupo, con el nombre de "The Upsetters" y en 1954 graba diversos temas en una nueva discográfica, la Peacock, pero sin lograr resultados destacables. Trabajando como lava platos en la estación de autobuses de Macon y viendo que su carrera está estancada, decide en 1955 enviar una maqueta a Specialty Records. Seis meses más tarde llega la respuesta de Specialty para una sesión de grabación en Nueva Orleans, con la condición de que acepte dejar a su grupo para ser acompañado por músicos de prestigio. Las primeras sesiones no terminan de convencer, pero durante una pausa en una de dichas sesiones, Richard comenzó a cantar de manera improvisada "Tutti Frutti", una canción obscena y llena de lascivia que había estado cantando en sus actuaciones. Se cambió la letra "Tutti Frutti, good, booty / If it don't fit, don't force it / You can grease it, make it easy" ("Tutti Frutti, buen culito / Si no entra, no lo fuerces / puedes engrasarlo, para facilitarlo") a "Tutti frutti, all rooty, a-wop-bop-a-loon-bop-a-boom-bam-boom" porque el productor de grabación, Roberte Bumps Blackwell, lo consideraba un exceso (además, "Tutti-frutti" en argot significaba "gay"). Además, Dorothy La Bostrie (su compositora) consideró que esos versos eran inaceptables.[1]

La canción, con su onomatopéyico "Womp-bomp-a-loom-op-a-womp-bam-boom!", se convirtió en modelo para muchas otras pequeñas canciones futuras de Richard, tocando su piano, con Lee Allen al saxofón y su ritmo implacable. En los siguientes años, Richard tendría varios éxitos más: "Long Tall Sally", "Slippin' and Slidin'", "Jenny, Jenny" y "Good Golly, Miss Molly". Su estilo frenético se puede ver en películas como Don't Knock the Rock (1956) y The Girl Can't Help It (1956), para las cuales cantó las canciones que daban el título, escritas por Bobby Troup.

A pesar del sonido primario de su música, sus sencillos fueron cuidadosamente seleccionados, según se puede apreciar en el triple álbum The Specialty Sessions, en el que se incluyen muchas versiones. Como ejemplo de su artesanía, él y Blackwell ensayaron la estrofa de "Long Tall Sally", "He saw Aunt Mary coming and he ducked back in the alley" (Vio a tía Mary venir y se agachó detrás del callejón) durante todo un día hasta que consideró que había alcanzado la precisión deseada. Fue plagiado, inicialmente con éxito por cadenas de radio "para blancos", especialmente a través de Pat Boone. Este hecho, posiblemente favoreció que la fama de Little Richard se extendiera.

En 1956 compra una mansión en Los Ángeles, California, y vuelve a tocar con su antiguo grupo (The upsetters).

Época Gospel y últimos años

Little Richard detuvo su carrera musical de forma repentina en 1957, durante una gira por el centro de Australia; renunció a su forma de vida en el rock and roll. Parece ser que su decisión tuvo que ver con el accidental incendio de uno de los motores del avión en el que viajaba junto con su grupo. Después de aterrizar, se quitó de los dedos cuatro anillos de diamantes valorados en unos 8.000 dólares y los lanzó al río Hunter. Ingresó en una universidad cristiana en Alabama para estudiar teología y se hizo ministro pentecostal. Mientras, su casa discográfica, la Specialty Records, lanzaba algunas nuevas canciones basadas en antiguas sesiones de grabación, Richard hizo muy poco musicalmente hablando, apenas algunas canciones de gospel a comienzo de los años 60.

En 1962 regresó con un entusiástico recibimiento en su gira por el Reino Unido. Los Rolling Stones, quienes admiraban a Richard incluso antes de que tuvieran un contrato de grabación, y los Beatles, también admiradores suyos, le apoyaron. Llegó a acompañar a los Beatles en su gira por Hamburgo. En 1982, Paul McCartney decía: "La primera canción que canté en público fue "Long tall Sally", de Little Richard. Cuando los Beatles comenzaban, actuamos con él en Liverpool y Hamburgo. Para mí, es uno de los reyes del rock and roll. Además es un gran tipo, al que ahora considero mi amigo". También inspiró al legendario cantante de Deep Purple quien le dedicó la canción "Speed King" del álbum "In Rock"

Desde entonces, Little Richard ha trabajado periódicamente en películas, ha lanzado ocasionalmente algún sencillo que otro y ha aguantado como uno de los grandes y legendarios pioneros del rock and roll. Su vida parece como si hubiera ido siempre de un extremo a otro. En 1964 vuelve a los escenarios grabando nuevas versiones de sus éxitos; en los años 70 sus excesos sexuales y con las drogas hizo que su iglesia le rechazara. Finalmente, tras la muerte de uno de sus hermanos, Little Richard reorganizaría su vida: limpiaba su organismo de drogas, se hacía vendedor de biblias a domicilio y volvía a su iglesia.

Regresó con dedicación plena al final de los años 80, diciendo que venía para realizar lo que dios le tenía destinado ser a Little Richard. Todavía tiene la licencia de su ministro, sin embargo, y ocasionalmente celebra bodas (entre las que caben destacar las de Cyndi Lauper y Bruce Willis y Demi Moore.)

En 1986 apareció en la película Down and Out in Beverly Hills, anotándose su primer gran éxito con el tema "Great Gosh-a-Mighty!", lo que le condujo a un resurgimiento de su popularidad. También en este año, cuando se abrió el Rock and Roll Hall of Fame, Richard figuraba entre los primeros artistas. Su contribución pionera al género también ha sido reconocida por el Rockabilly Hall of Fame.

Más recientemente, en 2005, Little Richard ha estado trabajando en otros éxitos de R&B y Soul. Junto con el cantante y compositor Michael Jackson lanzó el sencillo titulado "I Have A Dream" (Tengo un sueño), cuyos ingresos se destinaron a las víctimas del huracán Katrina.

También en 2005, apareció, junto a estrellas como Madonna, Iggy Pop, Bootsy Collins, y The Roots, en un anuncio comercial para la televisión americana, promocionando el teléfono Motorola ROKR.

Sexualidad

Una vez dijo Little Richard la siguiente frase que se haría famosa: "Rock n Roll is evil, because Rock n Roll makes you take drugs, and drugs turn you into a homosexual" (El Rock n Roll es malvado, porque hace que tomes drogas y las drogas te convierten en homosexual). Esto fue después de su polémica renuncia a su propia homosexualidad, que fue atribuida a las presiones del público y al clima predominante de homofobia entre la comunidad negra. Sus propias opiniones religiosas pudieron también haber influido en esto.

Discografía

* 1956 - Cast a Long Shadow
* 1957 - Little Richard, Vol. 1
* 1957 - Little Richard, Vol. 2
* 1957 - Little Richard, Vol. 3
* 1957 - Here's Little Richard
* 1959 - The Fabulous Little Richard
* 1960 - Clap Your Hands
* 1960 - Pray Along with Little Richard, Vol. 1
* 1960 - Pray Along with Little Richard, Vol. 2
* 1962 - King of the Gospel Singers
* 1963 - Sings Spirituals
* 1964 - Sings the Gospel
* 1965 - Little Richard Is Back
* 1965 - The Wild and Frantic Little Richard
* 1967 - The Explosive Little Richard
* 1967 - Rock N Roll Forever
* 1969 - Good Golly Miss Molly
* 1969 - Little Richard
* 1969 - Right Now
* 1970 - Rock Hard Rock Heavy
* 1970 - Little Richard
* 1970 - Well Alright!
* 1971 - Mr. Big
* 1971 - The Rill Thing
* 1971 - The Second Coming
* 1972 - Dollars
* 1972 - The Original
* 1972 - You Cant Keep a Good Man Down
* 1973 - Rip It Up
* 1974 - Talkin' 'Bout Soul
* 1974 - Recorded Live
* 1975 - Keep a Knockin'
* 1976 - Sings
* 1976 - Little Richard Live
* 1977 - Now
* 1988 - Lucille
* 1992 - Shake It All About
* 1996 - Shag on Down by the Union Hall

Sitio Oficial: http://www.littlerichard.com/

Peter Cetera

2009-07-17T14:11:00.000-07:00

Peter Paul Cetera (n. Chicago, Illinois, 13 de septiembre de 1944) es un cantante, compositor, bajista y productor estadounidense, conocido por ser un miembro original de la banda Chicago. Desde que abandonó el grupo, Cetera ha logrado que dos de sus sencillos alcancen la máxima posición de la lista Billboard Hot 100.

Biografía

Cetera nació en el sur de Chicago, siendo el segundo de los seis hijos que tuvo una pareja conformada por un polaco-estadounisense y una húngara-estadounidense.

A los once años de edad manifestó su deseo de tener una guitarra, pero sus padres le obsequiaron un acordeón. Cuatro años más tarde, unos alumnos de su secundaria lo llevaron a un club a ver el show de la banda The Rebel Rockers, lo que lo llevó a adquirir una guitarra acústica en la tienda Montgomery Ward. Eventualmente, tomó el bajo y comenzó a tocar en su ciudad junto a sus amigos, un baterista, un saxofonista y un guitarrista, compartiendo el rol de vocalista con este último.

Cetera participó en diversos grupos en el área de Chicago, incluyendo una popular banda local llamada The Exceptions, con la que recorrió el Medio Oeste de Estados Unidos a mediados de los años 1960, lanzando dos álbumes y varios sencillos.

Periodo en Chicago

En diciembre de 1967, Cetera llegó temprano para ver el show de una banda llamada The Big Thing. Impresionado por la manera en que combinaban las trompas con el rock and roll, Cetera abandonó The Exceptions y dentro de dos semanas se unió a The Big Thing.

The Big Thing, que pronto cambió su nombre a The Chicago Transit Authority, lanzó su álbum debut, The Chicago Transit Authority, con el sello Columbia Records en 1969. Cetera fue el cantante principal en tres de las once canciones del disco, y con su voz de tenor complementó las voces de barítono de los otros dos vocalistas del grupo, el teclista Robert Lamm y el guitarrista Terry Kath.

Su característico estilo de canto se debe a que, por un periodo de tiempo, tuvo que cantar con la mandíbula apretada luego de lesionársela al participar en una pelea durante un juego de Los Angeles Dodgers en 1969.

El siguiente álbum, Chicago, elevó la banda a un estatus de popularidad mundial. La canción «25 or 6 to 4» fue el primer éxito donde Cetera oficiaba como vocalista. Chicago también es memorable por incluir la primera composición de Cetera, «Where do we go from here?».

Mientras la década de 1970 avanzaba, Cetera se convirtió en un compositor más prolífico para el grupo, contribuyendo con los éxitos «Wishing you were here» y «Happy man», del disco de 1974 Chicago VII.

Su mayor logro junto a la agrupación llegó en 1976 con la balada «If you leave me now», que alcanzó el primer lugar a nivel mundial. La otra composición de Cetera, «Baby, what a big surprise», también se convirtió en un éxito, cimentado el estatus de Chicago como ballad band ('banda de baladas').

A fines de los 1970 y con la aparición de la música disco, la popularidad de Chicago declinó, culminando con el lanzamiento de Chicago XIV, el álbum peor vendido de la banda. Columbia Records posteriormente acaparó el resto del contrato del grupo.

En 1981, Cetera publicó su primer álbum como solista, Peter Cetera, con el sello Warner Bros. Records, luego de adquirir los derechos de su contrato anterior con Columbia Records. Eventualmente, el disco se convirtió en un fracaso comercial que Cetera atribuyó a Warner Bros. Según él, su casa discográfica no quiso promoverlo como solista por miedo a que abandonara Chicago, grupo que había sido contratado por el mismo sello recientemente.

En 1982, David Foster ofició como productor y salió a la luz Chicago 16. Este álbum representaba el regreso de Chicago y su primer sencillo, «Hard to say i'm sorry», llegó a la primera posición de las tablas de popularidad. El segundo single, «Love me tomorrow», también escrito por Foster y cantado por Cetera, alcanzó la posición 22 de las listas.

Cuando Chicago 17 fue lanzado en 1984, se convirtió en el álbum más exitoso de la historia de la banda, llegando a vender más de siete millones de copias solo en Estados Unidos. Los cuatro sencillos desprendidos del disco fueron interpretados por Cetera, incluyendo tres que fueron coescritos por él. Todos ellos llegaron al top 20: «Stay the night» (#16), «Hard habit to break» (#3), «You're the inspiration» (#3) y «Along comes a woman» (#14).

Con el arribo de los videos musicales y la creciente popularidad de MTV, Cetera se convirtió en el rostro y líder público de Chicago, la banda que por mucho tiempo fue anónima.

Salida de Chicago

Con su nueva popularidad, Cetera quiso grabar otro álbum por su cuenta. Además, había declarado no tener interés por la extensa gira que su banda realizaba para promover Chicago 17. Cuando el 17 Tour concluyó en abril de 1985, los mánager y diversos miembros del grupo expresaron su deseo de organizar otra gira para ese verano, y comenzaron a trabajar en el próximo álbum de Chicago. Cetera insistió en que la banda debía hacer un receso para que él pudiera concentrarse en su familia y en su álbum individual.

Tras rechazar su oferta de permancer en la banda mientras grababa su propio disco, se anunció que Cetera y Chicago tomarían diferentes rumbos en julio de 1985.

Sitio Oficial: http://www.petercetera.com/

The Beach Boys

2009-07-10T08:00:00.000-07:00

The Beach Boys es un grupo musical estadounidense formado en 1961, representante del estilo californiano de vida de los años 60. Formado por tres hermanos Brian (compositor, vocales, bajo, piano), Carl (guitarra, vocales) y Dennis Wilson (batería, vocales), junto con un primo de la familia, Mike Love (vocal) y un compañero de estudio de Brian, Al Jardine (guitarra, vocales).

Los Beach Boys demostraron ser uno de los grupos mejor producidos durante los 60 llegando a su mejor momento en 1966 al lanzar unos de los álbumes más aclamados por la crítica "Pet Sounds" y el sencillo número uno "Good Vibrations". Paul McCartney dijo que "Pet Sounds" es el mejor álbum vocal jamás grabado y el álbum que les inspiro a él y a John Lennon a escribir Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, que es considerado por la Revista Rolling Stone como el mejor álbum del siglo seguido en el número dos "Pet Sounds". Paul McCartney ha dicho públicamente que su canción preferida es "God Only Knows".

El grupo al principio estaba formado por Brian "el gran compositor y cantante", sus hermanos, Carl y Dennis, su primo Mike Love, y su amigo Al Jardine. Este quinteto principal, con David Marks y más tarde Bruce Johnston, fue puesto en el Rock and Roll Hall of Fame Class en 1988. A menudo llamaban a los Beach Boys como "la banda de Estados Unidos". Allmusic.com ha declarado que "la capacidad infalible de la banda... hizo del primer y el mejor conjunto de rock de los Estados Unidos". El grupo ha tenido treinta y seis entradas en el 40 Top hits (la cantidad más grande que cualquier conjunto de rock estadounidense) y cincuenta y seis entradas en el 100 Top hits, incluyendo a cuatro sencillos número uno.

Según Billboard Magazine, los Beach Boys es la banda con más sencillos y álbumes vendidos en los Estados Unidos, The Beach Boys están en el puesto No. 1.

El álbum Pet Sounds está en el puesto 2, en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos según la revista Rolling Stone, The Beach Boys Today! entró en el puesto 270, Sunflower en el 380. También figuran con tres canciones entre las cien primeras de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos con "Good Vibrations" en el puesto 6, "God only Knows" en el puesto 25, "California Girls" en el puesto 71, y otras cuatro canciones más en el resto de la lista.

Historia

Los Beach Boys al inicio de su carrera musical

El grupo surgió en 1961 con el éxito apenas regional "Surfin'", los integrantes eran los 3 hermanos Wilson, Brian, Dennis y Carl, su primo de primer grado Mike Love y Alan Jardine, un compañero de estudios de Brian de la preparatoria, y juntos elaboraron las armonías más difíciles y maravillosas que se habían escuchado hasta el momento en un grupo musical, con el talento de Brian y su estupenda habilidad dentro del estudio que crecía a pasos agigantados.

Los Beach Boys supieron andar en el éxito comercial y el desarrollo artístico manteniéndose siempre como el mejor grupo de los Estados Unidos.

Brian, Carl y Dennis Wilson de niños

Los orígenes del grupo están en los suburbios de Los Ángeles, en Hawthorne, California al sur de los Ángeles muy cerca del océano pacífico. Brian, Dennis y Carl eran hijos de Murry Wilson, un compositor de medio tiempo frustrado y en ocasiones un padre abusivo. Los tres hermanos crecieron a muy pocos kilómetros del mar. Sólo Dennis surfeaba, pero todos ya armonizaban siendo muy jóvenes, incitados por la fascinación de Brian y por los vocales de los 50's, como los Four Freshmen y los Hi-Los. Muy a menudo se unía a ellos su primo Mike Love, y el grupo se completó al llegar un amigo de la secundaria y compañero del equipo de Football americano, Al Jardine. La idea de escribir músicas que hablaran del mar y la playa provino de Dennis, ya que una vez llegó diciendo al grupo que deberían componer una música acerca del surf. Brian sin embargo ha declarado en entrevistas que le teme al agua.

El grupo con David Marks

Los Wilson, con la ayuda de Murry Wilson, el padre de los 3 hermanos, alquilaron los instrumentos musicales (con Brian en el bajo, Carl en la guitarra, y Dennis en la batería) y alquilaron también el tiempo en el estudio para grabar "Surfin'" el nuevo número escrito por Brian y Mike; este sencillo fue lanzado en 1961 por la disquera Candiz con el nombre de "The Pendletones" (la marca de camisa que estaba de moda en la época). Estuvo a cargo de la negociación con la discográfica Murray, el padre, quien se convirtió en el manager del grupo. Antes de que el material fuera lanzado para Capitol Records, Alan Jardine dejó la banda para ir a estudiar odontología en una universidad de Midwest. En ese tiempo que estuvo fuera de los Beach Boys fue reemplazado por un amigo de Carl, David Marks, quien es el que aparece en las portadas de los primeros discos "Surfin' Safari" y "Surfer Girl".

Dennis Wilson comentó que la primera vez que fueron escuchados en la radio estaban en el Ford '57 de Brian, en Hawthorne Blvd cuando el locutor anunció "A continuación un grupo del sur de California, interpretando su canción "Surfin'"; "fue lo máximo", dijo Dennis, y añadió que nunca más vería la misma expresión en la cara de Brian así. En año nuevo de 1961, fueron contratados para tocar 3 canciones en el "Long Beach Municipal Auditorium"; Mike dijo extasiado que les habían pagado 300 dólares no por trabajar sino...por tocar música!!!

Finalmente, a mediados de 1962 los Beach Boys debutaron con Capitol Records, con Surfin' Safari, esta música, más elaborada que su predecesora "Surfin'" entró en la lista de las "Top 20" y ayudó a dar a conocer la locura del nuevo ritmo surf rock, que comenzaba a florecer en el sur de California, gracias a artistas como Dick Dale, Jan & Dean, The Chantalls, y muchos más), después surgió Surfin' USA, que entró dentro de las "Top 10" en 1963 antes que Alan Jardine regresara de la Universidad y retomara su lugar en el grupo. Para ese momento, los Beach Boys ya habían grabado sus dos primeros álbumes, cada uno con 12 canciones de las cuales varias se convirtieron en éxitos. No obstante que la política de Capitol era que el grupo trabajara con un productor de estudio, Brian pronto se hizo cargo de las sesiones y comenzó a expandir el estilo del grupo más allá del simple surf rock.

A finales de 1963, los Beach Boys habían grabado 3 LPs, y habían tenido muchos éxitos individuales que entraron en las "Top 10", y el grupo había comenzado a hacer giras incesantemente. Por otra parte, Brian comenzó a crecer como compositor y productor, lo que se percibió en el tercer álbum del grupo "Surfer Girl", donde aparece, por primera vez, el nombre de Brian como productor del disco.

Aunque predominan en el álbum las canciones de corte surf, dos canciones se distinguían del resto "Catch a Wave" y "In my Room", mostrando el crecimiento a pasos agigantados de Brian como compositor y productor y en las armonías musicales, un hecho sorprendente tomando en consideración que el grupo llevaba apenas 2 años. La intensa atención de Brian a los sonidos de Phil Spector pagó sus dividendos y mostró su profundo conocimiento de las profundidades musicales.

En 1964, "I Get Around", fue el primer sencillo en alcanzar el número uno en la carrera de los Beach Boys, llevándolos a la cima de la popularidad. El LP "Beach Boys Concert" se mantuvo 4 semanas en la lista de "álbum charts". El grupo también hizo giras promocionales en Europa (en donde sería Gran Bretaña más tarde un país en que los aclamarían más que en su propio país), pero las presiones y prisas fueron demasiado significativas para Brian: al final de ese mismo año, decidió renunciar a las giras para concentrarse en la producción en el estudio. Glen Campbell se unió brevemente al grupo, y luego fue Bruce Johnston quien tomó el lugar de Brian permanentemente. Con los Beach Boys como mensajeros musicales (Dennis decía que Brian era los Beach Boys y el grupo sus mensajeros), Brian comenzó a trabajar a tiempo completo en el estudio, escribiendo canciones y rodeándose de la crema de músicos de los Ángeles, que grababan pistas de fondo con Carl, Dennis, Mike y Alan Jardine, quien para ese momento había ya regresado a hacer coros con el grupo, reemplazando a David Marks.

Brian

Éste sería un aviso de lo que estaba por venir, mostró a todos que Brian estaba camino de nuevas dimensiones musicales, así "The Beach Boys Today!" se convierte en un ensayo a lo que seguiría después Pet Sounds; pero antes, dos nuevos LPs siguieron a "The Beach Boys Today!" en 1965, "Summer Days (and Summer Nights!!)" en el que el sencillo "Help me Rhonda" se convirtió en el segundo en entrar como número uno en las listas en 1965 y "Beach Boys' Party!"; "Summer Days" muestra "California Girls", reconocida como una de las mejores fusiones en la producción de Brian, con una melodía contagiosa y estupendas armonías (California Girls tiene el intro preferido de Brian con el grupo). Sin embargo después de esos brillantes momentos, le siguen canciones mediocres como "Amusement Park USA", "Salt Lake City", y "I'm Bugged at my Old Man", pareciendo un retroceso a lo conseguido en "The Beach Boys Today!". Cuando Capitol Records les pidió un disco para ser lanzado para finales de ese año,"Beach Boys' Party!" resultó ser un éxito, consiguiendo ventas altas y convirtiéndose el sencillo "Barbara Ann" en una agradable sorpresa. Este álbum es una serie de canciones grabadas en el ambiente de una fiesta en casa de Brian. Viéndolo en retrospectiva esos dos álbumes fueron una preparación para el que sería el mejor álbum hasta hoy.

La transformación de grupo Surf a grupo Pop

La mayor transformación del grupo hacía la música popular se da por 1965 con álbumes como "Today!" y "Beach Boys Party".

The Beach Boys Today!

Mientras la mayor parte de "Today!" estaba siendo grabado en enero de 1965, él informó que para el resto de la banda que él quería quedarse en el estudio y crear su música mientras los Muchachos tocaran en público. La banda de mala gana estuvo de acuerdo, y después de una breve alianza con Glen Campbell en el lugar de Wilson, Bruce Johnston, un músico (y el ex-compañero, con Terry Melcher en el Ripchords) y el admirador principal del grupo, se hizo de los Beach Boys el bajista en abril de 1965 como "Today!" era creciente en traza. Muchos consideran que "Today!" marcaba el principio de la maduración artística de Brian Wilson.

Muchos consideran "The Beach Boys Today!" más resuelto "y maduro" que otros álbumes en el tiempo que hacía de 1965 un camino hacia Pet Sounds. Sin embargo, el movimiento en el estilo tenía poco efecto perjudicial, concerniendo ventas; "Today" era una #4 venta de oro en EE.UU, y el año siguiente alcanzaría #6 en el Reino Unido.

Summer Days (and Summer Nights!!)

Fue la continuación del álbum "The Beach Boys Today!": seguramente tenía sus momentos progresivos, pero también fue sobrecargado por su adhesión a la "fórmula" típica de la banda: sol, verano y diversión. Es un álbum del primer cambio de género para los Beach Boys.

Mientras en la superficie Summer Days (and Summer Nights!!) pareció ser un retroceso a los ideales despreocupados de All Summer Long, Brian Wilson con cuidado había tejido pistas de música intrincadas bajo las palabras alegres de "Amusement Parks U.S.A." y "Salt Lake City". Él también inventó un instrumental acertado con cuerdas ("Summer Means New Love") y aún tranquilo el intro sinfónico a su nuevo -y sensacional- "California Girls" (el intro es el favorito personalmente de Brian de su carrera entera).

Pet Sounds

La música de los Beach Boys, desde que se formaron a principios de la década de 1960, era muy melódica y destacaba por sus armonías vocales, sello del grupo. Sin embargo, conmovido por la gran riqueza de las composicíones de John Lennon y Paul McCartney (de los Beatles) Brian Wilson quiso dar un paso adelante y hacer un disco personal y arriesgado, en el que volcar sus experiencias personales. Fue así como, junto al músico y publicista Tony Asher, comenzó a componer temas para un álbum que rompería con todo lo que había hecho antes el grupo. Incluso consideró la posibilidad de editar el disco como un trabajo en solitario.

Más tarde el resultado, lanzado en mayo de 1966 fue "Pet Sounds", y justificó el esfuerzo del grupo. "Pet Sounds" es aún el álbum mejor producido y que más ha influenciado los LP's de pop de todos los tiempos, "Pet Sounds" es la culminación de tantos años de composiciones y producciones perfectas. La crítica aclamó "Pet Sounds", llamándolo "Lista De Los 500 Mejores Álbumes De Todos Los Tiempos" según MOJO, contando con canciones tan importantes como "God only Knows", "Wouldn't it be nice", que cuentan con vocales impecables de Carl Wilson y la dulce "You still believe in Me" por mencionar algunas, pero la nueva dirección tomada por los Beach Boys no impresionó demasiado a los fanáticos norteamericanos, y, a pesar de haber entrado en los "Top 10", "Pet Sounds" increíblemente no obtuvo el disco de oro en USA (el primero en no conseguirlo desde el primer álbum). En contraste, la reacción mundial fue más que positiva. En Inglaterra, el álbum alcanzó el segundo puesto e hizo merecedores a los Beach Boys de honores como mejor grupo en las encuestas realizadas a final de año por la NME, estuvieron por encima incluso de los Beatles. Según palabras de Paul McCartney, no se puede tener una formación musical si no se ha escuchado "Pet Sounds", y él inculcó a sus hijos educación musical haciéndoles escuchar Pet Sounds, junto con otras obras que él considera clásicas e imprescindibles.

Pet Sounds incorpora músicos profesionales ya que los Beach Boys restantes contribuirían poco en la instrumentación, para concentrarse en el trabajo vocal. Por primera vez, Wilson se sentía satisfecho con un trabajo. No obtuvo el éxito al que el grupo estaba acostumbrado (fue su primer gran fracaso comercial), pero sí una obra artística que, según el propio Paul McCartney, "es el mejor disco vocal jamás grabado" y sirvió de inspiración para el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967), obra cumbre de los Beatles.

Un detalle que se destaca de este álbum es que en una de las canciones "God Only Knows" es la primera vez que se menciona la palabra Dios en una canción.

Smiley Smile

Lanzado en lugar de "SMiLE", Smiley Smile es extensamente bajo en producción, y fue recibido con la indiferencia y la confusión en su revelación. Sin embargo, Smiley Smile ha logrado crecer en estatura durante los años para hacerse un favorito de culto de los Beach Boys del catálogo grabado.

Cuando "Smiley Smile" finalmente fue lanzado en septiembre, después de los meses de promoción, su recepción crítica era in-entusiástica, alcanzando su puesto máximo en sólo #41 en Estados Unidos. Su recepción comercial de unos meses más tarde en el Reino Unido era aún mejor; esto alcanzó #9 en Gran Bretaña. Carl Wilson, lo ha llamado "un bunt en vez de un éxito magnífico"; la comparación "Smiley Smile" al álbum muy fabuloso que no se habría lanzado y que este mismo lo sustituyó "SMILE". "Smiley Smile" es el álbum menor en venta de los Beach Boys, y es sin duda el álbum más polémico.

Good Vibrations

El siguiente sencillo del grupo "Good Vibrations" fue escrito originalmente para Pet Sounds, pero Brian lo eliminó de la lista porque quería tener más tiempo para la producción de Pet Sounds y sólo lo retomó una vez finalizado el álbum. A "Good Vibrations" le dedicó 6 meses (y 12 diferentes estudios). Brian se refería a esta canción como "una sinfonía de bolsillo" y fue lanzada en octubre de 1966, cerrando el año como el tercer sencillo en alcanzar el número 1 y en ser considerado hasta la fecha uno de los mejores sencillos de todos los tiempos. Durante 1966 y 1967 Brian trabajó sin descanso en el que sería el siguiente álbum del grupo, un proyecto titulado "Dumb Angel", que más tarde decidió nombrarlo "Smile": después del éxito de "Pet Sounds" Brian quería superarse a sí mismo y lograr algo magistral, para ello contrató al letrista Van Dike Parks como socio en la composición; grabaron horas y horas de tracks fragmentados que se volvieron más y más especulativos cuando los meses transcurrían. El grupo comenzó a preocuparse por la dependencia cada día más fuerte de Brian a las drogas y comenzaron las hostilidades entre ellos al ser llamados para hacer los vocales a las letras que había escrito, y que ellos consideraban absurdas e incoherentes. Pronto se formó una grieta entre el grupo y Brian, pues ellos sentían que el consumo de mariguana y LSD había nublado el juicio de Brian y a su vez Brian sentía que lo querían contener. Conforme transcurría el tiempo Brian comenzó a trabajar menos horas. Por primera vez en la carrera musical del grupo, él se sentía inseguro del rumbo que estaba tomando. Smile aún era editable pero todo se hizo polvo en mayo cuando Brian canceló oficialmente el proyecto, sólo unas semanas antes del lanzamiento de "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de los Beatles. Más tarde en agosto, el grupo finalmente lanzó el sencillo "Heroes and Villains". Muy parecido con el fragmentado estilo de "Good Vibrations", aunque notablemente inferior, este sencillo no entró en las "top 10". Ese mismo otoño, el grupo se reunió en la mansión de Bel Air de Brian convertida en Estudio y grabaron nuevas versiones de varias canciones del álbum Smile y otras pocas grabaciones y este álbum tomó el nombre de "Smiley Smile". Carl se refirió al álbum como "un golpecito en lugar de un trancazo musical" y la falta de cohesión del álbum destruyó la naciente reputación de los Beach Boys como grupo Pop.Mientras los Beatles entraban de lleno en la época psicodélica, los Beach Boys se mantuvieron con las multitudes de adolescentes, que muy pronto comenzaron a ver al grupo como conservador y recatado. En el verano de 1967 se les presentó en el Monterey Pop Festival la oportunidad perfecta para salir de ese estereotipo de grupo conservador, sin embargo la desperdiciaron al lanzar justo antes del festival el Album bastante básico "Wild Honey", la critica, el público y las radiodifusoras se sintieron muy desilusionados y lo mismo sucedió en 1968 con "Friends"; sin embargo con el paso del tiempo estos discos se consideraron obras maestras, una vez aceptado como un grupo diferente al conocido en 1966 durante su época surf rock entrando "Do it Again" en el "Top 20", pesar de ser considerada como oldie.

Resulta irónico que álbumes excepcionales como "Wild Honey" o "Friends" hayan sido reconocidos sólo tiempo después; el mundo estaba cambiando y los Beach Boys lo entendieron antes que las multitudes, a quienes les tomó más tiempo familiarizarse con esta nueva tendencia.

Finales de los 1960

A finales de 1969, el ultimo álbum de los Beach Boys sería 20/20, fue recibido mucho mejor que sus predecesores Wild Honey y Friends, sin embargo Capitol Records no les renovó el contrato. Un año después los Beach Boys firmaron con Reprise.

Con el aumento de problemas emocionales y el florecer la cocaína, la afición de Brian Wilson, comenzó a retirarse de las sesiones de grabación de la banda. Unos han especulado que él abandonó la banda completamente en este tiempo, y que volvió en "Break Away" y Sunflower para las sesiones de grabación, dejando a los demás tomar la responsabilidad aún más creativa.

Tras la ausencia del hermano mayor Wilson, los dos hermanos más jóvenes Dennis Wilson y Carl Wilson comenzaron a tomar el timón tanto dentro como fuera de la sala de control del estudio. Carl produjo una versión con Phil Spector "I Can Hear Music", dando a los Beach Boys su último 40 Top estadounidense durante los siguientes siete años. Dennis progresó de sus contribuciones en "Friends" para entregar el dramático y dinámico "Be with Me" y "All I Want to Do", cantado por Mike Love y destacar un interludio rápido no apto para menores de 18 años en el desaparecer. Sin lugar a dudas, el momento más polémico sobre "20/20" es Dennis "Never Learn Not to Love".

Los años 70's para los Beach Boys

Durante los años 70's, los Beach Boys mantuvieron su estatus de grupo musical en primera categoría con Brian más en el estudio, componiendo y produciendo pero menos presente en las giras, donde aparecía apenas esporádicamente. Fue durante los 70's que apareció el álbum "Sunflower" donde cada miembro reveló su propio talento, que durante los 60's había estado en la sombra; fue en esta década que Carl se convirtió en un sólido y distintivo productor y Mike, que tomó el lugar de Brian como el líder de la banda y se mantuvo como el foco visual al ser el representante del grupo en los shows en vivo. Por su parte Dennis desarrolló su propio talento como escritor musical, y en los shows seguía siendo el más carismático del grupo.

Principios de los 70's

Los Beach Boys habían evolucionado y dejaban de ser el grupo de música surf rock para convertirse en un grupo de música Pop totalmente nuevo con músicas y letras más acordes con su ganada madurez.

El primer LP para Brother/Reprise fue "Sunflower" en 1970, un sorprendente y poderoso álbum, que anunciaba el regreso de las maravillosas armonías de mediados de los 60s, que los habían hecho famosos, y contaba con muchas canciones escritas por diferentes miembros el grupo, mostrando el talento individual de cada uno de sus miembros y la maravillosa cohesión del grupo.

La canción "Surf's Up", fue reciclada del proyecto Smile para este álbum y vio la luz dando nombre al siguiente álbum lanzado en 1971, el amplio material de "Surf's Up", aunque excelente fue poco comercial igual que Pet Sounds y otros, Brian Wilson lo considera uno de los mejores álbumes de los Beach Boys y Leonard Bernstein inmortalizó "Surf's Up" en un especial para la televisión. Durante las sesiones del álbum, Dennis Wilson se cortó la mano y no pudo tocar la batería. A inicios de 1972 contrataron al batería Ricky Fataar, que substituiría al lastimado Dennis, (quien se lastimó la mano al romper una puerta de vidrio y este hecho lo incapacitó por una buena temporada), y al guitarrista afroamericano Blondie Chaplin, mostrando de esta manera, que no hicieron conscientemente, que no eran un grupo conservador, republicano de sólo chicos sufistas blancos; los nuevos integrantes eran miembros de un grupo de rock sudafricano llamado "The Flame" del cual Carl produjo su LP debut para Brothers Records el año anterior. "Carl and the Passions - "So Tough"" fue el primer álbum que salió con Fataar y Chaplin como miembros del grupo. Por primera vez un álbum del grupo sonba totalmente diferente a su sonido clásico, la estabilidad emocional de Brian declinaba cada vez más, y se encerró en su Mansión de Bel Air sin tener contacto con el mundo exterior. Aún contribuía esporádicamente escribiendo canciones, pero ya no era miembro activo del grupo ni aparecía en portadas de los discos.

Los problemas de la banda

Lo que aún no se sabía era que, además de su adicción a las drogas, Brian Wilson era bipolar, enfermedad que sólo se le diagnosticó años después, pero que le hacía sufrir depresiones que abarcaban desde ataques de pánico, agarofobia y estados de euforia. Aunque no está claro qué fue lo que impulsó al grupo a emprender tal riesgo, la discográfica autorizó un presupuesto enorme para la creación del siguiente álbum (además de un nuevo estudio de grabación) en Ámsterdam, así los Beach Boys volvían a emerger en 1972 con "Holland", el LP con dificultad llegó a las "Top 40", y la canción "Sail on, Sailor" que originalmente iba a ser cantada por Dennis fue finalmente cantada por Chaplin, y fue tocada esporádicamente en las estaciones de radio, "Holland" no contribuyó en nada a mejorar al grupo que estaba decayendo, no obstante que "Sail on, Sailor" es una canción muy buena.

A mediados de los 70's o sea por 1975 o 1976 los Beach Boys dejaron de grabar, y se concentraron más en sus actuaciones en vivo, y esto se convirtió en una experiencia increíble, éste fue un movimiento inteligente, y sacaron "The Beach Boys in Concert" en 1973. En este período Brian no estaba muy involucrado, lo que dejaba al grupo bajo una tremenda presión, pero el esfuerzo del grupo pagó sus frutos, pues sus conciertos fueron muy exitosos, y sus famosos conciertos del "4 de julio" (día de la independencia de los Estados Unidos) fueron muy populares.

De los Wilson siempre se ha dicho que Brian, con su talento, es el cerebro del grupo, Dennis con su amor al grupo y amor a la playa, el corazón, y Carl, el dulce y conciliador de los Wilson, el alma del grupo.

A mediados de 1974 Capitol Records "sacó del baúl2 varias canciones y editaron un nuevo disco de éxitos, "Endless Summer" tanto el grupo como Capitol no daban crédito que ese LP alcanzara el número uno, y se mantuvo casi 3 años en las listas, y se convirtió en un álbum de oro. "Endless Summer" capitalizó con la creciente fascinación del público con la música oldie. Inclusive la revista "Rolling Stone" que nunca se había mostrado amigable con los Beach Boys los nombró a finales de ese año "grupo del año". Ese mismo año fue otra colección, esta vez, "Spirit of America" la que llegó a las "top 10". Éste fue el combustible que el grupo estaba necesitando y así empezaron a grabar cosas nuevas.

Anunciando la "casi" cierta verdad "Brian's Back" como campaña publicitaria, en 1976 "15 Big Ones" consiguió el balance perfecto entre un par de oldies de los 50's con la moderna y diferente donde los 3 hermanos Wilson Brian, Dennis y Carl logran fusionar sus voces de una manera muy interesante, esta canción fue basada en los sonidos de jazz dixie, convirtiéndose en una agradabilísima sorpresa.

Y nuevamente el álbum entró en el Top 10 y ganó disco de oro en ventas, muy a pesar de que ni Dennis ni Carl querían que este álbum saliera, pues no lo sentían musicalmente armonioso. Luego, al año siguiente, y a pesar de las criticas recibidas por adelantado, Brian Wilson se involucró más en el que sería el siguiente álbum del grupo "Love You" (que casi fue llamado de "Brian Loves You" y lanzado como álbum solo). En este álbum, en contraste con la fatalista canción de inicios de los 70 "Till I Die"; y otras por el estilo, Brian sonaba alegre en canciones pop como "Let Us Go on This Way".

Después del lanzamiento en 1979 del álbum M.I.U. Album el grupo firmó un amplio y jugoso contrato con CBS donde se estipulaba la presencia de Brian Wilson en todos los álbumes. Sin embargo, el breve retorno terminó con dos esfuerzos infructuosos L.A. (Light Album) y "Keepin' the Summer Alive" los Beach Boys entraron a los 80's con más desavenencias entre los miembros, teniendo problemas financieros debido a los malos manejos financieros de Stan y Steve Love, hermanos de Mike Love, los hermanos Wilson comenzaron a resentirse contra Mike y sus hermanos.

Los años 80

El último concierto de 4 de julio con todos los integrantes fue en 1983, ese mismo año, en el 28 de diciembre, el grupo experimentó una fuerte pérdida al perder al corazón del grupo, a Dennis Wilson.

Comparando idiosincrásicamente lo que los fans de las oldies esperaban de los Beach Boys, "Love you" fue el mejor álbum del grupo en años.

En 1980, tanto Dennis Wilson como Carl Wilson habían dejado a los Beach Boys para seguir carreras como solistas. Dennis había ya lanzado su primer álbum, "Pacific Ocean Blue" en 1977 y Carl su casi anónimo debut en 1981. Brian salió del grupo en 1982 luego que su peso llegó a los 150 kilos. La trágica muerte de Dennis Wilson (ahogado en diciembre de 1983) ayudó a juntar de nuevo al grupo, aunque no por mucho tiempo. En 1985, los Beach Boys lanzaron un nuevo álbum titulado "THE BEACH BOYS" el primer álbum sin Dennis Wilson y regresaron a las Top 40 con "Getcha Back". Éste sería sin embargo el último álbum del grupo como tal de los 80's. A pesar de la muerte de Dennis, el grupo intentaba continuar, ellos habían sido Beach Boys durante toda su vida adulta y deseaban seguir siéndolo.

La colaboración de Stevie Wonder en la canción "I Do love you", donde el propio Stevie Wonder tocó casi todos los instrumentos, fue bastante aplaudida, y le imprimió al álbum "THE BEACH BOYS" un toque ochentoso, consiguiendo, de esta manera, entrar en la nueva década por la puerta grande y, demostrando que habían podido adaptarse con nota sobresaliente a todos los retos que les habían impuesto, público, críticos y el tiempo. A mediados de los 80's Brian mostró signos de mejoría tanto mental como física, aunque el resto del grupo se mantenía alerta al respecto de su muy controvertido médico, el Dr. Eugene Landy.

Landy era un psiquiatra de quien se decía conseguía milagros con el impresionable Brian Wilson, al grado de tomar control absoluto sobre la vida de Brian. Landy colaboró con la autobiografía de Brian "Wouldn't it be nice" y escribió la letra de varias de las canciones del primer álbum de Brian como solista en 1988 "Brian Wilson". Tanto la crítica como los fanáticos disfrutaron del regreso de Brian al estudio, sin embargo fue el sencillo "Kokomo" tema de la película Cocktail, el que alcanzó el número 1 en los Estados Unidos ese mismo año, en ese álbum no colaboró Brian en absoluto, y tiene el sello absoluto de Mike Love.

Más tarde ese mismo año apareció una colección llamada "Still Cruisin'" y los Beach Boys demandaron a Brian más con la esperanza de que Brian se retirara de la influencia de Landy que por otra cosa. Más tarde Mike Love demandó a Brian por la regalía de los derechos de autor de varias canciones (Brian ha admitido siempre la colaboración de Mike en casi todas las canciones que éste demandó).

Los 90

A pesar de muchos problemas y pleitos los Beach Boys continuaron haciendo tours durante los 90's, y Mike Love y Brian Wilson volvieron a componer juntos como en los viejos, lanzaron un álbum un poco fuera de época "Summer in Paradise" de 1992. El último álbum de la decada y el último que lanzara la banda es Stars and Stripes Vol. 1, es una colección de grandes éxitos de los Beach Boys interpretados por diferentes cantantes country, con las armonías de los Beach Boys como fondo. También apareció por esos tiempos un documental de Brian Wilson titulado "I just wasn't made for these times" que fue transmitido por la cadena Disney, con música de fondo que incluye tracks de los Beach Boys interpretados por el mismo Brian. Justo cuando parecía que estaban los Beach Boys listos para sacar un nuevo álbum del estudio de grabación, Carl murió víctima del cáncer en 1998. Con la pérdida de Carl se hizo patente que los Beach Boys nunca volverían a ser lo que fueron, y nunca más grabar un álbum de estudio, por esto algunos miembros de los Beach Boys se separaron en carreras de solista.

Los Beach Boys en los años 2000

Mike continúa hasta hoy en día dando conciertos al lado de Bruce Johnston, (quien a veces también hace conciertos al lado de Brian), y una banda que los acompaña. Al Jardine formó un nuevo grupo llamado The Beach Boys Family and Friends que a veces incluye la presencia de Carney y Wendy, las hijas de Brian y, que a su vez, son miembros del grupo Wilson Phillips, de The Mamas & The Papas.

Mike Love ha declarado: "Otra vez la gente alrededor de Brian, mi primo y colaborador de muchos éxitos, de quienes gusto y he cuidado, lo ha usado para su propio beneficio financiero sin el respeto a sus derechos, o a mis derechos, o aún los derechos de los estados de sus hermanos difuntos, Carl y Dennis, y sus niños... A causa de las cuestiones mentales de Brian él siempre era vulnerable a la manipulación. ¡Simplemente quiero parar a los infractores y parar el engaño!

Discografía

Álbumes de estudio

* Surfin' Safari (1962) #32 US
* Surfin' USA (1963) #2 US, #17 UK
* Surfer Girl (1963) #7 US, #13 UK
* Little Deuce Coupe (1963) #4 US
* Shut Down Volume 2 (1964) #13 US
* All Summer Long (1964) #4 US
* The Beach Boys' Christmas Album (1964) #6 US
* The Beach Boys Today! (1965) #4 US, #6 UK
* Summer Days (and Summer Nights!!) (1965) #2 US, #4 UK
* Beach Boys' Party! (1965) #6 US, #3 UK
* Pet Sounds (1966) #10 US, #2 UK
* Smiley Smile (1967) #41 US, #9 UK
* Wild Honey (1967) #24 US, #7 UK
* Friends (1968) #126 US, #13 UK
* Stack-O-Tracks (1968) (No hizo la carta)
* 20/20 (1969) #68 US, #3 UK
* Sunflower (1970) #151 US, #29 UK
* Surf's Up (1971) #29 US, #15 UK
* Carl and the Passions - "So Tough" (1972) #50 US, #25 UK
* Holland (1973) #36 US, #20 UK
* 15 Big Ones (1976) #8 US, #31 UK
* Love You (1977) #53 US, #28 UK
* M.I.U. Album (1978) #151 US
* L.A. (Light Album) (1979) #100 US, #32 UK
* Keepin' the Summer Alive (1980) #75 US, #54 UK
* THE BEACH BOYS (1985) #52 US, #60 UK
* Still Cruisin' (1989) #46 US
* Summer in Paradise (1992)
* Stars and Stripes Vol. 1 (1996) #101 US

Álbumes en directo

* Beach Boys Concert (1964) #1 US
* Live in London (1970) (lanzado en EE.UU en 1976) #75 US
* The Beach Boys in Concert (1973) #25 US
* Good Timin': Live at Knebworth England 1980 (2002)
* Songs from Here & Back (2006)

Recopilatorios

* Best of The Beach Boys (1966) #8 US; #2 UK
* Best of The Beach Boys Vol. 2 (1967) #50 US; #3 UK
* Best of The Beach Boys Vol. 3 (1968) #153 US; #9 UK
* Endless Summer (1974 - no oficial) #1 US
* Spirit of America (1975 - no oficial) #8 US
* Good Vibrations - Best of The Beach Boys (1975) #25 US
* Ten Years of Harmony (1981) #156 US
* Sunshine Dream (1982) #180 US
* Rarities (1983)
* Made in U.S.A. (1986) #96 US
* Summer Dreams (1990) #2 UK
* Ultimate Christmas (1998)
* The Greatest Hits - Volume 1: 20 Good Vibrations (1999) #95 US
* The Greatest Hits - Volume 2: 20 More Good Vibrations (1999) #192 US
* Greatest Hits Volume Three: Best of the Brother Years 1970-1986 (2000)
* Classics selected by Brian Wilson (2002) #159 US
* Sounds of Summer: The Very Best of The Beach Boys (2003) #16 US (Certificado 2x Multi-Platino por RIAA)
* The Warmth of the Sun (2007) #40 US
* U.S. Singles Collection: The Capitol Years, 1962-1965 (2008)
* Summer Love Songs (2009)

Antologías

* Endless Harmony Soundtrack (1998, reissued 2000)
* Hawthorne, CA (2001)

Participación en bandas sonoras

Los Beach Boys han tenido muchísimas canciones en películas, en las cuales se muestran en la lista.

1. "The Boat That Rocked" (2009)
* "Wouldn't It Be Nice"
2. "The Departed" (2006)
* "Sail on Sailor"
3. La serie "ER"
* TV Episodio No Place to Hide (2006) "California Girls"
* TV Episodio A Thousand Cranes (2003) "Good Vibrations"
4. "The Shaggy Dog" (2006)
* "Surfin' USA"
5. "Big Love" (serie de TV) (2006)
* "God Only Knows"
6. "Herbie Fully Loaded" (2005)
* "Getcha Back"
7. "Life on the Longboard" (2005)
* "Don’t Worry Baby", "All Summer Long", "Catch A Wave", "Do it Again" y "Surfer Girl"
8. "The Moguls" (2005)
* "I Get Around"
9. "Alfie" (2004)
* "Little Saint Nick"
10. "It's All Gone Pete Tong" (2004)
* "Good Vibrations"
11. "Without a Paddle" (2004)
* "When I Grow Up (To Be a Man)"
12. 50 First Dates (2004)
* "Wouldn't It Be Nice"
13. Love Actually (2003)
* "God Only Knows"
14. Calendar Girls (2003)
* "Sloop John B"
15. Los Ángeles de Charlie: Al límite (2003)
* "Surfer Girl"
16. Mayor of the Sunset Strip (2003)
* "Heroes and Villains" y "Don’t Worry Baby"
17. Beach Boys Good Timin' (2003) (en vivo)
* "Good Timin'", "California Girls", "Sloop John B", "Darlin'", "School Days", "God Only Knows", "Be True To Your School", "Do It Again", "Little Deuce Coupe", "Cotton Fields", "Heroes and Villains", "Keepin' The Summer Alive", "Lady Lynda", "Surfer Girl", "Help Me Rhonda", "Rock & Roll Music", "I Get Around", "Surfin's U.S.A.", "You are So Beautiful", "Good Vibrations", "Barbara Ann" y "Fun, Fun, Fun"
18. "American Dreams" (serie de TV) (2002)
* "Don't Worry Baby"
19. I'm with Lucy (2002)
* "Only With You"
20. Scooby-Doo (2002)
* "God Only Knows"
21. Vanilla Sky (2001)
* "Good Vibrations"
22. Bubble Boy (2001)
* "Wouldn't It Be Nice?"
23. Rush Hour 2 (2001)
* "California Girls"
24. "Ally McBeal"
* Episodio: The Gateway (2001); "I Get Around"
25. Meet the Parents (2000)
* "California Girls"
26. Almost Famous (2000)
* "Feel Flows"
27. Best (2000)
* "Good Vibrations"
28. Three Kings (1999)
* "I Get Around"
29. Anywhere But Here (1999)
* "Surfin' Safari"
30. Outside Providence (1999)
* "Little Saint Nick"
31. Never Been Kissed (1999)
* "Don’t Worry Baby"
32. "Sports Night"
* Episodio: The Sword of Orion (1999); "Sloop John B"
33. The '60s (1999)
* "Don’t Worry Baby"
34. Alice et Martin (1998)
* "You're So Good to Me"
35. Rush Hour (1998)
* "Surfin' USA"
36. Boogie Nights (1997)
* "God Only Knows"
37. Bean(1997)
* "I Get Around"
38. Vegas Vacation (1997)
* "Good Vibrations"
39. Sleepers (1996)
* "Catch a Wave", "Good Vibrations", "The Warmth of the Sun"
40. Mother (1996/II)
* "In My Room"
41. Bye Bye Love (1995)
* "Don’t Worry Baby"
42. There Goes My Baby (1994)
* "Be True to Your School"
43. Forrest Gump (1994)
* "Sloop John B"
44. Roseaux sauvages, Les (1994)
* "Barbara Ann"
45. My Girl 2 (1994)
* "Don’t Worry Baby"
46. Theremin: An Electronic Odyssey (1994)
* "Good Vibrations"
47. Surf Ninjas (1993)
* "Barbara Ann"
48. Green Card (1990)
* "Surfin' Safari"
49. Graveyard Shift (1990)
* "Surfin' Safari"
50. My Blue Heaven (1990/I)
* "Sufin' USA"
51. Problem Child (1990)
* "Problem Child"
52. Downtown (1990)
* "SHUT DOWN", "I GET AROUND", "CATCH A WAVE", "SURFIN' U.S.A.", "SURFER GIRL"
53. Mira quién habla (1989)
* "I Get Around", "When I Grow Up (To Be a Man)"
54. "The Super Mario Bros. Super Show!" (1989) serie de TV.
* Episodio: Mama Mia Mario/The Great BMX Race "Shut Down"
55. Roger & Me (1989)
* "Wouldn't it be Nice"
56. Lethal Weapon 2 (1989)
* "Still Cruisin'"
57. Troop Beverly Hills (1989)
* "Make It Big"
58. Alien Nation (1988)
* "Surfin' Safari"
59. Cocktail(1988)
* "Kokomo"
60. Good Morning, Vietnam (1987)
* "Don't Worry Baby", "I Get Around", "The Warmth of the Sun"
61. Can't Buy Me Love (1987)
* "Surfin' Safari"
62. One Crazy Summer (1986)
* "DO IT AGAIN", "WOULDN'T IT BE NICE", "Fun, Fun, Fun", "In My Room"
63. Flight of the Navigator (1986)
* "I Get Around"
64. Teen Wolf (1985)
* "Surfin' USA"
65. Up the Creek (1984)
* "Chasin' the sky"
66. The Big Chill (1983)
* "Wouldn't It Be Nice"
67. Luger (película) (1982)
* "God only knows"
68. Modern Romance (1981)
* "God Only Knows"
69. The Hollywood Knights (1980)
* "Surfin' USA", "Barbara Ann", "Fun, Fun, Fun"
70. Deadman's Curve (1978)
* "Surfin'"
71. Smile (1975)
* "California Girls"
72. Shampoo (1975)
* "Wouldn't It Be Nice"
73. Journey Through the Past (1974)
* "Let's Go Away For Awhile"
74. The Monkey's Uncle (1965)
* "The Monkey's Uncle"

Sitio Oficial: http://www.thebeachboys.com/

Dido

2009-07-05T18:01:00.000-07:00

Florian Cloud de Bounevialle Armstrong (Londres, 25 de diciembre de 1971) es una cantante de música pop inglesa que actúa bajo el nombre de Dido, nombre que viene de un personaje de la mitología romana. Se educó en los colegios Thornhill Primary, City of London Girls', y Westminster.

Dido es de ascendencia francesa. Su madre, Claire, es una poetisa francesa y su padre, William, escritor. A los seis años de edad, asistía a la escuela de música Guildhall School of Music en Londres, Inglaterra. A los diez años de edad ya tocaba piano y violín. Tiene un hermano, Rollo Armstrong, también músico y perteneciente al grupo Faithless con quien ha colaborado en la canción "One Step Too Far", que alcanzó la sexta posición de ventas en 2002.

Quizás es más conocida por su canción "Thank You (2001), asistió al rapero Eminem como base para una de sus canciones: "Stan" (Dido aparece en el vídeo musical como la novia abnegada de Stan, además de constar como una de las compositoras de la canción). "Thank You" fue su single de debut, tomado del álbum No Angel que fue uno de los más vendidos del año 2001 en el Reino Unido.

Su segundo álbum, Life for Rent fue lanzado el 30 de septiembre de 2003 que tuvo un gran éxito.

Su canción "Here With Me" se utilizó como tema musical para el programa de televisión Roswell y como la banda sonora para la película Love Actually.

Estuvo en actuaciones para el Live 8 (En Londres, Paris y en "The Eden Project in Cornwall") el 2 de julio de 2005, con Youssou N'Dour.

El 17 de Noviembre de 2008 se publicó el tercer disco de Dido, que lleva el título de Safe Trip Home. Un adelanto de este disco es la canción Look No Further, que estuvo disponible para descargar gratuitamente hasta el 7 de septiembre de 2008, y su primer single fue Don't Believe in Love. Actualmente Dido se encuentra trabajando en un nuevo álbum, del cual se desconocen el nombre y la fecha de publicación, por lo cual no realizará un tour para promocionar Safe Trip home, sino que lo hará luego de que su próximo disco salga a la venta, tal como lo señala en su página web.

Discografía

Álbumes

* 1999: No Angel
* 2003: Life for Rent
* 2008: Safe Trip Home

Singles

De No Angel

* Here With Me
* Thank You
* Hunter
* All You Want

De Life for Rent

* White Flag
* Life For Rent
* Don't Leave Home
* Sand In My Shoes

De Safe Trip Home

* Don't Believe in Love
* Quiet Times

DVD

* Dido Live at the Brixton Academy
* Here With Me/Thank You
* White Flag/Life For Rent

Curiosidades

* El álbum de Dido Life for Rent incluye la canción "White Flag" en cuyo vídeo aparece el actor David Boreanaz, protagonista de la serie de televisión sobre vampiros Angel. En una extraña coincidencia esto hace Life for Rent el opuesto a No Angel.

* Dido es la coautora de la popular canción de Britney Spears "I'm not a girl, not yet a woman" del álbum Britney (2001).

* Dido ha colaborado en múltiples ocasiones con la banda inglesa Faithless, ya que su hermano Rollo es miembro de ella.

Awards

* 2001: Nominada para el MTV Video Music Award por Mejor Video Femenino – "Thank You"
* 2001: Ganó el MTV Europe Music Award por mejor actuación nueva
* 2001: Nominada para el MTV Video Music Awards por Mejor Video Del Año, Mejor Video Rap , Mejor Video Femenino, Mejor Dirección de Video y Mejor Cinematografía – "Stan" - Eminem featuring Dido
* 2002: Ganó el NRJ Award por Mejor Debut
* 2002: Ganó el NRJ Award por Mejor Album - No Angel
* 2002: Ganó el BRIT Award por Mejor Artista Femenina Británica
* 2002: Ganó el BRIT Award por Mejor Album Británico – No Angel
* 2003: Nominada para el Grammy Award por Mejor Performance Vocal Pop, Femenino – "White Flag"
* 2003: Ganó el Ivor Novello Award por la Cantoautora del Año con "White Flag"
* 2004: Ganó el BRIT Award por Mejor Artista Femenina Británica
* 2004: Ganó el BRIT Award por Mejor Single Británico – "White Flag"
* 2004: Ganó el NRJ Award por Mejor Artista Internacional
* 2004: Ganó el NRJ Award por Mejor Album – Life for Rent
* 2007: Ganó un ASCAP UK Award
* 2008: Ganó un ASCAP UK Award por Cantoautora Del Año

Sitio Oficial: http://www.didomusic.com/

Los Gibb hablan sobre Michael Jackson

2009-07-01T18:21:00.000-07:00

BARRY SOBRE MICHAEL JACKSON

En su website, barrygibb.com, Barry publicó estas palabras ante la desaparición de Michael Jackson:

"Michael era mi amigo, el único artista que realmente conocí y que realmente me conoció. El era el padrino de mi hijo Michael. Hemos perdido un miembro querido de nuestra familia, estamos devastados. Michael siempre vivirás en nuestros corazones. Vuela lejos mariposa, ve hacia el final de tu viaje. Siempre te amaremos."

ROBIN SOBRE MICHAEL JACKSON

- Robin comentó lo siguiente para Entertaiment News:

"El fue un gran amigo, un hombre muy sensible, amable y dotado. Mis hermanos y yo lo encontramos por primera vez alrededor de 1972 cuando estaba en los Jackson 5. Estábamos en el mismo estudio, the Hit Factory, en Los Angeles. Cada vez que él estaba en Miami se quedaba con nosotros, especialmente con Barry. A menudo se aparecía de la nada: solía dejar a Bubbles (un chimpancé que llevaba consigo a todas partes) con alguien y venía por sí mismo. Pasabamos tiempo juntos, teníamos sesiones de improvisación. Lo vi por última vez pocas semanas atrás, en una fiesta en L.A.. Se veía bien, pero no estaba bien - estaba agotado. El estaba muy, muy en guardia acerca de reaparecer a la luz pública, y yo lo entendí en eso. No eran las fechas en Londres lo que lo molestaba, era la forma en que los críticos podrían evaluarlo tras esas fechas. Le dije que debería decir "¡Y qué!", en vez de "¿Y si...?" . El hecho es que no se le brindó el respeto que merecía. Aquí estaba un tipo que fue absuelto en su juicio el año pasado pero, en América particularmente, tenía muchos problemas. El estaba muy asustado de dar conciertos en vivo en un escenario después del juicio porque estaba preocupado de los ataques que podrían ocurrir. Yo creo que esto realmente lo golpeó. El problema es que él era muy frágil. La naturaleza de los artistas es que son sensibles y suaves. Pero eso no les quita su inteligencia y su talento.

Su muerte no fue una gran sorpresa. Sólo desearía que la gente no lo hubiera perseguido tanto. El era un hombre muy sólo y malinterpretado. Tenía que hacer todo por sí mismo. El atravesó por mucho en los últimos 2 años y no creo que mucha gente hubiera soportado tanto como él lo hizo.

Nosotros compartimos una camaradería. El será terriblemente extrañado porque esto no debería haber pasado. El era joven, como mi hermano, que murió en el 2003. Por supuesto Michael vino al funeral de Maurice. Es tan triste que no podamos honrar a la gente cuando están aquí en el mundo. Cuando se han ido es demasiado tarde. La gente que lo condenaba el año pasado está hoy rezando en el altar de Michael Jackson".

Fuente: timesonline.co.uk

- En su website, robingibb.com, Robin rindió su homenaje a Michael Jackson:

"No sólo hemos perdido un gran amigo en Michael sino también un ser humano maravilloso y sensible. Los Bee Gees escuchmos música con los mismo oídos .Michael tenía una gran voz y millones de personas aún por nacer cantarán sus canciones. Esta tragedia debería enseñarnos la lección de valorar y honrar esos regalos cuando aún los tenemos en el mundo. Si tan siquiera una pequeña porción de los honores que se le confieren a Michael Jackson ahora en la muerte se le hubieran brindado en su último año en vida, él probablemente estaría aún con nosotros. Esa es la triste verdad. Un consuelo es que él triunfará por su legado".

Fuente: robingibb.com

Eros Ramazzotti

2009-06-24T13:37:00.000-07:00

Eros Luciano Walter Ramazzotti Molina (Roma, Italia 28 de octubre de 1963), mundialmente conocido como Eros Ramazzotti. Intérprete de música pop y reconocida figura de la escena musical en Italia, su país de origen, Europa e Hispanoamérica.

Biografía

Hijo de Rodolfo Ramazzotti y Raffaela Molina, Ramazzotti nació el 28 de octubre de 1963 en el hospital de San Giovanni, en Roma. Vivió en el barrio de Cinecittà en Roma, junto a los grandes estudios de cine. En su infancia Eros participó de extra junto a sus amigos en algunas películas, se dice que sale en Amarcord de Federico Fellini (película que ganó el Oscar a la mejor película extranjera en 1973). En la adolescencia estuvo a punto de emigrar a Australia con su familia, de hecho toma clases de inglés en una academia cercana a la estación de Termini, pero la solicitud fue rechazada. Su padre era pintor , si bien en el pasado intentó dedicarse a la canción (llegó a grabar dos canciones Lui è uno y Voglio andare sulla luna. Tras el intento fallido intentó entrar en el conservatorio, pero es rechazado por no saber leer música. Se presenta con una canción de Francesco De Gregori ("Pezzi di vetro").

Deja el colegio (el "Margarita Bosco", que aún existe, el mismo colegio donde más tarde estudiarían los futbolistas Nesta y Totti). Estudió Contabilidad durante dos años, pero lo dejó a finales de los años 80 y comenzó a dar su primeros pasos en la música.

Los comienzos

En 1981 participó en el festival de Castrocaro con la canción Rock'80, compuesta por él mismo. Ganó Zucchero. A Eros le valió para que una pequeña discográfica milanesa, la DDD (La Droguería di Drugolo), se fijase en él, y le ofreciera su primer contrato discográfico. Esto le obligó a trasladarse a Milán, su ciudad de residencia actual. Vivió en un apartamento en los estudios de la DDD y se dedicó en los tres años siguientes a tomar clases de canto y de guitarra.

En 1982 lanzó lo que fue su primer sencillo Ad un amico, dedicado a sus dos amigos Ivano y Marco, que murieron en la adolescencia (por accidente de coche y enfermedad pulmonar, respectivamente). Con ellos había formado un grupo en su juventud, se llamaban "I Santana". Las dos primeras canciones son "Ad un amico" (A un amigo) y "Sole che viene" (Sol que viene).

A su primera participación en el Festival de la Canción de San Remo en 1984, categoría de Nuevas voces, se presentó con su segundo sencillo Terra promessa (Tierra prometida), compuesta por él mismo y ayudado por reconocidos compositores italianos, Alberto Salerno en la letra y Renato Brioschi en la música. Este segundo sencillo incluye los temas "Terra promessa" y "Bella storia" (Bella historia). Finalmente gana. Después se contrata a Piero Cassano como productor y a partir de ahí Eros inicia su carrera internacional.

Lanza su primer álbum Cuori agitati (Corazones rebeldes) en 1985, y el sencillo Una storia importante (Una historia importante) vende sólo en Francia un millón de copias. Además con esa canción se presenta al Festival de la Canción de San Remo de ese año, ahora ya entre los grandes, y queda sexto. Comienzan a pararle por la calle. Ese álbum se edita también en España (su primer mercado de habla castellana), pero, curiosamente, no incluye ambos los sencillos grabados en dicho idioma (Corazones rebeldes / Una historia importante) sino solamente el segundo (Una historia importante), ni siquiera en sus futuras reediciones al formato CD, haciendo así de "Corazones rebeldes" un disco muy buscado por los coleccionistas de todo el mundo por su unicidad y rareza (solamente se publicó, en castellano y en España, como sencillo en vinilo).

Con el pensamiento y la espina clavada de no haber ganado el año anterior en el Festival de la Canción de San Remo se lanza el segundo álbum en 1986, Nuovi eroi (Héroes de hoy), en el que va incluido Adesso tu (Ahora tu), canción con la que sí logra ganar en San Remo y convertirse así en el primero en conseguir ganar el Festival dos veces en menos de tres años. La canción, autobiográfica, del ...ragazzo di periferia... se convierte así en un himno para toda una generación.

La confirmación

El tercer álbum In certi momenti (En ciertos momentos) incluye el primer dueto de su carrera, algo que ahora se ha convertido en normal en los disco del cantante, La luce buona delle stelle cantada con Patsy Kensit vocalista del por aquel entonces afamado grupo Eighth Wonder. En el mismo disco está Ma che bello questo amore (Fantástico amor), una de las canciones que no pueden faltar en sus conciertos y otras como Occhi di speranza (Ojos de esperanza), canción dedicada a la gente que dona sus órganos.

En 1988 se lanza Musica è (Música es), un mini álbum que contiene la canción que da título al álbum Musica è (Música es), una canción de 11 minutos en la que Ramazzotti cuenta qué es para él la música. La discográfica lanzó este mini álbum como tributo a los fans, pero a la postre se convirtió en el disco más vendido del cantante hasta la fecha.

La consagración

Tras un parón de dos años sin lanzar nada nuevo al mercado, llega en 1990 In ogni senso (En todos los sentidos), en él se incluyen canciones tales como Se bastasse una canzone (Si bastasen un par de canciones) y Amarti è l'immenso per me (Amarte es total) cantada a dúo con Antonella Bucci. El disco incluye también Dolce Barbara (Un atardecer violento) dedicada a la madre de Bárbara Polidori, una joven fan del pueblo de Caserta, enferma de esclerosis lateral amiotrófica. Eros, conocedor de su enfermedad, se vuelca hacia ella, la lleva a conciertos, queda con ella, y cuando fallece su mejor homenaje lo realiza en forma de música.

A este disco le siguió una gran gira mundial que fue culminada con la aparición del doble álbum Eros in concert donde se recoge el hacer del cantante encima de los escenarios de toda Europa. Su fama alcanza los EE. UU. donde viaja para tocar en el Radio City Music Hall de Nueva York. Fue el primer italiano en actuar en ese escenario y agotar todas las entradas.

En el año 1993 Eros sorprendió con Tutte storie (Todo historias) y los acordes del primer sencillo Cose della vita (Cosas de la vida), lo más rock que ha hecho el cantante. Dicho sencillo tuvo otra sorpresa, el vídeo fue dirigido por Spike Lee que era la primera vez que el director de color trabajaba con un europeo. En el mismo disco se encuentra Silver e Missie (Silver y Missie), canción que trata sobre la historia de dos delfines, que formaban parte del proyecto, 'Into the blue, se trató de salvarlos y liberarlos, y se consiguió movilizar a todo el país transalpino. También es de destacar la canción Favola (Fábula), inspirada en el cuento "Las transformaciones de Píktor", de Hermann Hesse. Esodi (Éxodos) que habla de los exiliados de la antigua Yugoslavia, Un'altra te (Otra como tu)...

Tras la gira de Tutte storie world tour, Eros junto con Pino Daniele y Jovanotti inventaron trío, un espectáculo conjunto que les llevó de gira por casi toda Italia y algunos países europeos.

En 1996 sale Dove c'è musica (Donde hay música), el disco que más ha vendido (más de siete millones por todo el mundo). Este disco es importante por ser el primero que el propio Eros produce con su recientemente creada Radiorama, una agencia musical que dirige su hermano Marco y porque es el primero que lanza el artista sin la colaboración de su productor habitual, Piero Cassano. Più bella cosa (La cosa más bella) fue el sencillo más radiado en 1996. L'Aurora (La Aurora) está dedicada a su hija Aurora Sophie. Lettera al futuro (Carta al futuro) está inspirada en La máscara de la muerte roja, un cuento de Edgar Allan Poe. Yo sin ti que es la única canción que está presente en castellano en ambas ediciones de los dos discos (versión en castellano y en italiano). Eros compuso la música y le propuso a Juan Luis Guerra que compusiera la letra. Dicen las malas lenguas que Juan Luis Guerra se negó y que esa es la razón por la que Eros nunca ha pisado República Dominicana en una gira. La canción finalmente la compuso Nacho Mañó, uno de los componentes del grupo Presuntos Implicados y el mejor traductor de las canciones de Ramazzotti. Con este disco también se gesta lo que será el futuro grupo de trabajo de Eros, ya que conoce a su actual co-autor de las melodías de Eros, el profesor Claudio Guidetti.

Colaboraciones y trabajos para otros

Además de sus propios discos Eros comienza a producir a otros cantantes y grupos italianos, Gianni Morandi es el primero. Además escribe Nadie para Cristian Castro, That's all I need to know para Joe Cocker, además de otras muchas canciones para cantantes italianos. Además de las colaboraciones ya citadas Eros ha cantado con Biagio Antonacci (Almeno non tradirmi tu), Giorgia (Amarti è l'immenso per me), Umberto Tozzi (Tu vivrai), Gianni Morandi (Cosí vanno le cose), Laura Pausini (Volare), Massimo Di Cataldo (Una ragione di più), Luciano Pavarotti (Se bastasse una canzone), Ricky Martin (non siamo soli), Cher (piu che puoi) además de hacer un dueto con Ricardo Arjona con la canción "A ti",y con Tina Turner el dueto de la cancion "Le Cose della vita"

Algo personal

A finales de 1996 Eros tiene a su hija (Aurora Sophie) con la modelo/presentadora suiza Michelle Hunziker. Años más tarde, en 1998, Eros se casa con Michelle Hunziker en el castillo de Bracciano, en las afueras de Roma. En el 2002, tras más de siete años de relación y cuatro años de matrimonio, se produce la separación del cantante con la modelo. En la actualidad ambos comparten la custodia de Aurora Sophie.

Grandes éxitos

1997 es el año elegido por Eros para que salga el primer disco del cantante de grandes éxitos Eros, y en él hay incluido un dueto con Tina Turner, es una versión de Cose della vita/Can't stop thinking of you (Cosas de la vida/Can't stop thinking of you) cantada en italiano (castellano y portugués) e inglés. También incluye una versión de Musica è (Música es) cantada con Andrea Bocelli que salió solamente en italiano.

Cuando parecía que iban a pasar otros tres años para que apareciese un nuevo disco del cantante, sale Eros live, (Eros en directo) en 1998, una auténtica joya de música en directo, un disco que recoge los duetos en con Tina Turner (Cose della vita/Can't stop thinking of you) y Joe Cocker (That's all I need to know/Difenderò) en el concierto que Eros dio en Munich en julio de ese año. En el 2006 realizó un nuevo tema con Anastacia llamado I belong to you. En el 2008 saca su nuevo cd llamado e2 este cd es el mas inportante de su carrera en este cd canta con Amaia Montero de "La Oreja de Van Gogh" otro sigle con Ricky Martín "Noi siamo soli" en español "No estamos solos" y tiene colaboraciones de grandes musicos como Carlos Santana ,Steve Vai entre otros

La década del 2000

Tras el parón, en el 2000, Eros volvió a escena con Stilelibero (Estilolibre) producido a medias entre Eros y su amigo-compositor-ayudante Claudio Guidetti además de Rick Nowell, Trevor Horn, y Celso Valli (su arreglista de toda la vida). En él vuelve con otro dueto Più che puoi, esta vez con Cher y otras canciones como Fuoco nel fuoco (Fuego en el fuego), primer sencillo y Per me per sempre (Para mi será por siempre).

En 2003 ve la luz "9", el disco mas autobiográfico que ha hecho el cantante, en el disco se encuentran Un'emozione per sempre (Una emoción para siempre), primer sencillo del disco y originalmente escrito para su amigo Alex Baroni, pero que nunca pudo cantar, ya que meses antes moría tras un accidente de moto en Roma, Piccola pietra (Piedra pequeña) que está basada en el libro "La danza inmóvil", del escritor peruano Manuel Scorza. Ti vorrei rivivere (Revivirte otra vez) que está dedicada a Donatella, la chica que aparece en la portada de In certi momenti (En ciertos momentos) junto a él y que fue su primer gran amor. El disco, que batió todos los récords de permanencia en las listas de ventas de Italia, lo hace, de nuevo, embarcarse en una nueva gira mundial, que pasa por Roma el 7 de julio de 2004, ante 60.000 espectadores en el Estadio Olímpico. Meses después el concierto fue publicado en DVD llamado Eros Roma Live.

En 2005 aparece en octubre y en el día de su cumpleaños, como otras veces, el álbum Calma apparente (Calma aparente), que contiene un dueto con Anastacia, cuya canción se llama I belong to you/Il ritmo della passione (I belong to you/El ritmo de la pasión), el regreso lo hace con La nostra vita (Nuestra vida) batiendo el record de emisiones de una canción en las emisoras italianas .

Casi simultáneamente salió en Italia "Eros, lo giuro", el primer libro autorizado sobre la vida de Eros Ramazzotti, fruto de conversaciones con el periodista y escritor Luca Bianchini. Se convierte en el libro más vendido de Italia.

Otros datos de interés

Eros compone sus temas ayudado por Adelio Cogliati y Claudio Guidetti, y toca la guitarra, la percusión, el piano y la batería.

Si no hubiese sido cantante siempre dice que hubiera sido futbolista (el fútbol y la Juventus es su otra gran pasión), de hecho es presidente de la Nazionale Italiana Cantanti un equipo compuesto por cantantes italianos que juegan partidos a beneficio de los más desfavorecidos. Además le gustan las motos, los coches en especial los Ferrari. El año 2004 que Gianmaria Bruni corrió en Fórmula 1 con un Minardi, Eros fue uno de los patrocinadores.

Aparte de Italia sus mayores éxitos los ha cosechado en Alemania, España e Hispanoamérica (cantando en castellano).

En noviembre de 2006 salió al mercado el último álbum de la italiana Laura Pausini, titulado Yo canto (Io canto en italiano); el cual recoge canciones que han marcado la vida de la artista y viene a ser como un homenaje a los compositores italianos de las últimas décadas. En este álbum ella interpreta la canción Estrella Gemela (Stella Gemella en italiano), compuesta por Eros Ramazzotti. Además, en su megaconcierto "Laura Pausini Live in San Siro 2007" interpreta su éxito Favola.

El 26 de octubre de 2007 vio la luz una antología doble, cuyo nombre es e² (e al cuadrado), y que conmemora los 25 años de carrera de Eros. El primer sencillo de este disco es un dueto con Ricky Martin que se llama Non siamo soli (No estamos solos) . Además este Grandes Éxitos contiene un dueto con Amaia Montero, una colaboración con Carlos Santana, otra con el mítico Steve Vai, con el grupo vocal Take 6 y otras muchas sorpresas, lo que pone muy en alto las expectativas de éste. Paralelo a esto, Eros ha colaborado con el grupo sardo Tazenda cantando Domo Mia y recientemente fue invitado a cantar a dúo con el cantautor Ricardo Arjona en su nuevo disco Quién dijo ayer, el tema A ti.

En mayo de 2009 se estrenará su nuevo disco, llamado Alas y Raíces y cuyo primer single se llamará Dimelo a mi. Además, durante octubre comenzará una nueva gira mundial.

Discografía italiana

* 1982 Semplice Ad un amico
* 1984 Semplice Terra promessa
* 1985 Cuori agitati
* 1986 Nuovi eroi
* 1987 In certi momenti
* 1988 Musica è
* 1990 In Ogni senso
* 1991 Eros in concert
* 1993 Tutte storie*
* 1996 Dove c'è musica *
* 1997 Eros
* 1998 Eros Live *
* 2000 Stilelibero*
* 2003 9
* 2005 Calma apparente
* 2007 e²
* 2009 Ali e radici

Discografía en castellano

* 1985 Cuori agitati (Almas Rebeldes - Solamente un tema en castellano)
* 1986 Heroes de hoy
* 1987 En ciertos momentos
* 1988 Música es
* 1990 En todos los sentidos
* 1991 Eros en concierto
* 1993 Todo historias
* 1996 Donde hay música
* 1997 Eros
* 1998 Eros Live
* 2000 Estilo libre
* 2003 9
* 2005 Calma aparente
* 2007 e²
* 2009 Alas y raíces

Sitio Oficial: http://www.ramazzotti.com/

Johnny Cash

2009-06-17T10:33:00.000-07:00

Johnny Cash, nacido J.R Cash (26 de febrero de 1932 - 12 de septiembre de 2003) fue un cantautor estadounidense de country, gospel, rock and roll y rockabilly. Fue uno de los máximos representantes de la música country, aunque creó su propio subgénero musical.

Cash fue conocido por su profunda voz, por el característico sonido boom-chick-a-boom de su banda de acompañamiento, los Tennessee Three y, por vestir ropa oscura, lo que le valió el apodo de «El Hombre de Negro» («The Man in Black»). Empezaba todos sus conciertos con la sencilla frase: «Hola, soy Johnny Cash» («Hello, I'm Johnny Cash»).

Muchas de las canciones de Cash, como en «I Walk The Line», «Folsom Prison Blues», «Ring of Fire» o «Man in Black», tratan de temas como la pena, la culpa, tribulaciones morales y redención, una tendencia que se acentuó en la última etapa de su carrera. También compuso canciones humorísticas (como «One Piece At A Time», «The One On The Right Is On The Left» o «A Boy Named Sue»), llenas de vitalidad («Get Rhythm») o con otras temáticas típicas del country, como el ferrocarril («The Rock Island Line»).

Vendió cerca de noventa millones de álbumes en sus casi cincuenta años de carrera. Es presentado habitualmente como uno de los músicos más importantes en la historia de la música country. Es uno de los tres únicos músicos que han sido admitidos en más de un «Salón de la Fama»: en el Salón de la Fama del Rock, del Country y de Compositores de Nashville.

Primeros años de carrera

En plena Guerra de Corea se alistó en las fuerzas armadas, recibiendo su instrucción en las bases de la Fuerza Aérea de Lackland y de Brooks, ambas localizadas en San Antonio (Texas). Cash fue destinado como operador de radio al Servicio de Seguridad de la Fuerza Aérea Estadounidense (USAFSS, de U.S. Air Force Security Service). Su unidad fue destinada en la base aérea de Landsberg, en Alemania. Allí fundó su primer grupo musical, The Landsberg Barbarians.

Cuando terminó el servicio, Cash se casó con Vivian Liberto, a la que conoció durante su entrenamiento en la base de Brooks. En 1954, se trasladó a Memphis (Tennessee), donde trabajó como vendedor de electrodomésticos mientras estudiaba para ser locutor de radio. Por las noches, tocaba con el guitarrista Luther Perkins y el bajista Marshall Grant, a quienes se conocía como The Tennessee Three. Cash se decidió a obtener un contrato de grabación y visitó el Estudio Sun, propiedad de Sam Phillips el dueño de Sun Records. Después de una audición con Phillips, en la que cantó algunas canciones gospel, este le dijo «ve a casa y vuelve con una canción que pueda vender». Cash volvió con nuevas canciones y consiguió un contrato. Sus primeras grabaciones para Sun fueron «Hey Porter» y «Cry Cry Cry», editadas en 1955 y que consiguieron cierto éxito en las listas de country.

El siguiente single de Cash, «Folsom Prison Blues» llegó al Top 5 las listas de country. «I Walk the Line» consiguió el número 1, además de llegar al Top 20 de las listas de pop. A «I Walk the Line» le siguió «Home of the Blues», grabada en julio de 1957. Ese mismo año, Cash fue el primer artista de Sun en editar un LP. A pesar de ser uno de los artistas más prolíficos y con mayor número de ventas de su época, Cash estaba atado a la pequeña Sun. Elvis Presley había abandonado Sun y Phillips mantenía su atención en la promoción de Jerry Lee Lewis. En 1958, Cash dejó el sello para firmar una suculenta oferta de Columbia Records, donde su single «Don't Take Your Guns to Town» se convertiría en uno de sus mayores éxitos.

Su primera hija, Rosanne Cash, nació en 1955. De su matrimonio con Vivian Liberto, Cash tuvo otras tres hijas: Kathleen en 1956, Cindy en 1959 y Tara en 1961. Pero sus frecuentes giras sus también habituales con las droga terminaron su relación con Vivian. En 1968 se casó con la cantante June Carter, con quien realizaba giras cantando a dúo y mantenía una azarosa relación desde hacía años, tras pedirle el enlace públicamente en un concierto.

Adicción a las anfetaminas

Ya a finales de los 50 Cash tomaba anfetaminas, pero fue durante los primeros años de la década de los 60 cuando Cash comenzó a beber compulsivamente y a tomar muchas anfetaminas, a las que acabó siendo adicto. Durante una temporada, Cash alquiló un apartamento con Waylon Jennings, quien también estaba enganchado a las anfetaminas. Cash ocultaba a menudo las pastillas y cuando olvidaba dónde las había puesto acusaba a Jennings de robárselas. Cash las tomaba para mantenerse despierto y activo durante sus giras. Sus amigos bromeaban a menudo sobre su comportamiento «nervioso», ignorando muchos de ellos la fuerte adicción que sufría por entonces.

Folsom Prison Blues

Durante su estancia en el ejército, Cash vio la película Inside the Walls of Folsom Prison (1951), que le inspiró para escribir el borrador de una de sus más célebres canciones: «Folsom Prison Blues».

Cash sentía una gran compasión por los presos, lo que le impulsó a realizar una serie de conciertos en varias cárceles. Resultado de estos conciertos son dos de sus álbumes más aclamados, Johnny Cash at Folsom Prison (1968) Johnny Cash at San Quentin (1969).

El álbum at Folsom Prison comienza con una interpretación llena de fuerza de su clásico "Folsom Prisom Blues", mientras que at San Quentin incluye el single "A Boy Named Sue", que se puede clasificar como crossover (se dice de las canciones que mezclan estilos), un tema nuevo compuesto por Shel Silverstein que alcanzó el número 1 en las listas nacionales y el número 2 en el US Top Ten pop charts. Las anteriores versiones de este último single contenían palabras malsonantes que fueron eliminadas en esta época más sensible de su carrera. Las versiones modernas en CD aparecen sin editar ni censurar y, por lo tanto, son más largas que las originales en vinilo, dando así una clara idea de cómo eran los conciertos, con un público muy receptivo compuesto por presos.

Además de sus presentaciones en la Penitenciaría de Folsom, en San Quentin y otras prisiones de los Estados Unidos (no de América, porque América es todo el continente, como decía él mismo), Johnny Cash también actuó en la Prision de Österåker en Suecia en 1972. El álbum en vivo På Österåker ("At Österåker") salió a la venta en 1973. Entre las canciones de Cash se pueden oír frases en sueco, hecho que fue apreciado por los internos.

Cash dejo de usar drogas a principios de 1970, después de una epifanía espiritual en la cueva de Nickjack. Cash redescubrió la religión cristiana, tomando la hostia en Templo Evangélico, una pequeña capilla en el área de Nashville. Cash eligió esta capilla de entre tantas grandes e importantes iglesias de Nashville porque él decía que era un hombre más ahí, y no una celebridad.

American Recordings

Cuando el contrato con Columbia Records llegó a su fin, Johnny Cash firmó con Mercury Records. Editó varios álbumes entre 1987 y 1991, con escaso éxito o reconocimiento. Cash estaba en su momento más bajo de popularidad y en Mercury se despreocuparon de su carrera.

Su carrera tomó un nuevo rumbo hacia mediados de los 90, cuando Cash conoció al productor Rick Rubin. A principios de la década, Cash empezaba a ser reconocido como un icono de la música popular estadounidense por un público más joven aficionado a otros géneros musicales como el indie o el rap. Por ejemplo, en 1991 participó en la versión de «Man in Black» que el grupo de punk One Bad Pig's incluyó en su álbum I Sream Sunday. En 1993 cantó en la canción «The Wanderer», incluido en Zooropa de U2.

Así, en 1993 apareció Rick Rubin, fundador del sello American Recordings especializado en rap y hard rock, quien le ofreció a Cash un contrato para varios álbumes en su sello. Bajo la atenta supervisión de Rubin, Cash grabó su primer álbum para éste, American Recordings. La producción del álbum era muy austera: sólo aparecían Cash y su guitarra. Las canciones fueron grabadas en el salón de la casa del propio Rubin. El álbum fue un éxito total, tanto a nivel de crítica como de público, consiguiendo un Grammy al «Mejor álbum de folk contemporáneo». Cash no sólo gustó a sus fans de siempre, sino que se hizo hueco en una audiencia más joven. Fue aclamado en el Festival de Glastonbury; el propio Cash escribió que tal recibimiento fue uno de los mejores momentos de su carrera. American Recordings fue el comienzo de una carrera repleta éxitos a nivel creativo y comercial.

Johnny Cash y June Carter Cash aparecieron en varios episodios de la serie televisiva La Doctora Quinn, protagonizada por Jane Seymour. La actriz quedó tan contenta con Cash que llamó John a uno de sus hijos. Además, Johnny apareció en Los Simpson poniendo la voz a un coyote que guía a Homer en un viaje espiritual.

En 1996 apareció Unchained, su segunda referencia para American. Esta vez fue acompañado por Tom Petty and the Heartbreakers. Con este álbum volvió a ganar un Grammy como «Mejor álbum de country». Ese año comenzó una nueva autobiografía, que apareció en 1997 como Cash: The Autobiography.

Grave enfermedad

En 1997, a Cash le fue diagnosticada una enfermedad neurodegenerativa conocida como Síndrome de Shy-Drager. El diagnóstico fue cambiado más adelante por el de neuropatía autónoma asociada a la diabetes. La enfermedad forzó a Cash a acortar su gira. Fue hospitalizado en 1998 con neumonía severa con daños en los pulmones. Debido a su enfermedad, las canciones de sus álbumes American III: Solitary Man (2000) y American IV: The Man Comes Around (2002) se tornaron ligeramente más sombrías que las de sus dos anteriores álbumes para American. El vídeo de «Hurt» de American IV, una versión de Nine Inch Nails fue aclamado tanto por crítica como por el público. Incluso el mismo compositor de la canción, Trent Reznor, afirmó que no ha vuelto a escuchar su propia versión desde que escuchó la de Cash

June Carter Cash murió en mayo de 2003 a la edad de 71 años. La causa fueron complicaciones posteriores a una operación de corazón. Le había dicho a Johnny que siguiese trabajando y grabando canciones, incluso que diese algún concierto sorpresa en el «Liberto Family Fold», Virginia. Durante un concierto, antes de cantar «Ring of Fire», Cash leyó una declaración sobre June que había escrito rápidamente antes de subir al escenario. Habló sobre cómo el espíritu de su mujer le guardaba y cómo éste le había visitado antes de comenzar el concierto. A pesar de sus problemas de corazón, habló sobre las ganas que tenía de que llegase el día en que pudiese volver a caminar para lanzar su silla de ruedas al lago que había cerca de su casa.

El 12 de septiembre, cuando no habían pasado ni cuatro meses desde la muerte de su mujer, Johnny Cash murió, también a los a los 71 años, debido a complicaciones de su diabetes, con resultado de fallo respiratorio, mientras estaba hospitalizado en el Hospital Bautista de Nashville (Tennessee). Fue enterrado al lado de su mujer en el cementerio "Hendersonville Memory Gardens", cerca de su casa de Hendersonville, Tennessee.

En junio de 2005, su casa de Caudill Drive, en Memphis fue puesta en venta. En enero de 2006 fue vendida por 2,5 millones de dólares a una corporación propiedad de Barry Gibb (cantante de Bee Gees). Menos de un año después se declaró un incendio que la destruyó por completo.

El 25 de noviembre de 2004 apareció el cofre de cinco CDs Unearthed: contenía cuatro CDs de música no editada y un quinto CD recopilatorio de su etapa en American. El álbum había sido ideado por el propio Cash antes de su muerte. El 4 de julio de 2006 apareció un quinto volumen de American Recordings: American V: A Hundred Highways. Las partes vocales fueron grabadas antes de la muerte de Cash, pero las instrumentales no fueron grabadas hasta 2005.

Legado e influencia

Desde sus primeros años como pionero del rockabilly y el rock and roll en los años 50, en las décadas en las que fue un representante internacional de la música country y hasta su resurgimiento como icono del country alternativo en los años 90, Cash ha influenciado a incontables artistas y ha sido reverenciado por los más grandes músicos populares de la historia.

Cash ha sido muy valorado incluso por artistas lejanos a su género musical. Como se puede leer en las notas de Unearthed, Bob Johnston (productor y amigo de Cash) contaba como, hablando con un grupo de rap éstos le declaraban «el padrino del Gangsta rap», ya que habían crecido escuchando cómo Johnny Cash cantaba «maté a un hombre en Reno simplemente por verle morir». En su álbum Ego Trippin', Snoop Dogg dedica su canción "My Medicine" a Johnny Cash, a real American gangsta. La banda de punk rock Social Distortion cierra sus conciertos interpretando Ring Of Fire, la cual aparece en su disco Social Distortion.

Cash apadrinó y defendió a artistas de las críticas sobre lo que era o no aceptable en el country, incluso en las épocas en las que él era uno de los símbolos más visibles del establishment country. En 1999 se le ofreció un concierto-tributo en el que tocaron artistas de la talla de Bob Dylan, Chris Isaak, Wyclef Jean, Norah Jones, Kris Kristofferson, Willie Nelson o U2.

Justo después de su muerte fueron editados dos álbumes-tributo; Kindred Spirits y Dressed In Black. En el primero participaron músicos con cierto prestigio, mientras que el segundo era de artistas menos conocidos.

En reconocimiento por el apoyo que prestó a la ONG SOS Children's Villages, su familia lanzó un llamamiento a amigos y fans a que realizasen donaciones a esta ONG en memoria del fallecido. Cash tenía un vínculo personal con el SOS village de Diessen, en el sur de Alemania, cerca de donde estuvo destinado como militar. También estaba involucrado en la SOS village de Barrett Town, cerca de la casa que poseía en Jamaica.

Durante un breve periodo, hubo un museo llamado «House of Cash». La autopista 31E, que pasa por la calle principal de Memphis , es conocida como «Johnny Cash Parkway».

La canción «Ring Of Fire» aparece un episodio de Los Simpson, en el videojuego Tony Hawk's Underground 2 y en la película Silent Hill. En el ultimo concierto de la banda Screamo ,Orchid (9/7/2002) empezaron con una cinta con la canción "Ring on fire"

Películas

En 2005 se estrenó la película En la cuerda floja. Johnny y June: pasión y locura (Walk the Line, su título original), dirigida por James Mangold, que narra la vida del cantante. El actor Joaquín Phoenix, quién lo encarnó, estuvo nominado al Oscar al mejor actor. La actriz Reese Witherspoon ganó el Oscar a la mejor actriz por su interpretación de June Carter. Ambos actores ganaron el Globo de Oro en la categoría de «mejor actor de comedia o musical» y «mejor actriz de comedia o musical».

El 12 marzo 2006 se estrenó en el «Ethel Barrymore Theatre» Broadway el musical Ring of Fire, basado en la obra de Johnny.

En 2007 en la película, El amanecer de los muertos, la introducción es la canción de The man comes around

Discografía

Discografía de Johnny Cash en Sun Records

Sitio Oficial: http://www.johnnycash.com/

George Harrison

2009-06-04T14:00:00.000-07:00

George Harrison (* Liverpool, Reino Unido, 24 de febrero de 1943 – Los Ángeles, Estados Unidos, 29 de noviembre de 2001) fue un músico y compositor británico integrante de la legendaria banda The Beatles. Tras la disolución del grupo en 1970 siguió una prestigiosa carrera musical tanto en solitario como dentro del supergrupo Traveling Wilburys, oculto tras los seudónimos de Nelson Wilbury y Spike Wilbury. Asimismo, desarrolló una carrera de productor cinematográfico, creando la compañía Handmade Films en la que dio cabida como actores a gente de la talla de Madonna y los Monty Python. En 2003 la Revista Rolling Stone puso a George Harrison en el lugar Número 21 en la Lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos.

1943-1960: Los primeros años

George Harrison nació el 24 de febrero de 1943 en el 12 de Arnold Grove, Liverpool, Inglaterra, en el seno de una familia católica y de ascendencia irlandesa por parte de su madre, Louise. Fue el único Beatle cuya infancia no fue empañada por la muerte o el divorcio de sus padres. Su padre, Harold Harrison, había sido marino hasta que abandonó su puesto y desempeñó el de conductor de autobús. Acudió a la escuela infantil Dovedale Road, cerca de Penny Lane, al mismo tiempo que John Lennon. A los once años, tras pasar una prueba, le fue concedida una plaza en el Liverpool Institute for Boys, edificio hoy en día convertido en el Liverpool Institute for Performing Arts, en el cual conoció a Paul McCartney. A los doce años, poco antes de dar inicio el curso, fue ingresado en el hospital debido a una nefritis. Durante su convalecencia compró su primera guitarra, una Egmond, a un compañero de Dovedale, Raymond Hughes, por 3 libras con 10 chelines.

Poco después, al tiempo que conseguía su primera "guitarra decente", una Hofner President, forma su primer grupo tras el auge del skiffle: The Rebels, junto a su hermano Peter y Arthur Kelly. Entre los artistas que influyen en su forma de tocar destacan Elvis Presley, Little Richard, Buddy Holly, Fats Domino, Bill Halley, Eddie Cochran, Lonnie Donegan y Chet Atkins. Más tarde, Paul McCartney escuchó a Harrison tocar el riff de "Raunchy" en el autobús de camino a casa y Paul le propuso unirse al grupo. Harrison es presentado por Paul McCartney a John Lennon e ingresa en The Quarry Men, que posteriormente, tras cambiar varias veces de nombre, acabará denominándose The Beatles.

Tras abandonar la escuela en 1959, alternó durante poco tiempo su afición a la música con un trabajo de aprendiz de electricista. El entrenamiento ayudó a hacer de Harrison el miembro más eficaz del grupo a la hora de experimentar nuevos sonidos y de arreglar equipaciones. A mediados de los 60, fue el primero en equipar su casa de Esher con un estudio personal donde podría componer y trabajar con mayor eficacia.

1960-1970: The Beatles

En los primeros días de The Quarrymen, McCartney animó a Harrison a que se uniera. Al comienzo, y debido a su corta edad, era visto con desdén por los otros miembros del grupo. En un principio, Harrison no podía considerarse como un guitarrista virtuoso, si bien el hecho de que supiera suficientes acordes para tocar varios temas hizo que John Lennon lo aceptara en el grupo. Pese a ello, a mediados de los 60, la práctica hizo de Harrison un guitarrista más fluido y creativo, realizando las labores de guitarrista principal y rítmico. Más adelante, entrados los 70, el sonido que conseguía con la guitarra slide se convertiría en su sello personal.

Harrison fue el primero de los Beatles en viajar a los Estados Unidos con el fin de visitar a su hermana, Louise, en Benton, Illinois, en septiembre de 1963, cinco meses antes de la aparición del grupo en The Ed Sullivan Show. Durante la visita, George visitó una tienda de discos y compró varios singles sin que el dueño lo reconociera debido al escaso conocimiento que tenían los estadounidenses de la música pop británica; nadie pudo venderle un disco de los Beatles. A su regreso a Inglaterra, comentó a sus compañeros de grupo que sería difícil cosechar el éxito en América.

Durante la Beatlemanía, Harrison fue caracterizado como el "Beatle tranquilo" o el "Beatle Silencioso", debido a su carácter introspectivo y su tendencia a un segundo plano en las conferencias de prensa. A pesar de la imagen de "Beatle tranquilo", la mayoría de compañeros y amigos, como Eric Idle, miembro de Monty Python, aseguran que en las distancias cortas era muy hablador y dicharachero, contraponiéndose a la imagen que solía tener de él la prensa.

Durante el primer viaje de The Beatles a los Estados Unidos en febrero de 1964, Harrison recibió un nuevo modelo de guitarra, el "360/12", de la compañía Rickenbacker, eléctrica y con doce cuerdas, que comenzaría a tocar en futuros álbumes del grupo. Roger McGuinn, interesado en el sonido, adoptó como modelo propio el 360/12, dando lugar al sonido característico de las canciones de The Byrds.

Harrison escribió su primera canción, "Don't Bother Me", durante un día de convalecencia en cama, en 1963, con el fin de probar, como declararía posteriormente, "si era capaz de componer una canción". Aparece publicada en el álbum With the Beatles de 1963 y en su versión americana, Meet the Beatles!, de 1964. Si bien para el siguiente álbum del grupo, Beatles For Sale, también había compuesto un tema, éste fue descartado, olvidando la composición hasta que contribuyera al álbum Help! con los temas "I Need You" y "You Like Me Too Much".

Harrison fue el cantante de todas las canciones compuestas por él en su etapa con The Beatles. Asimismo, también cantó temas de otros artistas, incluyendo "Chains" y "Do You Want to Know a Secret" en Please Please Me, "Roll Over Beethoven" y "Devil In Her Heart" en With the Beatles, "I'm Happy Just to Dance With You" en A Hard Day's Night, y "Everybody's Trying To Be My Baby" en Beatles For Sale.

Un importante punto de inflexión en su carrera musical tuvo lugar durante la gira americana de 1965, en la que David Crosby, de The Byrds, introdujo a Harrison en la cultura india a través de la música de Ravi Shankar. Muy pronto, quedó fascinado con el especial sonido de su música, permitiendo la lenta introducción de la misma en la cultura occidental. Tras comprar un sitar poco después de dar por finalizada la gira de 1965, fue el primer músico de la cultura pop en introducir el instrumento en un álbum de estudio, en la canción "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)", del álbum Rubber Soul.

Otro importante momento de su vida tuvo lugar durante el rodaje de la película Help! en las islas Bahamas, al entregarle un hindú un libro sobre la reencarnación. También por aquel tiempo mantuvo una decisiva correspondencia con Joan Mascaró tras leer la versión de los Upanishads de aquel excepcional traductor mallorquín. Su interés por la cultura hindú se expandería formalmente al abrazar el hinduismo. En una peregrinación con su mujer Pattie a la India entre la última gira de The Beatles en 1966 y el inicio de las grabaciones de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, Harrison estudió lecciones de sitar, conoció a varios gurús y visitó sitios sagrados, acercándose así a la cultura oriental. Poco después, de vuelta a Inglaterra, conoció a Maharishi Mahesh Yogi, a quien presentó al resto del grupo para iniciar unos ejercicios de meditación transcendental que tendría lugar a comienzos de 1968 en Rishikesh.

En el verano de 1969, produjo el single "Hare Krishna Mantra", interpretado por devotos del templo londinense de Radha-Krishna. El mismo año, él y John Lennon conocieron a A.C. Bhaktivedanta Swami Prabhupada, fundador de la Sociedad Internacional para la Conciencia de Krishna (ISKCON). Poco después, Harrison abrazaría la tradición Hare Krishna, en particular el canto del mantra usado como meditación privada y llamado japa-yoga, similar al rosario en la tradición católica.

A medida que transcurría el tiempo, las composiciones de Harrison fueron haciéndose más notables, pasando de un segundo plano a competir con las composiciones de Lennon y McCartney en materia de calidad. Entre 1965 y 1970, los temas compuestos por George Harrison fueron: "If I Needed Someone", "I Want to Tell You", "Think For Yourself", "Taxman" (que abría el álbum Revolver), "Within You Without You", "Blue Jay Way", "Only a Northern Song", "It´s All Too Much", "Old Brown Shoe", "I Need You", "While My Guitar Gently Weeps" (con Eric Clapton en la guitarra), "Piggies", "Savoy Truffle", "Something", "The Inner Light", "Here Comes the Sun", "I Me Mine" y "For You Blue".

Los roces entre Harrison, Lennon y McCartney comenzaron a hacerse patentes a partir de la muerte de Brian Epstein, mánager del grupo, y en especial desde las sesiones de grabación de The Beatles, llegando a intentar dejar el grupo en aquel momento. Entre 1967 y 1969, McCartney expresó en más de una ocasión su insatisfación con la forma de tocar de Harrison. Las tensiones entre ambos quedan patentes durante los ensayos del proyecto Get Back en Twickenham Studios, que acabará por editarse como documental bajo el título Let It Be, donde Harrison acaba por decir con sorna: "Bien, no me importa. Tocaré lo que quieras que toque o no tocaré nada si no quieres que toque nada. Todo lo que sea por complacerte, lo haré." Descontento con las pobres condiciones en las que se desarrollaban las sesiones y aletargado por las horas de trabajo, Harrison acabará por abandonar el grupo el 10 de enero, si bien retornará a su trabajo el 22 del mismo mes tras dos reuniones de negocios.

Las relaciones internas del grupo se desarrollaron más cordiales durante las sesiones de grabación de Abbey Road, en las que se incluyen las composiciones de Harrison "Something" y "Here Comes The Sun". "Something" ha sido reconocido como uno de los mejores trabajos de The Beatles tanto por Elvis Presley como por Frank Sinatra, si bien, a modo de anécdota, Sinatra comentó acerca de la canción que era su "composición de Lennon/McCartney favorita". La creciente productividad de Harrison al final de la vida de The Beatles le permitiría recopilar suficiente material para desarrollar una carrera musical en solitario bastante exitosa y larga, que daría comienzo a partir de la última sesión junto al resto del grupo el 4 de enero de 1970, con casi 27 años.

1970-2001: Después de los Beatles

1970-1980

Tras la disolución de The Beatles en 1970, y tras años opacado por las sombras de Lennon y McCartney, publicó gran parte del material que había acumulado durante los últimos años en su proyecto más loado por la crítica, All Things Must Pass, el primer álbum triple de la historia musical.

All Things Must Pass supuso una entrada triunfal para la carrera musical en solitario de Harrison, acallando así las voces discrepantes que auguraban una mala carrera para él. Junto al álbum John Lennon/Plastic Ono Band de John Lennon y Ram de Paul McCartney, All Things Must Pass es considerado uno de los álbumes más trabajados por un Beatle en su carrera en solitario.

El álbum, que alcanzó el puesto #1 en las listas de éxitos británicas y estadounidenses, incluía los singles de éxito "My Sweet Lord" e "Isn't It A Pity", así como "What Is Life", que entró entre los diez primeros puestos. Años después, Harrison sería demandado debido a una violación de derechos de autor en "My Sweet Lord", donde supuestamente imita el single de The Chiffons "He's So Fine". Si bien Harrison negó la acusación, acabó perdiendo el juicio en 1976. Durante el mismo, la corte había aceptado la posibilidad de que Harrison hubiera "copiado subconscientemente" el éxito de The Chiffons como base a su propia canción, lo que utilizó para mofarse del tribunal en su tema "This Song", publicada en el álbum Thirty Three & 1/3. Las disputas por los derechos de autor continuaron en la década de los 90, con el antiguo mánager de The Beatles Allen Klein denunciando a Harrison tras comprar Bright Tunes, la compañía que poseía los derechos de autor de "He's So Fine". Finalmente, Harrison acabaría poseyendo los derechos de ambos temas.

Harrison fue, asimismo, el primer músico en organizar un concierto benéfico. Su Concert for Bangla Desh el 1 de agosto de 1971 reunió a cerca de 40.000 personas en torno a dos espectáculos organizados en el Madison Square Garden de Nueva York con el fin de recaudar fondos para paliar el hambre y la miseria de los refugiados en la antigua Pakistán del Este, hoy en día Bangladesh. Ravi Shankar abrió el concierto, que incluía a artistas de la envergadura de Eric Clapton, Bob Dylan, Jim Keltner, Billy Preston, Leon Russell, Ringo Starr y Klaus Voormann. Desafortunadamente, problemas con los impuestos y gastos cuestionables ensombrecieron la leyenda del mismo. En octubre de 2005, Apple Corps. reeditó el concierto en CD y DVD, siendo el dinero recaudado por las ventas destinado a UNICEF.

De forma adicional a su propio trabajo, Harrison escribió dos temas para Ringo Starr, "It Don't Come Easy" y "Photograph" y apareció en el álbum Imagine de John Lennon, así como en los temas "You're Breakin' My Heart" de Harry Nilsson, "Day After Day" de Badfinger, "That's The Way God Planned It" de Billy Preston y "Basketball Jones" de Cheech & Chong.

El siguiente álbum de Harrison, Living in the Material World, sería publicado en 1973. Su primer single, "Give Me Love (Give Me Peace on Earth)" le brindaría su segundo #1 en Estados Unidos, mientras "Sue Me Sue You Blues" serviría de mofa al proceso judicial que estaba desarrollando McCartney para disolver de forma oficial The Beatles. Con un sonido más intimista y una lírica más espiritual y filosófica, el álbum se mantuvo en el primer puesto de las listas de éxitos estadounidenses durante cinco semanas. En septiembre de 2006, una reedición del álbum con "Deep Blue" y "Miss O'Dell" como temas extra, así como con DVD, alcanzaría el puesto #38 del Billboard Pop Catalog Chart.

En 1974, vio la luz Dark Horse, al tiempo que daba inicio a una gira por los Estados Unidos. La gira fue duramente criticada por la duración del acto principal, a cargo de Ravi Shankar, y por la voz ronca de Harrison debida a una laringitis. Aun así, el álbum alcanzó el puesto #5 en las listas de éxios estadounidenses, si bien las críticas desfavorables y el poco interés suscitado provocarían que Dark Horse no entrara en las listas de éxitos británicas. El single "Dark Horse" alcanzaría el puesto #15 en las listas de Billboard.

Durante el periodo de preparación para la gira estadounidense, abrió oficinas en La Brea Avenue de Los Ángeles para su futuro sello discográfico, Dark Horse Records. Dentro de las oficinas conocería a su segunda mujer, Olivia Trinidad Arias, asignada para trabajar en el sello junto a Terry Doran de Apple y Jack Oliver. Su relación sentimental daría frutos a partir de la gira, hasta que en 1978 contrajeran matrimonio.

Su último álbum de estudio bajo el sello Apple, Extra Texture (Read All About It), fue publicado en 1975, del cual se extrajeron dos singles: "You", que alcanzó el Top 20 de las listas de Billboard, y "This Guitar (Can't Keep From Crying)", que supuso el último single editado por Apple y el primer sencillo de un Beatle que no entró en las listas estadounidenses.

Tras la salida de John Lennon, George Harrison y Ringo Starr del sello EMI (Paul McCartney permanecería en él hasta que en 2007 fichara por Hear Music), la compañía discográfica tuvo libertad para editar el trabajo del grupo y de sus componentes en solitario en un mismo álbum, utilizando a Harrison como experimento en The Best of George Harrison, en la que se combinaban sus éxitos compuestos en The Beatles y en solitario. Al mismo tiempo, Harrison se vio envuelto en problemas con la industria discográfica. Durante la grabación de su primer álbum en Dark Horse Records, Thirty Three & 1/3, Harrison se vio aquejado de hepatitis, retrasando su publicación e incumpliendo una cláusula del contrato firmado previamente con la distribuidora A&M. Tras ser denunciado, Warner Bros. Records se hizo cargo de la distribución de su sello, permitiéndole suficiente tiempo para recuperarse de la enfermedad y grabar el álbum.

Thirty Three & 1/3 supuso un considerable éxito tras sus dos álbumes anteriores, alcanzando el puesto #11 en las listas de éxitos estadounidenses. El primer single, "This Song", supone una sátira del proceso judicial por el "plagio inconsciente" de "He's So Fine" de The Chiffons, mientras "Crackerbox Palace" sería posteriormente publicado como segundo single.

Tras su segundo matrimonio con Olivia Trinidad Arias y el nacimiento de su primer y único hijo Dhani Harrison, Harrison emprendería la grabación de su álbum epónimo, George Harrison, publicado en 1979 con los singles "Blow Away", "Love Comes To Everyone" y "Faster". Tanto el álbum como el primer single alcanzaron el Top 20 en las listas de éxitos de Billboard.

1980-1990

En 1980, Harrison se convierte en el primer Beatle en escribir una autobiografía, titulada I Me Mine. El publicista de The Beatles Derek Taylor le ayudó en la ardua tarea de escribir el libro, publicado inicialmente por Genesis Publications. Si bien la biografía de Harrison cuenta algunas anécdotas de su etapa con los Beatles, se centra en su mayoría en los hobbies del artista, desde la jardinería hasta la Fórmula Uno.

Tras el asesinato de John Lennon el 8 de diciembre de 1980, Harrison sufrió una grave conmoción, debido en parte a su escaso contacto con Lennon y al enfado de éste por no verse mencionado en su autobiografía. La muerte de Lennon forzó a Harrison a rodearse de medidas de seguridad en su mansión de Friar Park, en Henley-on-Thames. Poco después, modificó la letra de "All Those Years Ago", canción que había compuesto en un principio para Ringo y que posteriormente sirvió de tributo a Lennon en su álbum Somewhere in England. Con Ringo Starr en la batería y con Paul y Linda McCartney en los coros, tanto el álbum como el single, publicados en 1981, recibieron buenas reseñas por parte de la crítica musical, alcanzando el puesto #2 en las listas de éxitos estadounidenses.

Tras la publicación en 1982 de Gone Troppo, George Harrison se vio apartado del mundo de la música un total de cinco años para dar prioridad a otras aficiones. Durante este tiempo, aparecería públicamente en el especial Carl Perkins and Friends, con Ringo Starr y Eric Clapton entre los invitados, y grabaría una canción para la banda sonora de "Porky's Revenge" y el tema "I Don't Want To Do It" de Bob Dylan. En 1987, regresaría con Cloud Nine, uno de sus álbumes más loados por la crítica, producido por Jeff Lynne, alcanzando su tercer número #1 en Estados Unidos con el single "Got My Mind Set On You". "When We Was Fab", un tema retrospectivo de su etapa con The Beatles, supuso también un notable éxito. El álbum alcanzó el puesto #8 en las listas de éxitos estadounidenses y el #10 en las británicas, dando a Harrison su mejor resultado desde Living in the Material World.

Durante la grabación del tema "Handle With Care" reuniría en el garaje de Bob Dylan a Tom Petty, Jeff Lynne y Roy Orbison. Lo que en un primer momento sería la cara B del single "This Is Love" acabaría convirtiéndose en la primera canción grabada por The Traveling Wilburys, al considerar la compañía discográfica que el tema era demasiado bueno para relegarlo a un segundo plano. El primer álbum del grupo, grabado en apenas dos semanas antes de que diera comienzo la gira de Bob Dylan, fue publicado en octubre de 1988 con el nombre de Traveling Wilburys Vol. 1 y con los nombres de los músicos ocultos tras seudónimos.

Uno de las empresas desarrolladas por Harrison durante la época fue la productora cinematográfica Handmade Films, poco después de que EMI Films rechazara el proyecto La vida de Brian, de los Monty Python. Handmade Films financió el proyecto, dando inicio a un listado de películas producidas por la compañía de Harrison entre las que figuran Mona Lisa, Time Bandits, Shanghai Surprise y Withnail and I. En algunas de ellas, Harrison llegó incluso a realizar cameos, como en el caso de "Shanghai Surprise" como cantante de un club nocturno, y caracterizado como Mr. Papadopolous en La vida de Brian. Uno de los cameos más memorables fue como reportero en la parodia de The Beatles The Rutles, creada por Eric Idle. Pese a todo, Handmade Films entraría en quiebra debido a la mala administración y a las demandas que aquejaron las finanzas de Harrison.

A comienzos de 1989, Harrison, Lynne y Starr participaron en la grabación del tema "I Won't Back Down", de Tom Petty, donde George toca la guitarra eléctrica. Ese mismo año tiene lugar la publicación del segundo recopilatorio de la carrera musical de Harrison, Best of Dark Horse 1976-1989, con los éxitos de su etapa bajo el sello Dark Horse Records. el álbum incluye dos temas grabados para la ocasión, "Poor Little Girl" y "Cockamamie Business", así como el tema de la banda sonora Lethal Weapon 2 "Cheer Down".

1990-2001

El primer año de la nueva década vería la luz el segundo álbum de Traveling Wilburys, Traveling Wilburys Vol. 3, a pesar del óbito de Roy Orbison en 1988. Como sustituto, el grupo había pensado en Del Shannon, pero en febrero de 1990 el músico se suicidaría, truncando los planes de los demás componentes.

En 1991, Harrison emprendió por Japón y junto a Eric Clapton su primera gira desde 1974, si bien aún tenía en mente el agrio recuerdo de aquel momento. Tras una docena de conciertos, en 1992 vería la luz el álbum Live in Japan, acreditado a George Harrison, Eric Clapton & Band. En octubre del mismo año, Harrison participaría en el concierto tributo a Bob Dylan en el Madison Square Garden de Nueva York interpretando tres canciones: If Not For You", "Absolutely Sweet Marie" y "My Back Pages".

Entre 1994 y 1996, emprendió junto a Paul McCartney y Ringo Starr el proyecto Anthology, incluyendo la grabación de dos nuevas canciones de The Beatles a partir de demos caseros de mediados de los 70 donde John Lennon tocaba el piano y cantaba. Asimismo, el proyecto incluía un recorrido visual por la carrera musical del grupo, con entrevistas a los tres miembros supervivientes. En 1996, grabaría y produciría junto a Carl Perkins el tema "Distance Makes No Difference With Love" para su álbum Go-Cat-Go.

La última aparición de Harrison en televisión tendría lugar en 1997 para la promoción de Chants of india, una colaboración junto a su amigo y músico hindú Ravi Shankar. En el programa, Harrison interpretó, después de que un miembro del público le pidiera una "canción de The Beatles" y el respondiera "'creo que no conozco ninguna", "All Things Must Pass" y la futura "Any Road", canción que aparecería en 2002 en su álbum póstumo Brainwashed.

En enero de 1998, Harrison asistiría al funeral de su ídolo de juventud, Carl Perkins, en Jackson, Tennessee, donde interpretó una versión de la canción "Your True Love" durante la ceremonia.

A mediados de los 90, y debido en parte a su condición de fumador, Harrison libró una batalla contra el cáncer, siendo eliminado en sucesivas operaciones primero de la boca y posteriormente del pulmón.

El 30 de diciembre de 1999, Harrison vivió una secuela del asesinato de John Lennon al sobrevivir a un ataque de navaja en su propia casa, propiciado por un intruso. Harrison y su mujer, Olivia, se enfrentaron al intruso y lo redujeron para posteriormente ser trasladado a dependencias policiales por la autoridad. Michael Abram, de 35 años, declaró que estaba poseído por el espíritu de Harrison y que era una misión concedida por Dios el matarle. Más tarde fue trasladado a un sanatorio mental. Tras el suceso, Harrison quedó relativamente traumatizado y limitó aún más sus apariciones públicas.

En 2001, Harrison apareció como invitado en el álbum Zoom de Electric Light Orchestra, tocó la guitarra slide en las canciones "Love Letters" para Bill Wyman & Rhythm Kings, remasterizó y restauró canciones de Traveling Wilburys y compuso una nueva canción, "Horse To The Water". La canción, que sería su última publicación en vida, fue grabada el 2 de octubre, dos meses antes de su muerte, y apareció en el álbum Small World, Big Band de Jools Holland.

Fallecimiento

El cáncer que sufría Harrison reapareció en 2001, siendo diagnosticado como metástasis. A pesar de los tratamientos agresivos, pronto descubrió que era terminal, decidiendo de inmediato pasar sus últimos días en familia y trabajar en algunos proyectos para posteriormente ser terminados por su viuda e hijo.

Harrison falleció en un hospital de Hollywood, Los Ángeles, el día 29 de noviembre de 2001 a la temprana edad de 58 años. Su muerte fue justificada por el cáncer de pulmón que padecía y que había hecho metástasis con el cerebro. Posteriormente fue cremado, y si bien algunos medios afirmaron que sus cenizas habían sido depositadas en el río Ganges, no ha habido ninguna declaración familiar que lo certifique.

Tras la muerte de Harrison, su familia emitió el siguiente comunicado: "Abandonó este mundo como vivió: consciente de Dios, sin miedo a la muerte y en paz, rodeado de familiares y amigos". En ocasiones Harrison decía: "Todo lo demás puede esperar, pero la búsqueda de Dios no; amaos los unos a los otros",como también decía : "Donde hay agujero, hay trinchera"

Harrison y Aaliyah hicieron historia en las listas de éxitos británicas al convertirse, hasta la fecha, en dos números uno consecutivos tras el fallecimiento del artista, con el tema "More than a Woman" de Aaliyah alcanzando el primer puesto el 13 de enero de 2002 y la reedición de "My Sweet Lord" alzándose hasta lo más alto de las listas el 20 de enero de 2002.

El álbum póstumo de George Harrison, Brainwashed, fue completado por su hijo Dhani Harrison y Jeff Lynne y publicado el 18 de noviembre de 2002, recibiendo positivas críticas y alcanzando el puesto #18 en las listas de álbumes de Billboard. El promo "Stuck Inside a Cloud", fue radiado con frecuencia en las emisoras americanas, mientras el primer single, "Any Road", publicado en mayo de 2003, alcanzó el puesto #37

Vida familiar

Harrison contrajo matrimonio con la modelo Pattie Boyd, a la que conoció en el rodaje de la película A Hard Day's Night, el 21 de enero de 1966 en el registro civil de Esher, con Paul McCartney como testigo. George le dedicó la canción "Something". A finales de los años 60, Eric Clapton se enamoró de Pattie, dejando patente su amor en la canción "Layla". Poco tiempo después, Pattie Boyd abandonó a Harrison para casarse con Eric Clapton; sin embargo, ambos siguieron manteniendo una fuerte amistad.

El 2 de septiembre de 1978, Harrison contrajo matrimonio por segunda vez con Olivia Trinidad Arias. Poco tiempo después, nacería su primer y único hijo, Dhani Harrison, que guarda tal parecido a su padre que sirvió a Paul McCartney de anécdota en el Concert for George, diciendo al público: "Olivia me dijo que en este escenario parece que George permaneció joven mientras todos nosotros envejecimos.", en referencia a Dhani.

Harrison era un gran admirador del grupo Monty Python, hasta tal punto que su productora cinematográfica Handmade Films fue fundada expresamente para dar financiación a la película de los Python La vida de Brian en la que el propio Harrison aparece fugazmente en una de las escenas de la parte final del film junto a John Cleese. Durante el rodaje, entabló una fuerte amistad con Eric Idle, miembro del grupo humorístico, que posteriormente realizaría la comedia All You Need Is Cash, en la que Harrison aparece como un reportero llamado Erik Manchester en una escena en la que se parodiaban los desmanes económicos que se produjeron en Apple, la compañía que fundó junto a sus tres compañeros de The Beatles. Idle apareció como invitado en el Concert for George, interpretando las canciones "The Lumberjack Song" y "Sit On My Face" junto al resto del grupo humorístico y al actor Tom Hanks.

Asimismo, Harrison se declaró un seguidor del grupo de rock en clave de humor Bonzo Dog Doo-Dah Band, que aparecieron en la película de The Beatles Magical Mystery Tour.

Uno de los principales hobbies de Harrison fue la Fórmula Uno. Antes incluso de ser músico, coleccionó fotos de pilotos y de sus monoplazas. En más de una ocasión tuvo acceso a los paddock del Gran Prix de Inglaterra en el Circuito de Silverstone, así como en otros circuitos. El tema "Faster", publicado en el álbum George Harrison, está dedicado a Jackie Stewart y a Niki Lauda. Asimismo, en The Beatles Anthology puede verse un póster del piloto brasileño de Fórmula 1 Ayrton Senna detrás de McCartney, Starr y Harrison mientras discuten acerca de algunos episodios de sus vidas.

Premios y reconocimiento

El 12 de junio de 1965, Harrison y el resto de The Beatles fueron reconocidos como Miembros de la Orden del Imperio Británico, recibiendo una insignia de manos de la Reina Isabel II en su investidura en el Palacio de Buckingham el 26 de octubre.

En 1970, The Beatles ganaron el Premio de la Academia del Cine por la mejor Canción Original del filme Let It Be. Cada Beatle recibió un Oscar

El asteroide 4149, descubierto el 9 de marzo de 1984 por B. A. Skiff en la Estación Anderson Mesa del Observatorio de Lowell, fue nombrado como tal en su honor.

Pocos días después de su fallecimiento, el epidosio de The Simpsons "A Hunka Hunka Burns in Love" fue dedicado en su memoria. Previamente, Harrison había aparecido como invitado en el episodio "Homer's Barbershop Quartet".

El 29 de noviembre de 2002, conmemorando el primer aniversario de su muerte, McCartney, Starr, Eric Clapton, Tom Petty and the Heartbreakers, Jeff Lynne, Billy Preston, Joe Brown, Jools Holland, Sam Brown, Olivia Harrison y Dhani Harrison participaron junto a otros músicos en el Concert for George, celebrado en el Royal Albert Hall de Londres. En él, McCartney tocó "Something" acompañado de un ukelele, contando como anécdota que cuando solía visitar a Harrison en su casa después de cenar, George solía sacar un ukelele y tocar alguna canción. Asimismo, McCartney, Clapton y Starr se reunieron por primera vez en la canción "While My Guitar Gently Weeps" desde que fue grabada en 1968. Los beneficios del concierto fueron cedidos a la organización The Material World Charitable Foundation que Harrison fundó en 1973.

En 2003, Harrison fue clasificado en el puesto #21 de la lista "Los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos" elaborada por la revista musical Rolling Stone.

El 15 de marzo de 2004, Harrison fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame por sus amigos y compañeros de la banda Traveling Wilburys Jeff Lynne y Tom Petty.

El legado musical y la vida de George Harrison fueron el tema principal de la revista Time en su publicación del 10 de diciembre de 2001, marcando la primera portada dedicada a una persona o a un tema en especial tras los atentados del 11-S.

El 1 de agosto de 2006, Harrison fue incluido en el Madison Square Garden Walk of Fame.

Recientemente, el 14 de abril de 2009 fue homenajeado póstumamente con una estrella en el Hollywood Walk of Fame, ubicada en frente del Edificio de Capitol Records. Al evento asistieron su viuda Olivia, su hijo Dhani, su ex-compañero de banda Paul McCartney, Jeff Lynne, Tom Hanks, entre otros.

EQUIPO MUSICAL

GUITARRAS

* Gretsch 6122 Chet Atkins Country Gentleman
* Rickenbacker 360-12 Fire-glo
* 1965 Rickenbacker 360-12
* Gretsch 6119 Tennessee Rose
* Epiphone E230TD Casino
* Gretsch Duo Jet
* Gibson J160E
* Gibson SG Standard
* Gibson Les Paul Standard
* Fender Telecaster
* Sonic Blue Fender Stratocaster
* Rickenbacker 425
* Fender Stratocaster

AMPLIFICADORES

Vox AC-100 Vox AC-30 Vox AC-50

Discografía

Sencillos

En solitario

* 1970 "My Sweet Lord" #1 GB (5 semanas), #1 US (4 semanas) RIAA: disco de oro
* 1970 "Isn't It a Pity" (sólo en Estados Unidos, editado como doble cara A de "My Sweet Lord")
* 1971 "What Is Life" #10 US (sólo en Estados Unidos, editado como cara B de "My Sweet Lord")
* 1971 "Bangla-Desh"/"Deep Blue" #10 GB, #23 US
* 1973 "Give Me Love (Give Me Peace On Earth)" #8 GB, #1 US
* 1974 "Ding Dong, Ding Dong" #38 GB, #36 US
* 1975 "Dark Horse" #15 US
* 1975 "You" #38 GB, #20 US
* 1975 "This Guitar (Can't Keep from Crying)"
* 1976 "This Song" #25 US
* 1977 "Crackerbox Palace" #19 US (sólo en Estados Unidos)
* 1977 "True Love" (sólo en el Reino Unido)
* 1977 "It's What You Value" (sólo en el Reino Unido)
* 1979 "Blow Away" #51 GB, #16 US
* 1979 "Love Comes to Everyone"
* 1979 "Faster" (sólo en el Reino Unido)
* 1981 "All Those Years Ago" #13 GB, #2 US
* 1981 "Teardrops" #101 US
* 1982 "Wake Up My Love" #53 US
* 1982 "I Really Love You" (sólo en Estados Unidos)
* 1985 "I Don't Want To Do It" (sólo en Estados Unidos)
* 1987 "Got My Mind Set On You" #2 GB, #1 US, #1 US Adult Contemporary, #4 US Mainstream Rock
* 1987 "When We Was Fab" #25 GB, #23 US, #10 US Adult Contemporary, #2 US Mainstream Rock
* 1988 "This Is Love" #55 GB, #20 US Adult Contemporary, #17 US Mainstream Rock
* 1989 "Cheer Down" #7 US Mainstream Rock
* 1989 "Poor Little Girl" (promo) #21 US Mainstream Rock
* 2002 "My Sweet Lord" (reedición) #1 GB, #94 US, #2 US Singles Sales, #1 Canadian Digital Singles
* 2002 "Stuck Inside a Cloud" (promo) #27 US Adult Contemporary
* 2003 "Any Road" #37 GB

Con The Traveling Wilburys

* 1988 "Handle With Care" #21 GB, #45 US, #30 US Adult Contemporary, #2 US Mainstream Rock, #71 US Digital Songs (2007), #21 US Singles Recurrents (2007), #28 Canadian Digital Singles (2007)
* 1989 "End of the Line" #52 GB, #63 US, #28 US Adult Contemporary, #2 US Mainstream Rock, #19 US Singles Recurrents (2007), #67 US Digital Songs (2007), #36 Canadian Digital Singles (2007)
* 1989 "Last Night" (promo) #5 US Mainstream Rock
* 1989 "Heading for the Light" (promo) #7 US Mainstream Rock
* 1990 "Nobody's Child" #44 GB
* 1990 "She's My Baby" #79 GB, #2 US Mainstream Rock
* 1990 "Wilbury Twist"
* 1991 "Inside Out" (promo) #16 US Mainstream Rock

Andrés Calamaro

2009-05-11T14:51:00.000-07:00

Andrés Calamaro Masel (Buenos Aires, 22 de agosto de 1961) es un músico, compositor, intérprete y productor argentino. Es considerado uno de los más grandes artistas del rock de Iberoamérica. Durante toda su carrera ha pertenecido a bandas de gran importancia como Los Abuelos de la Nada y Los Rodríguez. Artísta prolífico que ha compuesto varias de las canciones más importantes del rock en español.

Comienzos

Cuando Calamaro cumplió 8 años pidió de regalo un Bandoneón (parecido al acordeón), y más tarde un tambor, después de golpear los parches en casa de unos vecinos en el casco antiguo de Buenos Aires en el barrio antiguo de Once. A los 10 años, componía su primera canción "La chica del paraguas" y a los 13 y ya pasado el tiempo, se fue volcando a la guitarra eléctrica y al piano, el instrumento donde muestra mayor fluidez y versatilidad después de aprender a tocarlo junto a su maestro Oswaldo Calo.

Años después, pescando tiburones en Uruguay, Calamaro escuchó su primera oferta de trabajo, un grupo musical, que ya en sus horas bajas necesitaba un reemplazo en los teclados, y fue entonces cuando Calamaro salió a las carreteras por primera vez. Tejió su futuro propio, y fue a una audición para entrar en el grupo Raíces, al que fue recomendado por el mismo Sergio Makaroff, y entre los gritos del Mundial de fútbol, los tambores del candombé y luego de incluso haber actuado en un corto cinematográfico, dio sus primeros pasos en el Latin Jazz y fue detenido por la policía de la dictadura. Calamaro debutó oficialmente como músico con el disco de éste grupo: B.O.V. Dombe en el año de 1978, junto a ellos adquirió experiencia en vivo y una sencilla pero importante presencia en la escena rockera de aquellos tiempos, donde conseguiría relacionarse con personajes influyentes con los que compartiría éxito y talento posteriormente.

Durante su juventud y habiendo tenido ya experiencia como tecladista, cursó durante poco tiempo su carrera en Derecho para finalmente dedicarse de lleno a la música. Probó suerte con la "Chorizo Colorado Blues Band" que formó con su amigo Augusto "Gringui" Herrera siguiendo después con una agrupación que seguía la linea de The Platters, inclinado un poco por el rock, para así definirse de nuevo junto a Gringui en lo que sería su proyecto "Elmer's Band" al que se sumaba Eduardo Cano (Posterior Bajista de Los Twist).

Tocó como músico de sesión para artistas muy variados como los hermanos Makaroff y Julián Petrina, perteneció a la banda progresiva llamada "Trigénimo" e hizo presencia incluso con integrantes de una secta religiosa, y allá donde pudiera sentarse a hacer sonar un teclado. Poco a poco, el joven Andrés se formó íntegramente en un ámbito social muy artístico y fue estructurando su gran personalidad y apertura musical. Héctor Zeta Bosio lo invitó a unirse a una banda local llamada The Morgan, que se transformó posteriormente en Proyecto Erekto cuando se sumó a ellos Gustavo Cerati y que, finalmente, se convertiría tiempo después en lo que se conocería como Soda Stereo, ya sin la presencia de Calamaro, en pleno inicio de la década de los ochenta.

Sin embargo, y gracias a la ayuda de su amigo Alejandro Lerner y de Pipo Lernoud, quienes lo recomendaron como teclista, en los primeros meses del año 1981, Calamaro recibió la llamada que cambiaría su destino: era Miguel Abuelo recién llegado de la isla de Ibiza.

Los Abuelos de la Nada y su Carrera Solista

Con Miguel Abuelo, se formaría la nueva alineación de Los Abuelos de la Nada, en la cual encontró su lugar, tan deseado, en el olimpo criollo del rock argentino; eran los primeros años ochenta. Los Abuelos era un combinado de poesía, funky, carretera y armonías, formado por seis músicos de curtido talento y personalidad, entre los cuales estaban el productor y bajista Cachorro López, el cantor de tangos y saxofonista Daniel Melingo, el gran guitarrista de La Máquina de Hacer Pájaros Gustavo Bazterrica, el baterista Polo Corbella y, desde luego, el gran pionero del rock argentino Miguel Abuelo. Mientras militaba en la banda de Miguel Abuelo, Calamaro tuvo la oportunidad de pertenecer a la banda soporte de Charly García, quien había producido ya a Los Abuelos de la Nada y se había fijado en ellos para sus presentaciones en vivo.

Miguel Abuelo consiguió la confianza suficiente para que Calamaro realizara sus propias canciones y las cantara, y fue así como en muy poco tiempo logró gran popularidad como compositor. En 1982 sale a la venta el primer disco de Los Abuelos de la Nada, con el cual despiertan toda la atención de la escena rockera de aquel tiempo por el sencillo "Sin gamulán" compuesto por Andrés y un año más tarde, sucedería lo mismo con el sencillo "Mil horas", de su disco 'Vasos y Besos'. Mientras tocaba con esta banda, participaría en la musicalización de la obra "Tango Salsa" de Roberto Granados, lo que lo impulsó a componer cada vez más temas propios, de los cuales algunos eran compartidos con su siempre amigo Augusto "Gringui" Herrera, con lo que para el año de 1984 y aún sin publicar el tercer álbum de estudio de Los Abuelos de la Nada, lanzaría su primer disco solista Hotel Calamaro producido por Charly García. Al mismo tiempo, abandonaría su acompañamiento en la banda soporte de García debido a sus compromisos con Los Abuelos de la Nada, aquel puesto no quedaría vacío por mucho tiempo pues en cuestión de días llegaría su reemplazo, el rosarino Fito Páez. En 1984 saldría a la venta el último disco de estudio firmado por Andrés Calamaro con Los Abuelos de la Nada, Himno de mi Corazón, que fue al igual que los anteriores un éxito rotundo.

Durante estos años Andrés formaría la "Ray Milland Band", agrupación formada por él junto a Daniel Melingo, Pipo Cipolatti (con quien ya había tenido experiencias musicales en una fortuita banda llamada Los Almirantes), Miguel Zavaleta, Camilo Iezzi, Charly García, Pedro Aznar, entre otros, cuando fue grabado el primer disco de Los Twist, La dicha en movimiento en el que Andrés estaba participando como teclista invitado. Cabe destacar que junto a sus amigos más cercanos Andrés solía, en sus domésticos estudios de grabación, formar bandas de incluso un solo día de duración como la poco conocida "Zoilo Goes to Rancho" que formaría también con Melingo y Cipolatti.

En 1985 graba junto a Los Abuelos de la Nada, un material En Vivo que supuso el fin de su carrera junto a esta banda. Aún con el eterno liderazgo de Miguel Abuelo, esta agrupación nunca volvería a ser la misma, pues sin Calamaro el público disminuyó completamente. Un poco después y ya desligado de su anterior banda, Calamaro publica un disco algo más personal, experimental, titulado Vida cruel, en 1985, para el disco se reunió una banda llena de talento con nombres importantes de la escena argentina, además de participaciónes muy importantes. Richard Coleman, Luis Alberto Spinetta y Charly García fueron algunos, pero el éxito que Calamaro había conseguido en Los Abuelos no regresó.

Inicia entonces su trabajo como productor de bandas como Los Fabulosos Cadillacs y Enanitos Verdes, además durante esta época participó como bajista y teclista invitado de Luis Alberto Spinetta, en su disco "Privé", y regaló algunas de sus canciones a artistas de la talla de Nito Mestre, Monica Posse y María Rosa Yorio, que las grabarían en sus discos.

Conduciendo su propio programa de radio ("Bienvenidos al Hotel"), conoce a Ariel Rot y conforman una sociedad musical para grabar, entonces, dos discos solitarios de Calamaro y salir a las carreteras de Argentina. Esta vez se desinteresan por seguir los cánones musicales de la época y se dedican a su pasión: el rock and roll. Junto con grandes músicos y en colaboración estrecha con algunas personalidades salen a la venta en 1988 y 1989 respectivamente los discos "Por mirarte" y "Nadie sale vivo de aquí" con los que Calamaro demuestra su independencia y madurez musical, llenos de grandes cosas tanto musical como líricamente, aunque el éxito era mínimo apenas con algunos sencillos como "Cartas sin marcar". De nuevo Calamaro salía con su banda, a realizar una gira, y es del material de uno de sus conciertos que saldría entonces en 1994 un disco titulado "Live in Ayacucho '88".Por aquellos días sería productor una vez más, en aquella ocasión, de la banda chilena UPA.

Cabe resaltar que su álbum Nadie sale vivo de aquí recibió exelentes críticas por parte de la prensa especializada, tanto que fue escogido como el mejor disco de aquel año (1989). En el año 2007 sería ubicado en el puesto 60 por 180 músicos y periodistas musicales en lo que serían Los 100 mejores álbumes del rock argentino según Rolling Stone.,un puesto más arriba que el aclamado trabajo en conjunto de Spinetta/Fito Páez titulado "La La La". Lo que no llegaba era el reconocimiento masivo y económico.

Calamaro y Rot deciden entonces intentarlo en España en 1990 y refundarse como Los Rodríguez, con el recordado Julián Infante, el igualmente querido Guillermo Martín, y un baterista llamado Germán Vilella, pues la situación en Argentina no era nada favorable.

España: Los Rodríguez

En la primavera de 1990 decidió partir a España, donde se juntó con Ariel Rot y Julián Infante, dos integrantes del grupo Tequila, para llevar a cabo un nuevo proyecto musical bautizado como Los Rodríguez, palabra que tenía un significado español que lo sorprendía (se llama rodríguez al hombre que sigue trabajando mientras la mujer se va de vacaciones con los hijos, esto le da libertad para hacer cosas que no puede el resto del año). Luego de varios años como solista, Calamaro volvía a formar una banda que terminaba su formación con Germán Villela en batería y Daniel Zamora en el bajo. La banda editó tres álbumes en estudio (Buena suerte, Sin documentos y Palabras más, palabras menos) y uno en directo (Disco pirata). Cabe resaltar que la imagen del grupo era muy sólida, pero Calamaro siempre llevó la batuta de lo que fue el éxito de Los Rodríguez, pues durante la primera década de los noventa logró fortalecer su historia musical como gran exponente del rock argentino y elevarse como un letrista y músico exquisito junto a esta banda, que finalmente fue la que le dio su merecido puesto en las grandes ligas del rock en nuestro idioma.

Buena suerte (1991) tuvo mucho éxito en Buenos Aires. Este álbum contenía el tema "Mi enfermedad", considerado un clásico del rock que a su vez dio la apertura radial a Los Rodríguez en muchos países de Sudamérica. Luego de Buena suerte, llegó el segundo CD, Disco pirata donde se encontraban presentaciones en vivo, colaboraciones con Fito Páez e incluso un cover de Sui Generis de la canción “Mr. Jones”.

El tercer disco llamado Sin documentos sale a la venta en 1993 y junto a él vendrían dos de las canciones más importantes de la banda: "Dulce condena" y "Sin documentos", esta última es una canción que se la podría considerar el éxito más grande que compuso Calamaro. La combinación de la melodía, la letra y la rítmica la hacen sencillamente espectacular.

El cuarto disco, Palabras más, palabras menos (1995), fue el mayor éxito de la banda. Los llevó en varias giras por España y Sudamérica y los colocó en la cima del rock en español, siempre buscando una nueva estética e incorporando sonidos distintos al rock como el flamenco y la rumba. Dentro de este disco se encontraba la canción "Mucho mejor", una de las más populares de la banda. Además también contenía otro compuesto por Joaquín Sabina y Calamaro, "Todavía una canción de amor". Entre otras se puede encontrar la canción "Para no olvidar", otro de los clásicos de la banda, una canción con estilo flamenco y letra bien calamarense. "La milonga del marinero y el capitán", "Aquí no podemos hacerlo" (con ritmo reggae) y "10 años después" son otras de las muy buenas canciones que hicieron de ese CD uno de los más importantes del rock español.

Andrés Calamaro no podía contener su capacidad creativa, y al mismo tiempo que tocaba con Los Rodríguez seguía componiendo. Es así como editó los dos volúmenes de la serie Grabaciones encontradas, que incluyen, tal como refleja su título, grabaciones encontradas en baúles, muebles de la casa de sus padres y temas en los cuales el músico es acompañado por personajes como Luca Prodan, vocalista de Sumo, o Daniel Melingo. La grabación con Luca Prodan, (La canción "Años" de Pablo Milanés) es considerada histórica en la Argentina.

Las canciones de estos dos volúmenes fueron compuestas durante 10 años, (1984-1994), y fueron desechadas alguna vez por Andrés. La experimentación ronda por los dos discos, en los cuales Andrés muestra su inquetud artística con producciones en distintos estilos, y tocando a la vez guitarras y pianos. Tres de las canciones más importantes y que han sido tocadas en vivo por Calamaro son: "Lou Bizarro", "No se puede Vivir del Amor" y "Buena Suerte y Hasta Luego".

En este par de discos se guardaba casi una década de experimentaciones instrumentales que fortalecían más la imagen de un gran artista lleno de capacidad creativa. Estos saldrían a la venta en 1993 y 1996 respectivamente. Cabe resaltar también la participación que tendría Calamaro en la banda sonora de la película Caballos salvajes en 1995, haciéndose cargo de parte de la música, y dejando su marca personal con la canción "Algún lugar encontraré".

La actividad con Los Rodríguez continuaba a un ritmo feroz, pero los problemas se empezaban a notar. Hicieron Palabras más, palabras menos en 1995 y un año después la agrupación decidió separarse, habían diferencias artísticas notables entre Andrés y el resto del grupo, éste tenía el liderazgo compositivo de la banda y finalmente decidieron separarse. Se realizó una recopilación de sus mejores temas, algunos grabados en estudios y otros en vivo. Este álbum recopilatorio se denominó Hasta luego, disco que consolidó la banda en lo que a ventas se refiere y que los llevó a realizar una gira española junto a Joaquín Sabina. En 2002 un nuevo recopilatorio saldría a la venta, titulado Para no olvidar, en el que se encuentran algunos inéditos temas de la banda.

Su última polémica aparición aún estando con Los Rodríguez fue la que mantuvo con el argentino Charly García , con quien después de haber entablado amistad durante más de 15 años, formó una fuerte y latente pelea que los alejó, algunos dicen porque Charly García le quitó a Andrés a su esposa, otros que fue por cuestiones fundamentalmente artísticas.

De nuevo en solitario

Ya en 1997, cuando la exitosa etapa junto a Los Rodríguez había concluido, Calamaro emprendió un nuevo proyecto que lo llevaría a Estados Unidos. En este país grabó, junto a músicos de sesión, los temas de su nuevo trabajo como solista, que se tituló Alta suciedad e incluía canciones como "Flaca", "Media Verónica", "Crímenes perfectos", o "Loco", cuya polémica letra expresaba: “Voy a salir a caminar solito, sentarme en un parque a fumar un porrito(...)”; . El disco superó las 500.000 copias vendidas en todo el mundo (el segundo disco más vendido del rock argentino justo después de El amor después del amor de Fito Páez que alcanzó las 750.000 copias vendidas) y llevó al músico a realizar gran cantidad de recitales, en los cuales compartió el escenario con músicos como en grande ,Fito Páez y Joaquín Sabina, entre otros. Este regreso post-Rodríguez fue perfecto y diez años después (2007) Alta suciedad sería ubicado en el décimo puesto por 180 músicos y periodistas musicales en lo que serían Los 100 mejores álbumes del rock argentino según Rolling Stone.

Durante la gira del disco en un recital en La Plata, Calamaro dijo en público: "Es una linda noche para fumar un porrito", lo que arrancaría para él una complicada acción judicial, que no terminaría hasta ser absuelto del cargo de preconización del consumo de drogas en abril del 2005. Justo después de este disco Calamaro lanzaría Las otras caras de alta suciedad Inéditos + rarezas + canciones donde se encontraban los lados B de la época de producción de Alta suciedad. Durante el año 1997 Calamaro participa en el EP de su antigua banda Raíces titulado Ey Bo Road en la canción “Candombe de las esquinas”.

Con su veloz ritmo de composición, en un lapso de seis meses, entre fines de 1998 y mediados de 1999, más de 100 canciones estaban listas para ser editadas, pero por problemas de espacio sólo se editaron 37 de ellas. Fue así como nació Honestidad brutal, hasta ese momento el disco más largo de la historia del rock argentino y, para algunos críticos, el mejor trabajo de Calamaro. El disco incluye grandes temas de diferentes estilos musicales, siendo un gran ejemplo de versatilidad musical y lírica de este artista. Honestidad brutales el disco que conforma a Calamaro en lo más alto de la escena musical; Honestidad brutal es además, un disco complicado por la situación vital de excesos en que se veía rodeado. En la misma lista Rolling Stone, donde más de 150 músicos escogieron los 100 discos más importantes del rock argentino, Honestidad Brutal ocuparía el puesto 30.

En el año 1999 Andrés Calamaro fue el encargado de abrir los doce conciertos que Bob Dylan realizó durante su gira española llevada a cabo a la vez que la edición del doble álbum en directo The Bootleg Series, Vol. 4: Live 1966. The "Royal Albert Hall" Concert un aclamado disco que durante años fue producido de forma pirata grabado durante su gira de 1966. Un espectáculo acústico y acompañado por dos de sus músicos habituales: Guillermo Martín y Candy Caramelo, donde repasaba algunos éxitos de los Rodríguez, y de su carrera en solitario. No cobró nada y colaboró así con una de sus máximas inspiraciones musicales.

El año 2000, después de hacer una selección de 300 temas, de 500 que graba, el artista viajó a España con sus músicos (Ciro Fogliata, Guillermo Martín, Candy Caramelo, Gringui Herrera, el "Niño Bruno" y el guitarrista Coti Sorokin) y grabó las 103 canciones que fueron presentadas en El salmón, un álbum histórico para la industria musical por contener cinco CD.

Los temas del Salmón tratan del amor perdido y de la vida contracorriente. Todo el álbum transpira una agria melancolía. Muchas canciones tienen un tono de despedida. Incluso en "Tuyo siempre" parece anunciar su retirada temporal de los escenarios. Curiosamente, ya avisa de su futuro regreso en ¿Nos volveremos a ver?. Al disco fue casi imposible hacerle una crítica, ya que era demasiado largo y complejo. Pocos se atrevieron, gracias a ese trabajo se ganó el apodo de "El salmón", como es apodado hoy en día. Aunque el disco es arriesgado y no compromete tanto la visión musical que venía de Honestidad brutal, sí es un trabajo lleno de mucho texto, líricas y madurez.

El músico pasó cuatro años sin editar material alguno. El vacío comercial se llenó con participaciones esporádicas, que incluyeron hits como “Para siempre” junto a Los Ratones Paranoicos, “Nada fue un error” con Coti, o “Moneda corriente” con Estelares. A partir de su trabajo en El salmón, Calamaro se manifestó a favor de la libre circulación de canciones por la red. "La música es de los que la quieren escuchar y de nadie más", afirmaba hasta el hartazgo el compositor. Es así como en un lapso de tres años y rodeado de excesos llegó a componer centenares de canciones, las cuales aunque muy sencillas representaban la calidad lírica e inteligencia musical inmediata del artista. Poco a poco estas canciones se fueron conociendo, aunque de ellas solo salieron a la luz pública no más de 50.

Para apoyar con la acción esta filosofía comenzó a brindar a sus fanáticos con páginas en Internet el material que él producía en estudio doméstico. Estas canciones aparecieron primero en Deepcamboya, un sitio bautizado con el nombre del estudio en donde el artista pasa horas escribiendo canciones. Los materiales colgados en la red eran de baja calidad sonora, por lo cual un grupo de seguidores (Camisetas para todos) se encargó de remasterizar el material y, con el permiso de Calamaro, dejarlo disponible gratuitamente en Internet. Para asegurar la calidad total de sus grabaciones, Andrés Calamaro fundó Radio Salmón Vaticano, iniciando así una suerte de ciberestudio de grabación en su sitio web oficial. No obstante, su ausencia en las tiendas de discos se hacía cada vez más notoria.

Algunos de sus temas pertenecieron a la banda sonora de la película El delantal de Lili donde en la versatilidad instrumental se ve a un Calamaro con experiencia y creatividad. Cabe resaltar que durante toda su historia ha participado en algunas otras bandas sonoras y colaboraciones con decenas de artistas, que o bien son incontables y probablemente difíciles de organizar totalmente, o bien nunca salieron a la luz pública como él mismo afirmaría cuando confesó haber eliminado todas las canciones suyas que conformaban la banda sonora de la película "Vivir a los 17".

En febrero de 2004 editó el álbum El cantante, un disco de versiones de boleros y temas del cancionero latinoamericano. Además, Calamaro agrega tres temas que estuvieron de algún modo circulando por la web: “Estadio Azteca”, “La libertad” y “Las oportunidades”. Este disco fue producido por Javier Limón y grabado en su estudio. Además cuenta con la participación de músicos del calibre de Niño Josele y Jerry González.

Luego de idas y venidas entre Madrid y Buenos Aires, se reencuentra con sus viejos amigos de Bersuit Vergarabat y, tras acompañarlos en el cierre de su gira a finales de 2004, se unen a ensayar parte del repertorio de Calamaro, habían convencido al salmón de forjar su regreso.

En 2005, el cantante argentino regresa al escenario. El 11 de febrero se presenta, secundado por Bersuit Vergarabat, en el festival Siempre Rock, llevado a cabo en Cosquin, provincia de Córdoba. La emoción transmitida por el público obligó a que Calamaro se subiera de nuevo a un escenario, pero esta vez en Buenos Aires.

Los días 18, 19 y 20 de abril, Calamaro pisaba el estadio Luna Park. Lo acompañaron en esas noches músicos tales como Juanjo Domínguez (con quien interpretó los tangos "Como dos extraños" y "Por una cabeza"), Juanse (líder de Los Ratones Paranoicos, con el que rindió homenaje al fallecido Norberto Napolitano, Pappo, en las canciones "Desconfío" y "Tren de las 16"), Andrés Ciro Martínez (líder de Los Piojos, que aportó la armónica y su voz a canciones como "Alta suciedad") y, por último, su hermano Javier Calamaro, interpretó con el "No me nombres". El día 20, Gustavo Cordera reemplazó al ausente Juanjo Domínguez e interpretaron "Estadio Azteca", "Mi tierra" de Litto Nebbia y el clásico de Bersuit "Mi caramelo". Uno de estos conciertos se convirtió en el disco "El regreso" (que sirvió al artista argentino para terminar su contrato con la discográfica DRO).

Como colaboraciones de esta época, Andrés Calamaro compartió escenario con Vicentico (en canciones como "Vasos vacíos", "El cantante" o "Algo contigo") y Kevin Johansen (interpretando a dúo el clásico de The Beatles "We Can Work It Out"). Además, cabe mencionar su participación en la vuelta de Los Gatos, poniendo su voz en las canciones "Solo se trata de vivir" y "Mi tierra".

El 17 de diciembre de 2005 Calamaro, por entonces sentimentalmente ligado a la actriz Julieta Cardinali, se presentó en el estadio Obras Sanitarias de Buenos Aires ante más de 22.000 espectadores. Dicho concierto lleno de temas exitosos durante su carrera se convirtió en el DVD Made In Argentina. Ese mismo año se empezó a preparar un disco tributo al artista argentino.

El 22 de mayo de 2006 salió a la venta el disco Tinta roja, compuesto por diez tangos, producido por Javier Limón y que cuenta con la colaboración del guitarrista español El Niño Josele. En su gira, lo acompañarián el Niño Josele, que también lo hizo en la gira de El cantante, y el argentino Juanjo Domínguez. Andrés Calamaro triunfó en la entrega de los Premios Gardel, una ceremonia realizada en el teatro Gran Rex de Buenos Aires. Obtuvo el Gardel de Oro y tres distinciones por su disco El regreso. Además, consiguió el premio a la mejor interpretación del año por "Tuyo siempre", al mejor álbum de artista masculino de rock y al mejor diseño de portada, creado por Zona de Obras. Durante dicha ceremonia, Charly García arrojó un sombrero que llevaba puesto a las manos de Calamaro al final de su presentación, lo que abrió las puertas a una posible reconciliación de los músicos después de varios intentos fallidos durante 1998 y 1999.

Este mismo año, se lanzaría finalmente el tributo al artista, Calamaro querido! Cantando al salmón. El elenco de este disco homenaje, incluye a buena parte de los históricos del rock argentino como León Gieco, Litto Nebbia, Pedro Aznar, Fabiana Cantilo y Fito Páez, grupos como Los Fabulosos Cadillacs, Los Pericos y Los Auténticos Decadentes, y de otras latitudes Joaquín Sabina, Niña Pastori, Julieta Venegas, pasando por algunos nuevos talentos como el catalán Muchachito Bombo Infierno, dos personalidades que quedaron fuera por cuestiones de última organización fueron el argentino Gustavo Cerati y el español Alejandro Sanz.

Desde mayo de 2006, Calamaro se propuso premiar a los más nostálgicos realizando varios conciertos junto a su compañero Ariel Rot, entregando a ellos varias presentaciones (con llenos totales) e interpretando canciones de los Rodríguez, muy pocas veces escuchadas. Durante el año 2006 sale a la venta el disco El palacio de las flores, el cual graba junto a la banda soporte de Litto Nebia, "La Luz". La mayor parte del material es compuesto íntegramente por Andrés, sin embargo se ven colaboraciones del mismo Nebia y de Vicentico.

Durante el 2007 Andrés es reconocido como la personalidad del año en Argentina, en una ceremonia tributo en la cual se destacaron las presentaciones de Fito Páez (en una genial interpretación de la canción "Flaca") y a la cual asistió sin ningun problema el músico Charly García, y estuvieron también Fabiana Cantilo, Nito Mestre y Gustavo Cerati.

En septiembre de este año sale a la venta "La lengua popular",el 11 de septiembre, quizás el disco más comercial del artista hasta la fecha. Esta producción transpira un nuevo aire en el músico, muestra de su situación sentimental y su condición de padre por primer vez.El primer sencillo del LP, "Cinco minutos más (minibar)" rompe de nuevo con el Calamaro al que estamos acostumbrados, con unos ritmos influenciados por Cachorro López, productor del disco. El segundo single elegido de este CD es “Carnaval de Brasil”. El disco vuelve a la sencillez de lo más popular del artista alejándose de la experimentación y la eclecticidad musical pero lleno de madurez y experiencia, dignas de un artista de larga trayectoria musical. Su gira del álbum La lengua popular empieza en Santiago de Chile el día 9 de diciembre de 2007 ante 10.000 espectadores. Posteriormente continuó en las ciudades de Córdoba y Buenos Aires, en esta última congregando a 60.000 espectadores en dos presentaciones en el Club Ciudad de Buenos Aires. . En este período sale a la venta el DVD "Dos son multitud" sacado de la gira que Andrés hizo con Fito y los Fitipaldis durante el 2007.

En el año 2008 “El Salmón” se reúne con su vieja banda Raíces, 30 años después de su primer producción, para lanzar un nuevo disco con versiones de aquel clásico “B.O.V. Dombe” como algunos temas nuevos, entre ellos se incluyen dos temas inéditos del repertorio que Calamaro grabaria después del salmon en su estudio casero. (De las dos orillas y mancada en la pampa). En marzo de ese año, Andrés Calamaro ganó por segunda vez el premio Carlos Gardel de oro, además de quedarse con otros cinco gardeles en los rubros: artista de rock, diseño de portada, canción del año, videoclip y álbum del año, todos por su disco La lengua popular.

La gira de 'La Lengua Popular' continuó en varias ciudades de España y Argentina, sus primeras presentaciones en Colombia en Cali, Medellín y en el parque Simón Bolívar de Bogotá, dónde reunió 35.000 fanáticos que lo habían esperado toda la vida y que corearon los tangos como si llevaran sangre argentina, el Salmón retribuyó el afecto a sus raíces interpretando por única vez en la gira 'La Copa Rota', canción original del bolerista colombiano Alci Acosta y que se hiciera famosa con Los Rodríguez. Luego siguieron México y Ecuador, donde el salmón brindó un espectaculo impresionante que conmovio a todos sus fans que lo habían esperado toda una vida y que colmaron todos los recintos donde se presentó. También se daría su vuelta a Perú y Paraguay (diez años después en ambos casos) luego de mucha espera, cerrando así los conciertos del 2008 en Asunción ante más de 20.000 espectadores en una sola función.

En enero del año 2009, y a raíz de la celebración de los 10 años de la revista "efe eme", Andrés Calamaro ofrecería el disco inédito "Nada se Pierde", cargado de temas desconocidos hasta la fecha. Entre las canciones incluídas figuran inéditos Post-Salmón (2000-2003), versiones de artistas como Bob Marley, Sumo, Moris, y Luis Alberto Spinetta (Con la canción "Bajan" todo un clásico del rock argentino), una grabación encontrada de la gira Honestidad Brutal interpretando la canción I can´t help falling in love...( famosa por Elvis Presley, Bob Dylan y UB40) y finalmente dos canciones en directo extraídas de su gira La Lengua Popular, los Tangos "Los mareados" y "Jugar con Fuego" (de su autoría). Las descargas del disco superarían las 41,000 y muchos de sus seguidores han calificado esta producción como el Volúmen 3 de sus grabaciones encontradas.

En la edición de 2009 de los Grammy Latinos, Calamaro fue reconocido con el premio a Mejor álbum rock vocal,[2] por su disco "La lengua popular".

En medio de la gira, y el momento artístico ideal de Andrés Calamaro, se daría a conocer el lanzamiento de la primera Antología del músico titulada "Andrés (Antología)". En ella se incluyen las mejores canciones de sus últimos 10 años de vida artística, una selección de versiones de otros músicos como también la grabación de 36 temas inéditos de la época post-salmón escogidos por el mismo Calamaro para la ocasión. El Box-Set se compone de 6 CD's (3 de éxitos y 3 inéditos y conciertos) y 2 DVD's.

Influencia

Su influencia con el paso del tiempo ha sido innegable. Ha compuesto decenas de hits con los que ha sido reconocido en el mundo musical, pero además de eso ha logrado trascendencia con discos que van de lo simple a lo complejo de manera versátil y coherente. Su estilo es ecléctico y en su música podemos encontrar rasgos de puro rock n' roll pasando por el folk, funk, tango, blues, jazz, reggae, bossa nova y hasta incluso hip-hop. Sus discursos y frases célebres le han dado státus de poeta, algo con lo que muchos no estan de acuerdo. Incluso, cultores radicales lo acusan de que lo suyo, no es en absoluto rock (algo similar acontece con Fito Páez, Nito Mestre, Litto Nebbia, Raúl Porchetto, Juan Carlos Baglietto, Silvina Garré, Lito Vitale y Alejandro Lerner). Sin embargo es un artista totalmente flexible que en sus conciertos ha mezclado el más puro rock n' roll con diversos géneros.

Por otro lado está que de entre sus canciones más conocidas y que más veces toca en sus recitales, como es el caso de "Media Verónica", "Crímenes perfectos" o "Paloma", ninguna de ellas fue en su día sencillo comercial. Finalmente es considerado con algunos cuantos más, como unos de los mejores cantantes solistas del influyente rock argentino, y muchas bandas y cantautores tienen bajo sí mismos una influencia radical de Andrés Calamaro en su música.

Discografía oficial

Disco ↓ Banda ↓ Año ↓ Notas ↓

B.O.V Dombe Raíces 1978
Mundos In Mundos Los Abuelos de la Nada 1981 (Simple)
Guindilla Ardiente Los Abuelos de la Nada 1981 (Simple)
Los abuelos de la Nada Los Abuelos de la Nada 1982
Vasos y Besos Los Abuelos de la Nada 1983
Himno de mi Corazón Los Abuelos de la Nada 1984
En directo desde el Ópera Los Abuelos de la Nada 1985 En Vivo
Buena suerte Los Rodríguez 1991
Disco pirata Los Rodríguez 1992 En Vivo
Sin documentos Los Rodríguez 1993
Los Abuelos de la Nada 1 Los Abuelos de la Nada 1994 Recopilatorio
B.S.O Caballos Salvajes Solista 1995 Banda Sonora compuesta junto a G. Piccolini.
Los Abuelos de la Nada 2 Los Abuelos de la Nada 1995 Recopilatorio
Palabras más, palabras menos Los Rodríguez 1995
Hasta luego Los Rodríguez 1996 Recopilatorio
Lo mejor de Andrés Calamaro Solista 2001 Recopilatorio
Para no olvidar Los Rodríguez 2002 Recopilatorio
1982-1987: Himnos del corazón Los Abuelos de la Nada 2004 Recopilatorio
Dos son multitud Solista 2007 En Vivo, junto a Fito y Fitipaldis
Raíces 30 Años Raíces 2008

Solista

- Hotel Calamaro 1984
- Vida Cruel 1985
- Por Mirarte 1988
- Nadie sale vivo de aquí 1989
- Live in Ayacucho '88 1994
- Grabaciones encontradas vol. 1 1994
- Grabaciones encontradas vol. 2 1996
- Alta Suciedad 1997
- Inéditos + rarezas + canciones 1998 Lados B. Alta Suciedad
- Honestidad Brutal 1999
- El salmón 2000
- El cantante 2004
- El regreso 2005 En Vivo
- Made in Argentina (DVD) + Made in Spain (CD) 2006
- Tinta roja 2006
- El palacio de las flores 2006 Disco solista grabado junto a Litto Nebia
- La lengua popular 2007
- Obras Incompletas 2009 Antología de 6 cd's

Homenajes

Calamaro querido! Cantando al salmón 1 (2006)
Calamaro querido! Cantando al salmón 2 (2006)

Colaboraciones

El tema "Jingle Cola Sola" de Miki Gonzalez del album Puedes Ser Tú (1986) incluye a Calamaro en la voz, teclados y guitarra. Escrito por Gonzalez y Calamaro.

DVD

Imagenes paganas (2009)
Made In Argentina (2005)
Dos son multitud (junto a Fito & Fitipaldis) (2008)
En vivo en el gran Rex (1994)

-

Sitio Oficial: http://www.calamaro.com/

Earth, Wind & Fire

2009-04-17T19:34:00.000-07:00

Earth, Wind & Fire (esp. Tierra, Viento y Fuego), conocidos también como EWF; es un grupo musical estadounidense, formado en Chicago, Illinois, en 1969, fundado por Maurice White. Utiliza varios géneros de música, una fusión de Música disco, funk con el jazz, soul, gospel, pop, blues, psicodelia, folk, música africana y del rock and roll. Durante su carrera han recibido 20 nominaciones al Grammy, ganando 6 premios. El día Miercoles 20 de febrero del 2008 se presentaron en el Festival de Viña del Mar, obteniendo antorcha de plata, antorcha de oro y gaviota de plata.

Discografía

Hechos en un Estudio

Año Álbum U.S. U.S. R&B UK Información Adicional

1970 Earth, Wind and Fire 172 24 - Primer Álbum
1971 The Need of Love 89 35 -
1972 Last Days and Time 87 15 -
1973 Head to the Sky 27 2 - RIAA: Disco de Platino
1974 Open Our Eyes 15 1 - RIAA: Disco de Platino
1974 Another Time 97 - - -
1975 That's the Way of the World 1 1 - RIAA: 3 Discos de Platino. Se hizo otra edición en el 2005.
1976 Spirit 2 2 - RIAA: 2 Discos de Platino.
1977 All 'N All 3 1 13 RIAA: 3 Discos de Platino.
1979 I Am 3 1 5 RIAA: 2 Discos de Platino.
1980 Faces 10 2 10 RIAA: 2 Discos de Platino.
1981 Raise! 5 1 14 RIAA: Disco de Platino.
1983 Powerlight 12 4 22 RIAA: Disco de Oro.
1983 Electric Universe 40 8 -
1987 Touch the World 33 3 - RIAA: Disco de Oro.
1990 Heritage 70 - -
1993 Millennium 39 1 -
1997 In the Name of Love - 50 -
2003 The Promise 89 19 -
2005 Illumination 32 8 -

En vivo, sólo hits

Año Álbum U.S. U.S. R&B UK Información Adicional

1975 Gratitude 1 1 - Sólo Hits, RIAA: 3 Discos de Platino.
1978 The Best of Earth, Wind & Fire, Vol. 1 6 3 6 Sólo Hits, RIAA: 5 Discos de Platino.
1986 The Collection - 24 Essential Hits - - 5 Sólo Hits, Lanzado en Reino Unido
1988 The Best of Earth, Wind & Fire, Vol. 2 190 74 - Sólo Hits, Disco de Oro
1992 The Eternal Dance - - - Sólo Hits
1992 The Very Best of Earth, Wind & Fire - - 40 Sólo Hits, Lanzado en Reino Unido
1995 Definitive Collection - - - Sólo Hits
1996 Elements of Love - - - Hits de Baladas
1996 Greatest Hits Live - 75 - Álbum en Vivo
1996 Boogie Wonderland - The Very Best of Earth, Wind & Fire - - 29 Sólo Hits, Lanzado en Reino Unido
1998 Super Hits - - - Sólo Hits
1998 Greatest Hits - - - Sólo Hits
1999 The Ultimate Collection - - 34 Sólo Hits, Lanzado en Reino Unido
2002 The Essential Earth, Wind & Fire - 91 - Sólo Hits
2002 That's the Way of the World: Alive in 75 - - Álbum en Vivo
2003 EWF Live in Rio - - Álbum en Vivo
2004 Love Songs - - Hits de Baladas

Sencillos

Año Canción U.S. U.S. R&B U.S. Dance UK Álbum

1970 "Love Is Life" 93 43 - - Earth, Wind and Fire
1971 "I Think About Lovin' You" - 44 - - The Need of Love
1973 "Evil" 50 25 - - Head to the Sky
1973 "Keep Your Head to the Sky" 52 23 - - Head to the Sky
1974 "Kalimba Story" 55 6 - - Open Our Eyes
1974 "Devotion" 33 23 - - Open Our Eyes
1974 "Mighty Mighty" 29 4 - - Open Our Eyes
1975 "That's the Way of the World" 12 5 - - That's the Way of the World
1975 "Shining Star" 1 1 - - That's the Way of the World
1975 "Sun Goddess" (with Ramsey Lewis) 44 20 14 - Gratitude
1975 "Stairway to Heaven" 39 11 - -
1975 "Sing a Song" 5 1 5 - Gratitude
1976 "Getaway" 12 1 12 - Spirit
1976 "Saturday Nite" 21 4 12 17 Spirit
1976 "On Your Face" - 26 - - Spirit
1977 "Serpentine Fire" 13 1 - - All 'N All
1977 "Fantasy" 32 12 - 14 All 'N All
1978 "Jupiter" - - - 41 All 'N All
1978 "Magic Mind" - - - 54 All 'N All
1978 "Got to Get You into My Life" 9 1 - 33 The Best of Earth, Wind & Fire, Vol. 1
1978 "September" 8 1 - 3 The Best of Earth, Wind & Fire, Vol. 1
1979 "In the Stone" 58 23 - 53 I Am
1979 "Boogie Wonderland" (with The Emotions) 6 2 14 4 I Am
1979 "After the Love Has Gone" 2 2 - 4 I Am
1979 "Star" 64 47 - 16 I Am
1979 "Can't Let Go" - - - 46 I Am
1980 "You" 48 10 - - Faces
1980 "Let Me Talk" 44 8 85 29 Faces
1980 "Back on the Road" - - - 63 Faces
1980 "Let's Groove" 3 1 3 3 Raise!
1981 "Wanna Be with You" 51 15 - - Raise!
1981 "I've Had Enough" - - 3 29 Raise!
1981 "Lookin for You" 93 43 - - Hero
1983 "Fall in Love with Me" 17 4 31 47 Powerlight
1983 "Side by Side" 76 15 - - Powerlight
1983 "Spread Your Love" - 57 - - Powerlight
1983 "Magnetic" 57 10 36 92 Electric Universe
1987 "System of Survival" 60 1 1 54 Touch the World
1987 "Thinking of You" 67 3 1 94 Touch the World
1987 "Evil Roy" - 22 38 - Touch the World
1987 "You and I" - 29 - - Touch the World
1988 "Turn On (The Beat Box)" - 26 - - The Best of Earth, Wind & Fire, Vol. 2
1990 "For the Love of You" - 19 - - Heritage
1990 "Heritage" - 5 - - Heritage
1990 "Wanna Be the Man" - 46 - - Heritage
1993 "Sunday Morning" 53 20 - - Millennium
1993 "Spend the Night" - 42 - - Millennium
1993 "Two Hearts" - 88 - - Millennium
1997 "Revolution" - 89 - - In the Name of Love
1999 "September 1999" - - - 25 -
2003 "All in the Way" - 77 - - The Promise
2005 "Pure Gold" - 76 - - Illumination

Sitio Oficial: http://www.earthwindandfire.com/

Louis Armstrong

2009-04-09T07:32:00.000-07:00

Louis Armstrong (Nueva Orleans, 4 de agosto de 1901 – 6 de julio de 1971), también conocido como Satchmo y Pops, fue un trompetista y cantante estadounidense de jazz.
Se trata de una de las figuras más carismáticas e innovadoras de la historia del jazz y, probablemente, su músico más popular. Gracias a sus habilidades musicales y a su brillante personalidad, transformó el jazz desde su condición inicial de música de baile con raíces folclóricas en una forma de arte popular. Aunque en el arranque de su carrera cimentó su fama sobre todo como cornetista y trompetista, más adelante sería su condición de vocalista la que le consagraría como una figura internacionalmente reconocida y de enorme influencia para el canto jazzístico.
Los logros de Satchmo escapan a lo meramente artístico o personal, pues se convirtieron en símbolo de la creatividad del negro americano.

Primeros años

Louis Armstrong nació en el seno de una familia muy pobre y en uno de los barrios marginales de Nueva Orleans. La miseria se agudizó cuando su padre, William Armstrong, los abandonó. Louis era entonces un niño y pasaría su juventud en un difícil vecindario de las afueras de la ciudad.
No existían antecedentes musicales en su familia, por lo que su interés por este arte surgió a partir de la escucha de las célebres bandas de Nueva Orleans, que desfilaban habitualmente por las avenidas de la ciudad.
Aprendió, en primer lugar, a tocar la corneta en la banda de la Nueva Orleans Home for Colored Waifs, un reformatorio para niños de color abandonados a donde había sido enviado en varias ocasiones por delitos menores, como por ejemplo el haber disparado al aire durante una Nochevieja. Allí, aconsejado por el director del reformatorio, Joseph Jones, y el profesor Peter Davis, optó por la trompeta entre otros instrumentos.
En 1914, tras su salida del reformatorio, trabajó como vendedor de carbón, repartidor de leche, estribador de barcos bananeros y otros empleos del mismo tipo. Empezó también a trabajar en los cabarets de Storyville, donde estaban concentrados todos los locales nocturnos de la ciudad; allí conoce al cornetista Joe King Oliver, quien fue su mentor y casi una figura paternal para él.
Al tiempo, seguía con atención todos los desfiles de las bandas de música habituales en la ciudad y escuchaba a los músicos veteranos cuantas veces podía, aprendiendo de Bunk Johnson, Buddy Petit y, sobre todo, de Joe King Oliver.
Entre 1918 y 1919, ya con una bien ganada reputación como cornetista, fue contratado por el director de orquesta Kid Ory, gracias a una recomendación de Joe King Oliver, que había dejado el puesto de cornetista. Louis llegó por este camino a tocar en algunas de esas orquestas de Nueva Orleans, incluyendo aquellas que viajaban por los ríos, como por ejemplo la renombrada orquesta de Fate Marable, que realizó una gira en un buque de vapor a lo largo de todo el Misisipi. El propio Armstrong describiría esta época con Marable como "su estancia en la universidad", ya que le proporcionó una enorme experiencia en el trabajo con arreglos escritos. Cuando Joe Oliver abandonó la ciudad en 1919, Armstrong ocupó el lugar de Oliver en la banda de Kid Ory, por entonces el grupo de swing más importante de la ciudad.

Comienzos de su carrera musical

En 1922, Armstrong se unió al éxodo generalizado de músicos que se produjo hacia Chicago, a donde había sido invitado por Joe King Oliver para incorporarse a su Creole Jazz Band como segundo cornetista. La orquesta de Oliver era, a comienzos de los años veinte, la mejor y la más influyente agrupación de swing de Chicago, en una época en que la ciudad era el centro del jazz; fue en este momento cuando la popularidad de Armstrong empezó a incrementarse de forma exponencial.
En 1923, Armstrong hizo su debut con la orquesta de Oliver para el sello discográfico Okeh Records. En sus primeras grabaciones se incluyeron algunos solos y apartes como segunda corneta de la banda; en 1924, sin embargo, ya era el solista más importante y más creativo del grupo. En febrero de 1924 se casó con Lillian Hardin, pianista de Oliver, quien lo animó a abandonar a este para alcanzar mayores metas artísticas. Así, se separó amistosamente de Oliver y, tras trabajar brevemente con Ollie Powers, se marchó a Nueva York.
Su fama llegó rápidamente a oídos del mejor director de orquesta negro del momento, Fletcher Henderson, quien le ofreció un contrato para que se uniese a su banda, la Fletcher Henderson Orchestra, la principal banda afroamericana de la época. Armstrong se cambió a la trompeta para armonizar mejor con los otros músicos de su sección orquestal y debutó con ella el 29 de septiembre de 1924 en el Roseland Ballroom de Nueva York. Tras decidirse a aprender a leer música, en sólo un año revolucionó el estilo y la forma de tocar de sus compañeros y grabó con las mejores cantantes de blues de la época, como Bessie Smith.
Durante este periodo, hizo también muchas grabaciones de forma independiente con los arreglos de un viejo amigo de Nueva Orleans, el pianista Clarence Williams, como por ejemplo unos dúos con su "rival" musical Sidney Bechet y una serie de acompañamientos con los Blues Singers.

Los Hot Five y los Hot Seven

En 1925 regresó a Chicago para unirse a la orquesta de Lil en el Dreamland Ballroom; empezó a grabar bajo su propio nombre para el sello OKeh acompañando a dos formaciones creadas por él llamadas Hot Five y Hot Seven, produciendo éxitos como "Potato Head Blues", "Muggles" (una referencia a la marihuana, la cual tendía a consumir desde siempre) y "West End Blues".
El trabajo de Armstrong con ambos grupos se convertiría en clásico dentro de la historia del jazz, siendo enormemente influyente y reinterpretado.
Fuera del estudio continuó tocando con Big Bands, como por ejemplo las de Erskine Tate y Carroll Dickerson, y su repertorio comenzó a cambiar hacia canciones populares como "Ain't Misbehavin". Apoyado ahora por la prestigiosa banda de Dickerson, anunciada como su propia orquesta, Armstrong aplicaba su forma virtuosa de tocar la trompeta y su encantadora manera de cantar con enorme efecto a las melodías populares de la época. La aparición en 1926 de "Heebie Jeebies" supone la primera muestra del estilo vocal llamado scatting, que Armstrong haría famoso: un solo instrumental cantado mediante sonidos o palabras sin ningún sentido.
Armstrong regresó a Nueva York en 1929, luego se trasladó a Los Ángeles en 1930 y después realizó una gira por Europa a partir de 1932 (regresaría dos años después, en 1934), consiguiendo un espectacular éxito en París. La aparición de Joe Glaser en 1935 como su representante y la contratación de la orquesta de Louis Russell como formación de apoyo de Armstrong, establecieron el curso de los acontecimientos durante el resto de la década, en la que Armstrong pasó de ser una simple figura del jazz a un destacado miembro de la industria del entretenimiento en general.
En 1940, Glaser rompió su relación comercial con la big band de Russell y contrató a nuevos músicos: esta unidad fue el principal apoyo con el que contó Armstrong hasta 1947. El cambio de aquel año fue presagiado por la grabación de la banda sonora de la película Nueva Orleans, en la que aparecía Louis, y en la que se interpretaban obras del repertorio clásico del jazz a cargo de un pequeño grupo.
Tras pasar muchos años de gira, se asentó permanentemente en Queens, Nueva York, en 1943. Aunque no ajeno a la vicisitudes del Tin Pan Alley y del negocio musical controlado por gángsters, Louis continuó desarrollando su técnica y su carrera musical.
Durante los siguientes treinta años, Armstrong llegó a actuar una media de trescientas veces por año. En los años cuarenta, las big bands entraron en decadencia debido a los cambios en el gusto del público: muchas salas de baile cerraron y entre los nuevos medios de comunicación como la televisión y el auge de nuevos tipos de música, las big bands y el swing pasaron a un segundo lugar. Se hizo imposible mantener y financiar orquestas itinerantes de 16 músicos.

The All Stars

Hacia 1947, Armstrong redujo su banda a seis instrumentos, volviendo así al estilo Dixieland que lo había hecho famoso al principio de su carrera. Este grupo fue llamado All Stars y estaba formado por Armstrong (voz y trompeta), Jack Teagarden (trombón), Barney Bigard (clarinete), Earl Hines (piano), Big Sid Catlett (batería) y Arvell Shaw (contrabajo). Con ellos, Louis Armstrong se presentó el 13 de agosto de 1947 en el club Billy Berg's de Los Ángeles. Por la agrupación pasaron otros músicos en diferentes etapas: Trummy Young (quien tocó con Dizzy Gillespie desde 1944), Marty Napoleon, Billy Kille, Edmond Hall, Danny Barcelona, Tyree Glenn y Barrett Deems. Durante este periodo, realizó muchas grabaciones y apareció en alrededor de treinta películas.
En 1964, Armstrong grabó el que sería su tema más vendido: "Hello, Dolly". La canción obtuvo el puesto número uno en las listas de Estados Unidos, superando al grupo inglés The Beatles. Armstrong también obtuvo por el disco un premio Grammy al Mejor Cantante masculino y fue nominado a Mejor Disco del año. En este álbum se encuentra, también, otro tema clásico de Armstrong: "Jeepers Creepers".

Fallecimiento

Armstrong tuvo trabajo hasta pocos años antes de su muerte y, aunque en ocasiones en sus últimos años se inclinase hacia algunas interpretaciones triviales, en otras era capaz de demostrar un todavía asombroso dominio de la técnica y de la intuición musical que dejaba perpleja a su propia banda.
Entre sus numerosos destinos artísticos, estuvieron lugares de África, Europa y Asia, bajo el patrocinio del Departamento de Estado de los Estados Unidos; el éxito fue tan grande que terminó por ser conocido como "Ambassador Satch" (embajador Satch).
Debido a problemas de salud, restringió sus actuaciones a lo mínimo hacia el final de su vida, aunque seguiría tocando hasta el día de su muerte.
Louis Armstrong sufrió un ataque al corazón en 1959, del cual se pudo recuperar para seguir tocando. Pero un segundo ataque al corazón en 1971, le obligó a guardar reposo durante dos meses. Se reunió nuevamente a tocar con su grupo el 5 de julio de ese mismo año y, al día siguiente, murió mientras dormía por complicaciones de su corazón, justo un mes antes de cumplir 70 años.

Personalidad

El apodo Satchmo, o Satch, es una abreviación de Satchelmouth ("boca de bolsa"). En 1932, el entonces editor de la revista Melody Maker, Percy Brooks, saludó a Armstrong en Londres diciendo "Hello, Satchmo!", abreviando Satchelmouth (probablemente, sin intención), y tal apodo tuvo éxito. A comienzos de su carrera también era conocido como Dippermouth ("boca de cucharón").
Ambas referencias tienen que ver con la forma en que embocaba su trompeta mientras tocaba. La situaba sobre sus labios de tal forma que tras muchas horas de interpretación, surgía en su labio superior una hendidura, de ahí el término "Dippermouth". Esta hendidura se puede observar en muchos retratos de Louis de ese periodo y tuvo que ver con la orientación de su carrera hacia el canto debido a que le llegó a suponer una traba a la hora de tocar la trompeta. En cualquier caso, tras un periodo en que no la tocó, enmendó su forma de tocar el instrumento y continuó con su carrera instrumental. Los amigos y algunos músicos cercanos le llamaban también Pops, que es como Armstrong se dirigía normalmente a ellos (excepto a Pops Foster, a quien siempre llamaba "George").
El apodo "Satchmo" y la cálida personalidad sureña de Armstrong, combinados con su apego natural al espectáculo y a la búsqueda de una respuesta en el público, condujeron a la creación de un personaje público -la sonrisa, el sudor, el pañuelo- que terminó por ser al final de su carrera un tanto afectado y, según muchos, casi una caricatura racista de sí mismo.
Fue también criticado por aceptar el título de "King of The Zulus" (en la comunidad afroamericana de Nueva Orleans, un título honorífico para el jefe del carnaval negro Krewe, pero desconcertante y ofensivo para los foráneos por su vestido tradicional de falda verde y maquillaje de negro intentando satirizar las actitudes sureñas blancas) en el Mardi Grass (una celebración del carnaval) de 1949.
La aparente insensibilidad racial de Armstrong al aceptar el título y el disfraz de King of the Zulus han sido vistos en ocasiones como parte de un defecto mayor de Armstrong: donde algunos vieron una personalidad gregaria e introvertida, otros veían a alguien que se esforzaba por atraer al público blanco aun a costa de convertirse en una caricatura de artista. Algunos músicos criticaron también a Armstrong por tocar ante audiencias segregadas y por no tomar una postura clara en el movimiento por los derechos civiles, sugiriendo que era un Uncle Tom (véase para el concepto asociado al término el artículo tío Tom). Billie Holiday, por su parte, siempre le disculpaba subrayando en él su gran corazón.
Con todo, Louis Armstrong fue un apoyo financiero muy importante para el Dr. Martin Luther King Jr. y para otros activistas por los derechos civiles, aunque siempre prefiriese trabajar en esos asuntos de forma muy discreta, sin mezclar sus ideas políticas con su trabajo como artista.
Las pocas excepciones en que no cumplió esta norma se convirtieron entonces en muy efectivas: la crítica de Armstrong al presidente Eisenhower, llamándole "two-faced" (con dos caras) y cobarde debido a su inacción durante el conflicto de la segregación racial escolar en Little Rock, Arkansas, fue noticia nacional en 1957. También protestó cancelando una gira por la Unión Soviética en nombre del Departamento de Estado diciendo que "por la forma en que están tratando a mi gente en el sur, el gobierno podría ir al infierno" y que él no podía representar a su gobierno fuera del país cuando estaba manteniendo un conflicto con su propio pueblo.
Fue alguien especialmente generoso, hasta el punto de decirse de él que había gastado tanto dinero en los demás como en sí mismo.
Por otra parte, Armstrong estuvo constantemente preocupado por su salud y por sus funciones corporales. Utilizó con frecuencia laxantes como forma de controlar su peso, una práctica que le llevó a fomentarla públicamente aportando su experiencia y opiniones en el libro Lose Weight the Satchmo Way. El laxante favorito de Armstrong en su juventud era Pluto Water, pero posteriormente se hizo un entusiasta del remedio natural Swiss Kriss, que también publicitó siempre que se le quiso oír.

Música

En sus primeros años, Armstrong era conocido sobre todo por su virtuosismo con la corneta y la trompeta. Su mejor sonido trompetístico se puede escuchar en las grabaciones con sus Hot Five y Hot Seven. Las improvisaciones que hizo en aquellas grabaciones sobre estándares del jazz de Nueva Orleans y sobre otras canciones populares del momento, han resistido perfectamente el paso del tiempo hasta el punto de soportar la comparación con cualquiera de las hechas por otros intérpretes posteriores.
La generación más antigua de jazzistas de Nueva Orleans se refieren con frecuencia a sus improvisaciones como variaciones melódicas. Las improvisaciones de Armstrong fueron novedosas y sofisticadas en su época, aunque eran sutiles y melódicas. Lo que normalmente hacía era recomponer los temas populares que tocaba, haciéndolos más interesantes. El toque de Armstrong está lleno de alegres, inspiradas y originales melodías, saltos creativos y ritmos sutilmente relajados o dinámicos. El genio de estas composiciones tan creativas se origina en la técnica interpretativa de Armstrong, conseguida tras una práctica constante que amplió su gama, su tono y las capacidades de la trompeta. En estas grabaciones, Armstrong casi llegó a crear sin ayuda de nadie el papel del solista de jazz, convirtiendo lo que era en esencia una música colectiva de tipo folk en una forma de arte con enormes posibilidades para la expresión individual.
La actividad de Armstrong en los años veinte le llevó a tocar más allá de los límites de sus habilidades. Las grabaciones de los Hot Five, especialmente, presentan en ocasiones errores y omisión de notas, aunque son difícilmente perceptibles para una audiencia subyugada por unas actuaciones llenas de energía y espontaneidad. Hacia mediados de los años treinta, Armstrong alcanzó una seguridad plena al tener conciencia de lo que podía hacer y al realizar esas ideas con perfeccionismo.
A medida que su música progresaba y que su popularidad crecía, su canto también se convirtió en importante. Armstrong no fue el primero en grabar scat, pero fue uno de sus maestros y ayudó a popularizarlo. Consiguió un gran éxito con su interpretación de "Heebie Jeebies", con momentos de scat, y grabó "I done forgot the words" (Puedo olvidar las palabras) en mitad de su grabación de "I'm A Ding Dong Daddy From Dumas". Tales grabaciones fueron éxitos y el canto scat se convirtió en parte importante de sus actuaciones. Más allá de esto, no obstante, Armstrong experimentaba con su canto, acortando o alargando las frases, insertando improvisaciones, usando su voz de forma tan creativa como lo hacía con su trompeta.
Durante su larga carrera, tocó y cantó con los más importantes instrumentalistas y vocalistas; entre ellos, con Jimmie Rodgers, Bing Crosby, Duke Ellington, Fletcher Henderson, Bessie Smith y, especialmente, con Ella Fitzgerald. Su influencia sobre Bing Crosby es particularmente importante con relación al consiguiente desarrollo de la música popular. Armstrong grabó tres discos con Ella Fitzgerald: Ella and Louis, Ella and Louis Again y Porgy and Bess para Verve Records. Sus grabaciones sobre temas de Fats Waller en Satch Plays Fats y su disco Louis Armstrong Plays W.C. Handy en los años cincuenta fueron quizá sus últimas grabaciones creativas realmente importantes, aunque grabaciones posteriores como Disney Songs the Satchmo Way tiene sus momentos musicales relevantes. En cualquier caso, sus últimas grabaciones son criticadas como simples o repetitivas.
Armstrong logró a lo largo de su carrera un gran número de grandes éxitos con sus interpretaciones; entre ellos se cuentan "Stardust", "What a Wonderful World", "When The Saints Go Marching In", "Dream a Little Dream of Me", "Ain't Misbehavin'", "Stompin' at the Savoy", "We Have All the Time in the World" (parte de la banda sonora de la película de James Bond On Her Majesty's Secret Service y parte también de una anuncio de 1994 de Guinness), etc.
En 1964, Armstrong desbancó a The Beatles de lo alto del Billboard Top 100 con "Hello, Dolly", que proporcionó al intérprete de 63 años un récord en Estados Unidos al ser el artista de mayor edad en conseguir un número 1. En 1968, consiguió otro gran éxito en el Reino Unido con la altamente sentimental canción pop "What a Wonderful World", que copó las listas británicas durante un mes, aunque en Estados Unidos no tuviese tanto éxito. La canción caló todavía más en la conciencia popular cuanto fue usada en la película de 1987 Good Morning, Vietnam, alcanzando como consecuencia de ello una gran popularidad en todo el mundo. También sería utilizada 9 años más tarde en la película Doce monos.
Armstrong se aproximó a muchos tipos de música, desde el blues más enraizado a los arreglos más almibarados de Guy Lombardo, desde las canciones folk hispanoamericanas a sinfonías y óperas clásicas. Armstrong incorporó influencias de todas estas fuentes en sus interpretaciones, a veces provocando el aturdimiento de sus fans, que querían que el artista se mantuviese en una línea más convencional. Armstrong fue situado en el Rock and Roll Hall of Fame al ser considerado como una de sus primeras influencias. Algunos de sus solos de los años cincuenta, como por ejemplo la rockera versión del "Saint Louis Blues" del disco con WC Handy, muestran que la influencia fue recíproca.

Influencia y legado

La influencia de Armstrong en el desarrollo del jazz es virtualmente inabarcable. Incluso se puede decir que a causa de su desbordante personalidad, tanto como figura pública en sus últimos años como intérprete, su contribución como músico y cantante ha podido ser infravalorada.
Como trompetista virtuoso, Armstrong tenía una toque único y un extraordinario talento para la improvisación melódica. A través de su toque, la trompeta emergió como un instrumento solista en el jazz. Fue un magnífico acompañante y músico de grupo, aparte de sus extraordinarias cualidades como solista. Con sus innovaciones, elevó el listón musical para todos los que vinieron detrás de él.
A Armstrong se le considera el inventor de la esencia del canto jazzístico. Tenía una voz extraordinariamente peculiar, grave y rota, que desplegaba con gran destreza en sus improvisaciones, reforzando la letra y la melodía de una canción con propósitos expresivos. Fue también un gran experto en el scat, e incluso de acuerdo con algunas leyendas lo había llegado a inventar él durante su grabación de "Heebie Jeebies" al verse obligado a improvisar sílabas sin sentido al caérsele las partituras al suelo. Billie Holiday, Bing Crosby y Frank Sinatra son ejemplos de cantantes influenciados por él.
Armstrong apareció en más de una docena de películas de Hollywood (aunque en pocas con cierta relevancia), habitualmente de director de banda o como músico. Fue el primer afroamericano en protagonizar un espectáculo radiofónico de ámbito nacional en los años treinta. Realizó también apariciones televisivas, especialmente en los cincuenta y sesenta, entre las que se incluyen apariciones en el The Tonight Show de Johnny Carson. Louis Armstrong tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en el 7601 Hollywood Boulevard.
Muchas de las grabaciones de Armstrong siguen siendo populares. Más de tres décadas después de su muerte, un gran número de ellas de todos los periodos de su carrera están accesibles al público en una forma que no lo estuvieron en vida de él. Sus canciones son emitidas y escuchadas habitualmente, y son honradas en películas, series de televisión, anuncios, e incluso en anime y juegos de ordenador. "A Kiss to Build a Dream on" fue incluida en el juego de ordenador Fallout 2, como acompañamiento de la introducción. Sus grabaciones con Joe Oliver y su Creole Jazz Band continúan siendo escuchadas como documentos del estilo grupal del jazz de Nueva Orleans. Demasiado a menudo, sin embargo, de Armstrong sólo queda su toque sublime de trompeta en medio de orquestas planas y convencionales. "Melancholy Blues", interpretada por Armstrong y sus Hot Seven, fue incluida en el Voyager Golden Record y enviada al espacio como representante de los más grandes logros de la humanidad.
Armstrong fundó una fundación no lucrativa para la educación musical de niños discapacitados y legó su casa y lo sustancial de sus archivos de escritos, libros, grabaciones y recuerdos a la City University del Queens College de Nueva York, todo ello una vez que se hubiese producido también la muerte de su mujer Lucille. Los Archivos de Louis Armstrong están abiertos a los investigadores y su casa fue abierta al público como museo el 15 de octubre de 2003.
El principal aeropuerto de Nueva Orleans lleva como nombre Aeropuerto Internacional Louis Armstrong.

Discografía

1923: Louis Armstrong and King Oliver (Milestone)
1923: Clarence Williams' Blue Five (CSB)
1928: Hot Fives And Sevens, Vol. 3 (JSP)
1931: Stardust (Portrait)
1933: Louis Armstrong Sings the Blues (RCA)
1947: Satchmo at Symphony Hall, Vol. 2 [live] (Decca)
1949: Satchmo Serenades (Polygram Records)
1951: Satchmo at Pasadena [live] (Decca)
1954: Louis Armstrong Plays W.C. Handy (Columbia/Legacy)
1955: Louis Armstrong at the Crescendo, Vol. 1 [live] (Decca)
1955: Ambassador Satch (Columbia/Legacy)
1955: Satch Plays Fats: The Music of Fats Waller (Sony)
1955: Satchmo the Great (Sony)
1956: Ella and Louis (Polygram Records)
1956: Pasadena Civic Auditorium June 20, 1956 (Giants of Jazz)
1957: Porgy & Bess (Polygram Records)
1957: Ella and Louis Again (Polygram Records)
1957: Louis Armstrong Meets Oscar Peterson (Polygram Records)
1957: Louis and the Angels (Umvd Labels)
1959: The Five Pennies (Decca)
1960: Happy Birthday, Louis! Armstrong & His All-Stars (Omega)
1960: Satchmo Plays King Oliver (Varese Sarabande)
1961: Together for the First Time [With Duke Ellington] (Roulette)
1963: Hello, Dolly! (Mca)
1968: What a Wonderful World (Verve)
1968: Disney Songs the Satchmo Way (Disney)
1969: On Her Majesty's Secret Service (Capitol). BSO de 007 al servicio de su majestad.
2002: The Best of Louis Armstrong: The Hot Five and Seven Recordings (Columbia/Legacy)
2002: Satchmo Live (Orpheus Records)
2006: Complete New York Town Hall & Boston Symphony Hall Concerts (DeFinitive)

Bibliografía

Armstrong, Louis. Satchmo: My Life in New Orleans. ISBN 0-306-80276-7.
Armstrong, Louis and Brothers, Thomas. Armstrong, in His Own Words: Selected Writings. ISBN 0-553-06768-0.
Bergreen, Laurence. Louis Armstrong: An Extravagant Life. ISBN 0-553-06768-0.
Cogswell, Michael. Armstrong: The Offstage Story. ISBN 1-888054-81-6.
Meckna, Michael. Satchmo: The Louis Armstrong Encyclopedia. ISBN 0-313-30137-9.
Elie, Lolis Eric. A Letter from New Orleans. Gourmet. Reeditado en Best Food Writing 2006, por Holly Hughes. ISBN 1-56924-287-9.
Jones, Max and Chilton, John. Louis Armstrong Story. ISBN 0-306-80324-0.
Tirro, Frank (2001). Historia del jazz clásico. MaNonTroppo. ISBN 84-95601-12-5.

Sitio: http://www.louisarmstronghouse.org/

Jamiroquai

2009-04-03T20:17:00.000-07:00

Jamiroquai es una banda británica liderada por su vocalista Jay Kay. Desde su primer disco en 1993 ha sido uno de los principales grupos de referencia en el panorama Funk internacional, a la cabeza del movimiento pop jazz, apoyado por otras bandas como Brand New Heavies, Incógnito, Galliano y Corduroy, nacido en Londres como la mezcla del Jazz y Funk.
El nombre "Jamiroquai" surge de la unión del nombre de la tribu indígena norteamericana de los iroqueses, con la cual Kay dice identificarse mentalmente, y el término Jam, proveniente de la palabra "jamming" que es una sesión de improvisación musical. Hasta el momento la banda ha logrado vender más de 34 millones de álbumes en todo el mundo sin contar sus DVD, o sus singles.

Historia

Inicios de la Banda

Todo comenzó cuando Jay Kay se presentó a una audición para cantante de la banda Brand New Heavies, sin tener éxito. Tiempo más tarde decidió formar su propia banda y llamarla Jamiroquai. Grabó su primer sencillo, llamado "When You Gonna Learn?", el cual fue grabado en 1989 y salió al mercado en 1992 con el sello Acid regge, propiedad de Eddie Piller.
A partir del éxito de este sencillo la banda firmó un contrato con la casa disquera Sony BMG Music Entertainment para grabar 8 álbumes por un valor de £1,000,000. Al poco tiempo lanzaron su primer disco, llamado "Emergency on Planet Earth" y grabado en 1993. Las letras sobre conciencia social combinadas con los ritmos pop, Punk, Samba y Acid jazz generaron un éxito inmediato, llegando al primer lugar de las listas de ventas en el Reino Unido por 3 semanas seguidas. Incluía canciones como la antes mencionada "When You Gonna Learn?", "Emergency on Planet Earth", "Blow Your Mind" y "Too Young To Die". Este último fue el primer sencillo en llegar al top 10 de los singles más vendidos en Uk. Este disco tuvo 2 sencillos cancelados, "If I Like It, I Do It" y "Revolution 1993", por motivos que aún no se conocen.

Luego del éxito del primer disco, en 1994 sale al mercado The Return of the Space Cowboy, con un sonido más Funk y Acid jazz que otros discos dejando un poco de lado la música instrumental, y con letras del mismo estilo de su disco anterior. Este disco contiene temas como "Space Cowboy",una canción polémica, y que fue censurada (por conciderarse muy pornografica) en Inglaterra[cita requerida] por un tiempo y además fue el primer sencillo de la banda en llegar primer puesto en los U.s Dance, "Stillness in Time" y "Half The Man", con un videoclip muy sencillo, "Scam" que lleva un importante contenido social en su letra; y "Just Another Story". Este disco tuvo tanta fama como el álbum anterior, pero no alcanzó a llegar al primer lugar en ventas en el Reino Unido, pero logró el segundo puesto en ventas. El CD tiene estilos muy variados como por ejemplo: Acid jazz, Jazz, Soul y R&B

La era dorada

La entrada al gran público y la llegada de la fama mundial llega con su tercer álbum titulado Travelling Without Moving. Ha sido el disco más vendido de la banda, de 1996 con 1 millon de copias en todo el mundo, siendo además el disco tanto Jazz como Funk más vendido en toda la historia. También es el último disco de Jamiroquai grabado con el bajista Stuart Zender. Este álbum generó dos éxitos : "Virtual Insanity", canción que abre el disco y que es el punto fuerte del álbum y "Cosmic Girl", una maravilla del acid Jazz. También contiene otros temas como "Alright", canción famosa en especial por el coro y que fue usado por la banda en su presentación en el programa humorístico norteamericano Saturday Night Live; así como "High Times", cuyo videoclip fue grabado en Sao Paulo, Río de Janeiro y Santiago de Chile. Con estos singles tuvieron gran aceptación que les abrió un nicho en el difícil mercado americano. La gran sorpresa llegó en 1997, cuando el single "Virtual Insanity" se llevó 4 premios en los MTV Video Music Awards, entre ellos Mejor Video del Año y Mejor Cinematografía. El video también entró entre los 100 mejores videoclips de la la historia de MTV; en Latinoamérica puesto 28 y en el puesto 67 de todos los MTV en su historia ya que fue un ranking mundial. Con este disco el acid Jazz se difundió más en el mundo.
El toque de acid jazz de los tres discos ya publicados se hizo menos evidente en Synkronized de 1999. Gracias a este disco mucha gente pensó que Jamiroquai tenía un estilo más similar a Stevie Wonder. Además en este álbum Jamiroquai cambia a Stuart Zender en el bajo por Nick Fyffe, con lo que el disco toma un ritmo más Funk en sus canciones. La banda empezó a usar la música Electrónica y sus letras dejaron de tener un resentimiento social tan notorio como en los primeros discos, ya que Jay Kay escribió en las canciones recuerdos de su vida de joven. Esto se puede ver en letras como "Black Capricorn Day" y "Soul Education". Cabe mencionar que este disco generó uno de los temas más representativos de la banda, "Canned Heat", que fue puesto 4 en los singles de UK, y fue utilizado en la película Center Stage (2000) y Napoleon Dynamite (2004). "King for a day" que es sin duda una canción única, con un estilo musicalmente muy diferente a todas las canciones de la banda, además se concluye que, por las letras, esta canción va dirigida a Stuart Zender quien abandonó la banda por "diferencias irreconciliables" con Jay Kay. "Falling" en tanto, es una melodía Pop con un toque Jazz. Otro tema de este álbum que se utilizó en una película fue "Deeper Underground", que fue número 1 en los singles de UK (ha sido el único sencillo de Jamiroquai que ha alcanzado el primer puesto de singles en UK) y fue utilizado en la famosa película Godzilla.

La Odisea del Funk

El interés de Jay Kay en el funk y en la música disco hizo que la banda cambiara un poco el estilo inicial. Ya que en su quinto álbum A Funk Odyssey (2001), la influencia de la música disco es aún más evidente. Este álbum generó un sencillo llamado "Little L" que fue número 1 en listas mundiales, con otros temas que obtuvieron más reconocimiento a la banda británica, como "Love Foolosphy" o "You Give Me Something". Este disco se abre con una canción electrónica llamada "Feels so Good", y de ahí las siguientes canciones son los singles de la banda. Un dato es que el disco posee 3 silencios de más de 20 segundos cada uno.
Luego de todo este éxito, deciden lanzar su sexto disco, el cual es titulado Dynamite que salió al mercado en junio de 2005. Alcanzando el puesto 34 en listas británicas y tuvo un éxito moderado a nivel mundial. También en su comercialización, viene con un DVD, el cual contiene entrevistas exclusivas, making of, entre otros. Este disco se caracterizó por la diversidad de ritmos que trae, ya que contiene temas muy bailables como "(Don't) Give Hate A Chance" y otros con más toques de Jazz como "Talullah"; También, el tema "Feels Just Like It Should" formó parte de la banda sonora del videojuego FIFA 06 de EA Sports, además de una versión remix que fue utilizada dentro de las bandas sonoras (EA Tracks) del juego Need For Speed: Most Wanted. El disco tiene 2 versiones una normal (CD) y otra en DVD (DualDisk), las ediciones para Latinoamérica, EUA y algunos países de Europa contienen solo 11 temas no siendo así las de UK y Japón que cuentan con una décimo segunda canción (Time Won't Wait). En La Edición de Japón se puede encontrar hasta una decímo tercera canción que es un Remix de "Feel So Good" del Disco A Funk Odyssey) Con estos 6 discos, el éxito ha sido tal, que han logrado vender más de 31 Millones de discos en todo el mundo sin contar la venta de sus DVD y sus sencillos. Lo curioso es que cada disco de Jamiroquai ha pasado el millón de ventas.
En marzo de 2006, Jamiroquai anunció su cambio de casa disquera a Columbia Records aunque ésta es sólo una subsidiaria de BMG.
Últimamente han aparecido nuevos releases con los mejores temas de la banda, los cuales se pueden comprar de la página oficial, éstos incluyen algunos remixes por disco. Los releases que han aparecido, se listan más abajo.

Grandes éxitos

Jamiroquai editó su primer disco recopilatorio High Times: Singles 1992-2006 Greatest Hits, que recoge los mejores temas de la banda desde su puesta en escena en 1993 más dos temas nuevos. Este álbum esta compuesto por 2 CD, el primero con los 17 (18 para la versión japonesa) mejores temas de la banda, mas otros 2 temas totalmente nuevos ("Runaway" y "Radio"). El segundo CD es una recopilación de los mejores mixes de la banda. También está disponible su versión en DVD, el cual trae todos los clips de la banda, desde la era de Emergency on Planet Earth, hasta la era de Dynamite.
En una entrevista, Jay Kay dijo que su próximo álbum será de sonido Jazz y que está tomando clases con su madre para que le indique todo lo referente a dicho género debido a que desea hacer un gran álbum de Jazz.

Jay Kay vs. Sony

Jay Kay expresó su molestia hacia la casa discográfica Sony BMG Music Entertainment. En el 2006 en una entrevista con Sydney Morning Herald, él comento: Hoy en día el 18% es música y el 82% es publicidad de mierda. También dijo que si volvía a hacer un nuevo álbum lo vendería via internet por $5.
También dijo que High Times: Singles 1992-2006 fue puesto a la venta por obligación del contrato con la casa discográfica, expresó que solo dio la imagen y dijo que la publicaran y que ya no molestaran.
Por otra parte, Jay desmiente su separación de Jamiroquai, El líder de la banda funk-soul culpó a la prensa de malinterpretar su anuncio.
A través de una explicación publicada en el sitio oficial del grupo Jamiroquai.co.uk, fue el propio Jay Kay quien salió al frente: “Como siempre (los periodistas) lo tomaron de la forma equivocada para tener un titular barato. Todo lo que dije fue que nosotros nos tomaremos un tiempo para reacondicionar el estudio y que estaremos de vuelta haciendo música en un par de meses, No hay ninguna posibilidad de que yo renuncie al negocio de la música. Ahora que finalicé el contrato con Sony/BMG, contamos con varias opciones a nuestra disposición y nosotros simplemente nos tomaremos el tiempo para ver cuál es la correcta”, dijo Jason Kay.
Varios portavoces del grupo dijeron que el líder de Jamiroquai está trabajando en nuevos arreglos musicales para sus canciones, con el objetivo de que la próxima vez que Jamiroquai salga de gira “tenga algo fresco y novedoso en su repertorio, como por ejemplo incorporar cuerdas y bronces a sus canciones”

Discografía

Desde 1993 la banda funk inglesa Jamiroquai ha realizado 6 álbumes de estudio, 60 álbumes en vivo, 5 recopilaciones, 3 discos de remixes y 2 DVD. Un total de 50 álbumes y 52 contando los DVD. Posee 5 discos de platino, y 2 de oro, siendo el más galardonado "Travelling Without Moving". Jamiroquai posee más de 31 millones de discos de estudio vendidos alrededor del mundo. Jamiroquai posee cinco puestos número 1 en lista de ventas en Reino Unido, dos puestos número 2. En sus sencillos tiene 5 puestos número 1 en los U.S. Dance y un puesto número 1 en los Uk Singles.

Álbumes de estudio
1. Emergency on Planet Earth (1993)
2. The Return of the Space Cowboy (1994)
3. Travelling without Moving (1996)
4. Synkronized (1999)
5. A Funk Odyssey (2001)
6. Dynamite (2005)
7. Nuevo álbum (2009)

DVD de la banda
1. Live In Verona (2002)
2. High Times: Singles 1992-2006 (DVD) (2006)
3. Jamiroquai - Live at Montreux 2003 (2007)

Recopilaciones
1. Jamiroquai: Greatest Hits (1996)
2. Jamiroquai: The singles Colection (1997)
3. Jamiroquai: Greatest Hits '99 (1999)
4. Complete Odyssey (2003)
5. High Times: Singles 1992-2006 (2006)

Otros álbumes (Remixes)
1. Different Sounds - The Remixes (2002)
2. The Essential Studio Tracks (2003)
3. Late Night Tales: Jamiroquai (2003)

Trabajos de Estudio
Nombre del álbum
Información
Emergency on Planet Earth
Lanzamiento: 14 de junio de 1993
Posicionamientos: # 1 Reino Unido
Ventas mundiales:3 500 000 ejemplares, Certificación: Platino
Discográfica: Sony Records
Productores: Jamiroquai y Mike Nielson
The Return of the Space Cowboy
Lanzamiento: 17 de octubre de 1994
Posicionamientos: # 2 Reino Unido
Ventas mundiales: 4 000 000. Certificación: Oro
Discográfica: Sony Records
Productores: Jamiroquai y Mike Nielson
Travelling without Moving
Lanzamiento: 9 de septiembre de 1996
Posicionamientos: #2 Reino Unido., #24 en Estados Unidos, #4 Alemania
Ventas mundiales: 11.500.000 ejemplares vendidos ,Certificación: 2x Platino
Discográfica: Sony Records
Productores: Jamiroquai
Synkronized
Lanzamiento: 14 de junio de 1999
Posicionamientos: #1 Reino Unido., #24 U.S.A
Ventas mundiales: 4 000 000 certificación:Platino
Discográfica: Sony Records
Productores: Jamiroquai y Al Stone
A Funk Odyssey
Lanzamiento: 3 de septiembre de 2001
Posicioanmientos: #1 Reino Unido #44 U.S.A
Ventas mundiales: 4 500 000 , certificación de RIAA: Reino Unido: Platino
Discográfica: Epic Records
Productores: Jamiroquai y Pope
Dynamite
Lanzamiento: 21 de junio de 2005
Posicionamientos: #3 Reino Unido
Ventas mundiales: 4 000 000 Certificación: Oro
Discográfica: Sony Records
Productores: Jamiroquai y Mike Spencer
High Times: Singles 1992-2006
Lanzamiento: 6 de noviembre de 2006
Posicionamientos: #1 en Reino Unido
Ventas mundiales: 3 000 000 Certificación:Platino
Productores: Jamiroquai

Conciertos

Son incontables los conciertos que ha dado la banda inglesa, como el mejor de The Montreux Jazz Festival (1995), el título del concierto fue Jazziroquai, que fue un concierto promocional de su segundo álbum The Return of the Space Cowboy. El concierto Milky Way,'92 fue el primer concierto internacional de la banda, que fue celebrada en Ámsterdam, Holanda, el concierto Nagoya Diamond Hall '93 fue el primer concierto de la banda en Japón y The Roxy '93 el primer concierto de la banda en Estados Unidos (aun que, como ya señalamos antes, su popularidad en tierras norteamericanas llego en el '97 y abriendo dicha gira en The House Of Blues de la ciudad de Los Ángeles). Otro concierto que se pueden resaltar es el de Free Jazz Festival '97, fue el primer concierto de la banda en Latinoamérica que fue dado en Brasil, a esto se le puede agregar el primer concierto en DVD, Live In Verona, que fue dado en Italia en la Arena Di Verona en el 2002. La gira de conciertos de Dynamite fue una gira mundial, que comenzó en Europa, siguió por Japón, Australia, y a finales del año 2005 en Estados Unidos y Canadá. En el 2006 comenzó una gira por sudamérica, donde no tocaban desde el año 1999. La gira comenzó el 22 de marzo en Argentina, y luego continuó por Brasil, Venezuela, Colombia, Costa Rica, y México. Luego la banda retornó a europa para presentarse en festivales como el Rock In Rio en Lisboa, el North Sea Jazz Festival de Holanda, el Rock Am Ring en Alemania, y el Lovebox Festival en Londres. Después del lanzamiento de su álbum de grándes éxitos la banda dio una pequeña cantidad de shows en lugares más pequeños, como el Jazz Cafe en Inglaterra, o el concierto patrocinado por la empresa informática Intel, Scala, Inglaterra. Posteriormente a este concierto, la marca Sony Ericsson patrocinó un concierto denominado Gig in The Sky que se realizó dentro de un avión, durante un vuelo que se desarrolló entre Múnich y Atenas, al cual pudieron concurrir una limitada cantidad de fans ganadores de un concurso. Con éste concierto la banda llegó a batir 4 record Guinness (el primero fue el de álbum de Funk más vendido, después álbum de Jazz más vendido, álbum de Acid Jazz mas Vendido y ahora se suma el de Concierto a mayor altura de la historia)

Grabaciones no-oficiales de conciertos de Jamiroquai

Emergency on Planet Earth Tour (1993 - 1994)
1. If I Like It, I Do It (concierto) (The Glastonbury Festival / The Sheffield Hallam University / Live in MTV, Reino Unido)
2. Too Young To Die (Concierto) (The Glastonbury Festival / The Sheffield Hallam University / Live in MTV, Reino Unido)
3. Stockholm, Skeppsholmen '93 (The Skeppsholmen Jazz Festival, Suecia)
4. Frankfurt '93 (2 CD) - (The Batschkapp, Alemania)
5. Firenze '93 - (The Anfiteatro Delle Cascine, Italia)
6. Songs For Manitù - (The Rolling Stone, Italia)
7. Nachtwerk '93 & Astoria '94 - (The Nachtwerk Club, Alemania & The Astoria, Reino Unido)

The Return of the Space Cowboy Tour (1994 - 1995)
1. Glasgow Tramway 6.4.94 - (The Glasgow Tramway, Reino Unido)
2. Funky Paradise (2 CD) - (The Paradiso / The North Sea Jazz Festival, Holanda & Session MTV Most Wanted, Reino Unido)
3. Wien '95 - (The Bank Austria Zelt - Australia)
4. Japan Tour '95 (2 CD) - (The Garden Hall, Japón)
5. Glastonbury & Tokyo '95 (The Glastonbury Festival, Reino Unido & The Garden Hall, Japón)
6. Jazziroquai (2 CD) - (The Montreux Jazz Festival, Suiza)
7. North See Jazz Festival '95 - (The North Sea Jazz Festival, Holanda)

Travelling without Moving Tour (1996 - 1997)
1. Notting Hill Carnival 1996 - (Live at The Notting Hill Carnival, Reino Unido)
2. Touring Without Moving - (The Royal Albert Hall, Reino Unido)
3. Vibrations - (The Royal Albert Hall, Reino Unido)
4. Flying Without Moving (2 CD) - (The Zénith, Francia)
5. Galaxy (2 CD) - (The Osaka Kohsei Nenkin Kaikan Dai Hall, Japón)
6. Live Chicago '97 - (The Riviera, Estados Unidos)
7. Jammin' Speed - (The West Mc Laren Mercedes Launch Party, Reino Unido)
8. Funky Paranoïa - (The Plaza of Nations, Canadá)
9. The Cosmic Girl - (Jam In The Park, Reino Unido)
10. Alive Without Travelling - (Jam In The Park, Reino Unido)
11. Traveling - (The Phoenix Festival, Reino Unido)
12. Free Jazz Festival '97 (2 CD) - (The Free Jazz Festival, Brasil)
13. Everything Is Good (2 CD) - (Ex Teatro Monumental de Santiago, Chile)
14. Live Los Angeles '97 (2 CD) - (The Universal Amphitheater, Estados Unidos)

Synkronized Tour (1999)
1. Woodstock '99 - (The Woodstock Festival, Estados Unidos)
2. Woodstock Groove - (The Woodstock Festival, Estados Unidos)
3. Luna Park Synkronized - (Estadio Luna Park, Argentina)
4. Mikronized (2 CD) - (The Olympiahalle, Alemania)
5. Live In Ahoy'Rotterdam - (The Ahoy, Holanda)
6. King For A Night (2 CD) - (The Hallenstadion, Suiza)
7. Deeper Times (2 CD) - (The Osaka Dome, Japón)
8. Endless Step (2 CD) - (The Aichi-ken Taiikukan, Japón)
9. Tokyo Dome 1999 (2 CD) - (The Tokyo Dome, Japón)
10. Synkronized Tour 1999 - (Auditorio Nacional , México)

A Funk Odyssey Tour (2001 - 2002)
1. Live In Ahoy'Rotterdam - (The Ahoy, Holanda)
2. Live in Hamburg 2001 (2 CD) - (The Sporsthalle, Alemania)
3. Funksters - (The Sporsthalle, Alemania)
4. Titanium - (The Sporsthalle, Alemania)
5. Milan 2001 (2 CD) - (The Fila Forum, Italia)
6. Munich Zero One (2 CD) - (The Olympiahalle, Alemania)
7. Funk Attack On Brussels - (The Forest National Center, Bélgica)
8. Live at The Nippon Budokan 2002 (2 CD) - (The Nippon Budokan, Japón)
9. Live at The Glasgow SECC 2002 (2 CD) - (The SECC, Reino Unido)
10. The Wembley Night II (2 CD) - (The Wembley Arena, Reino Unido)
11. Main Live - (The Rock Am Ring Festival, Alemania)
12. Desired (2 CD) - (The Zénith, Francia)
13. Live In Verona (2 CD) / (DVD) - (The Arena, Italia)
14. Deeper Budapest - (The Kisstadium, Hungría)
15. Montreux Jazz Festival 2002 - (The Montreux Jazz Festival, Suiza)
16. Welcome To Club J (2 CD) - (The Nihon Budokan, Japón)
17. Flying Higher (2 CD) - (The Osaka Castel Hall, Japón)

The Midnight Sun Tour (2003)
1. Montreux Jazz Festival 2003 - (The Montreux Jazz Festival, Suiza)
2. Montreux Jazz Festival 2003 (2 CD) - (The Montreux Jazz Festival, Suiza)
3. Pori Jazz Festival 2003 - (The Pori Jazz Festival, Finlandia)
4. Midnight Sun Tour - (Pori Jazz Festival, Finlandia & The Montreux Jazz Festival, Suiza)

Dynamite Tour (2005 - 2006)

1. Sunderland 2005 - (The BBC Radio One's Big Week End, Reino Unido)
2. Paris La Cigale 2005 - (The Cigale, Francia)
3. Funky Riviera '05 (2 CD) - (The Théatre de La Mer, Francia)
4. Bercynamite (2 CD) - (The P.O.P, Francia)
5. Le Galaxie Amnéville 2005 (2 CD) - (The Galaxie, Francia)
6. Toronto 2005 (2 CD) - (The Kool Haus, Canadá)
7. Rock In Rio Lisbon 2006 (2 CD) - (The Rock In Rio Festival, Portugal)
8. Summer Tour 2006 - (The LoveBox Weekender Festival, Reino Unido & The North See Jazz Festival, Holanda más un Bonus de Live Sessions@AOL)
9. Dynamite Tour 2006 - (Parque Jaime Duque, Colombia)
10. Dynamite Tour 2006 - (Auditorio Nacional , México)

Sencillos
Jamiroquai posee 28 singles desde 1992 hasta el 2006. De los cuales el primero en entrar al Top 10 de los singles más vendidos en UK fue el single Too Young To Die, y el único sencillos que a alcanzdo el puesto número 1 ha sido Deeper Underground. El disco con más sencillos es The Return of the Space Cowboy con 6 sencillos, contando con 4 sencillos mundialmente y 2 sencillos promocionales uno para EE.UU. (Morning Glory) y otro para Japón The Kids, a estos sencillos podemos agregar Black Capricorn Day, que fue lanzado en Japón, Estados Unidos y Suiza, pero fue cancelado antes de ser lanzado mundialmente, porque el video promocionaba la delincuencia. El primer sencillo de la banda When You Gonna Learn? fue grabada en 1989 pero fue puesto a venta en 1992 por la casa disquera Acid Jazz. El último sencillo de jamiroquai en alcanzar el tope de los rankings mundiales fue Little L. Últimamente han salido a venta remixes de singles de la banda que son vendidas por la pag oficial de la banda www.jamiroquai.co.uk, que son remixes en formato de LP. La banda también posee singles usados como soundtrack en películas y videojuegos como:
Deeper Underground (Godzilla)
Canned Heat (Center Stage, Napoleon Dynamite y para los juegos Donkey Konga y Top Spin 3)
Everybody Going to the Moon (Titan A.E.)
Cosmic Girl (Donkey Konga)
Feels Just Like It Should (FIFA 06)
Feels Just Like It Should remix (Need for Speed: Most Wanted)

Nuevas versiones de sencillos

1. Space Cowboy - "Classic Club Anthem" (29 de mayo de 2006)
2. Cosmic Girl - "Classic Club Anthem" (07 de agosto de 2006)
3. Deeper Underground - "Classic Club Anthem" (07 de agosto de 2006)
4. Love Foolosophy (11 de septiembre de 2006)
5. Canned Heat (18 de Septembre del 2006)
6. Alright

Componentes de la banda

Jay Kay (Cantante)
Derrick McKenzie (Batería)
Sola Akingbola (Percusión)
Rob Harris (Guitarra)
Matt Johnson (Teclados)
Paul Turner (Bajo)
Lorraine McIntosh (Coros)
Hazel Fernández (Coros)

Antiguos componentes de la banda
Toby Smith - (Teclados) (1992-2002)
Wallis Buchanan - (Didgeridoo) (1992-2001)
Gavin Dodds - (Guitarra) (1993-1994)
Simon Katz - (Guitarra) (1995-2000)
Stuart Zender - (Bajo) (1992-1998)
Nick Fyffe - (Bajo) (1998-2003)
Nick Van Gelder - (Batería) (1993)
Darren Galea a.k.a. DJ D-Zire - Turntablism (1993-2001)
Adrian Revell - (Flauta, Saxofón)
Winston Rollins - (Trompeta)
Simon Carter - (Teclados) (1999-2001)

Apariciones Especiales
Andrew Levy - (Bajo) (1992)
Simon Bartholomew - (Guitarra) (1992)
Martin Shaw - (Trompeta)
Beverley Knight - (Vocalista) (2001)

||

Sitio Oficial: http://www.jamiroquai.co.uk/